Als der venezianische Maler Giovanni Antonio Canal, genannt Canaletto, um 1750 die Themse bei Greenwich malte, arbeitete er im Auftrag von Sammlern, denen es weniger um die Darstellung des Flusses ging als um die eigene Zugehörigkeit zu dem, was er darstellte: ein Symbol aufsteigender Handelsmacht, gesehen durch ein venezianisches Auge. Wer in diesen Bildern vorkam oder sie besaß, gehörte dazu. Fast drei Jahrhunderte später hat Scenic, ein australisches Unternehmen für Luxusreisen und Kreuzfahrten, dieselbe Rechnung noch einmal aufgemacht und den britischen Maler Tai Shan Schierenberg mit einer neuen Fassung der Greenwich-Ansicht beauftragt — diesmal mit der Scenic Eclipse II im Bild. Ein Schiff, welches das Haus als »ultra-luxury Discovery Yacht« führt. Entstanden ist ein Tondo von 120 Zentimetern Durchmesser; das Rundformat leitet sich von den Bullaugen und Navigationsinstrumenten des Schiffes ab.

Enthüllt wurde das Gemälde am 31. Juli 2026, als die Yacht zum ersten Mal in London festmachte, vor eben jener Anlage, die Canaletto zum Bildgegenstand geworden war. Seine Aufgabe beschreibt Schierenberg eher als Porträt denn als Vedute: »Like a portrait, the yacht has its own personality. Its designers have poured so much thought into every line and every curve that you feel a responsibility to do right by their work.« Die Linien, von denen Schierenberg spricht, gehören zu einem Schiff von 168 Metern Länge und 21,5 Metern Breite, das im Juni 2022 auf der Werft 3. Maj  in Rijeka vom Stapel lief, gebaut über die scenic-eigene MKM Yachts. Sie ist das Schwesterschiff der 2019 in Dienst gestellten Scenic Eclipse und führt deren Außenlinie fort, die Oliver Design aus Getxo im Baskenland gemeinsam mit dem Scenic-Team und dem Ingenieurbüro Foreship entwickelt hatte; für den zweiten Rumpf wurde der Entwurf nach Rückmeldungen von Gästen und Crew überarbeitet, verändert wurden unter anderem der Senses Spa  sowie der Pool- und Außenbereich auf Deck 10.

Der Rumpf ist nach Polarklasse 6 verstärkt, ein dynamisches Positioniersystem hält das Schiff in Position, ohne dass ein Anker fällt. 114 Suiten, jede mit Veranda oder Terrasse, maximal 228 Gäste (in der Antarktis 200) dazu etwas die selbe Zahl an Crewmitgliedern. Auf dem Helideck stehen zwei Airbus H130-T2, im Rumpf befindet sich mit der Scenic Neptune II  ein Triton-Tauchboot für bis zu acht Gäste plus Pilot.

Aus dieser Aufstellung ergibt sich auch die Kategorienfrage, die der von Scenic gewählte Gattungsname »Discovery Yacht« eher benennt als beantwortet : zu klein für die Ökonomie eines Kreuzfahrtschiffes, zu groß für die Logik einer Privatyacht. Die Scenic Eclipse II  hat sich also zwischen beiden eingerichtet. Und das kostet. Zunächst im Bau: Scenic nennt keine Summen, berichtet werden knapp 200 Millionen Euro. Vor allem aber kostet es dauerhaft — an Fläche, die nicht verkauft wird.

Gegen die Auslastung

»Gehen Sie auf drei Kreuzfahrtschiffe, und Sie merken sehr schnell: Bilder, Interieur, Teppiche ähneln sich alle«, erklärt uns Tom Götter, als Vice President Hotel Operations – Ocean   bei der Scenic Group für den Betrieb beider Eclipse-Yachten und der ebenso zur Flotte gehörenden Emerald-Schiffe verantwortlich. »Das Grundprinzip von Glen und Karen Moroney (red. Anmerkung: die australischen Gründer und Eigentümer der Scenic Group), war: Wir haben eigentlich gar keine Lust, so zu sein wie der Rest.« Sätze dieser Art fallen in der Branche natürlich häufig. Ungewöhnlich ist, dass sie sich hier an Maßen nachrechnen lassen.

Die übliche Breite eines Passagierkorridors liegt bei etwa neunzig Zentimetern. An Bord der Scenic Eclipse II  sind die Gänge deutlich breiter, und jeder zusätzliche Zentimeter geht von der Fläche ab, aus der sich innenliegende Kabinen schneiden ließen. Auch die Lobby ist für ein Schiff dieser Größe ungewöhnlich großzügig dimensioniert und arbeitet mit deutlich mehr Raumhöhe als üblich — Raum, den man für gewöhnlich in ein weiteres Deck und damit in weitere zahlende Gäste investieren würde. Auch das bereits erwähnte Verhältnis von Gästen zu Crewmitgliedern ist grundsätzlich eine Entscheidung gegen wirtschaftliche Effizienz und Auslastung. »Man könnte auch einfach sagen: Standarddeckenhöhe, eine Etage obendrauf, damit haben wir mehr Gäste an Bord«, sagt Götter. »Dazu hatten wir keine Lust.« Ob man das Understatement nennt oder eine sorgfältig kalkulierte Form von Knappheit, lässt sich von außen kaum trennen. Vermutlich ist es beides.

Einzelentscheidungen

Die Innenräume verantwortet Karen Moroney, Mitinhaberin und Director of Project Design. Auffällig ist an ihrer Arbeit weniger ein wiedererkennbarer Stil als ein sehr individuelles – und wohl enorm aufwändiges – Beschaffungskonzept: kein Generalausstatter, der ein Schiff aus einem Katalog bestückt, sondern eine Folge von Einzelentscheidungen. B&B Italia, Walter Knoll, Tom Dixon, Jonathan Browning für die Leuchten. In den Spa Suiten steht eine von Philippe Starck gezeichnete großzügige Wanne.

»Wenn Karen an Bord ist und mit mir über das Schiff läuft, kann sie mir zu jeder Leuchte die Lumenzahl nennen. Warum das Licht dorthin fällt, wo die Reflexionen liegen, welches Material das ist, welche Hersteller hier zusammengekommen sind«, berichtet Tom Götter.  Nichts ist von der Stange, sagt er, sondern »Mikroentscheidungen — wer macht das Sofa, überall andere Zulieferer«. Für die Sushi-Bar in Koko’s wurde ein Stuhl der Lemgoer Manufaktur Freifrau in einer Kooperation mit Missoni bezogen; Karen Moroney habe, so Götter, mit beiden Häusern gesprochen und sie zusammengebracht. Genau darin liegt der eigentliche Aufwand: Solche Stücke lassen sich nicht nachbestellen.

Auch die Kunst an Bord ist nicht bloß dekorativ eingesetzt. Ausgewählt hat sie ebenfalls Karen Moroney, ein Teil sind Auftragsarbeiten und die meisten Kunstwerke müssen erst einmal vom Gast entdeckt werden. Im Hauptrestaurant Elements hängen beispielsweise Arbeiten von Joan Miró, kommentarlos — fast wie in einer Privatwohnung, deren Besitzer:in die Sammlung nicht erklären muss.

In Koko’s  dominieren großformatige Frauenporträts in Collage-, Schablonen- und Sprühtechnik, Geisha-Motive des britischen Künstlers Carl Hush, der schon für die erste Eclipse  gearbeitet hat. Götter erinnert sich an deren Entstehung: ein Künstler, der mit Müllsäcken voller Papierschnipsel an Bord kam, Heavy Metal auflegte und arbeitete, bis sechzig, siebzig Crewmitglieder in der Ecke standen und zusahen. »Warum steht ihr so weit weg?«, habe er gefragt. Der Prozess wurde also nicht abgeschirmt, sondern zum Betriebsereignis erklärt. Das Ergebnis hängt nun ebenso unbeschildert an der Wand.

Flip-Flop-Hospitality

Dass an Bord kaum etwas einen Preis trägt, hat zunächst einen banalen Grund: Die Reise ist all-inclusive kalkuliert, Ausnahmen bleiben einigen Jahrgangsweinen und Champagnern vorbehalten. Interessant wird das erst durch die Wirkung auf die Auswahl. Üblicherweise führt ein Inklusivkonzept zur Vereinheitlichung nach unten. Hier läuft die Rechnung umgekehrt: Weil die Karte keine Zahlen nennt, entfällt eine soziale Mechanik, die Götter genau benennt. »Jeder weiß doch — wenn drei Weine auf der Karte stehen, will kaum einer den billigsten nehmen, weil es sich falsch anfühlt.« Was übrig bleibt, nennt er »Flip-Flop-Hospitality«: »Man muss alles anbieten können, aber den Gast entscheiden lassen — ob Jeans oder Kordhose, ob Lumière  oder Sushi-Bar.«

Der Gedanke reicht über Gastronomie hinaus. Ein Besuch auf der Brücke kostet in der Branche im Schnitt rund 150 Dollar; auf der Scenic Eclipse II  steht sie offen. »Man kann die 150 Dollar nehmen. Oder man öffnet die Brücke und gibt jedem Kadetten die Möglichkeit, seine Leidenschaft weiterzugeben.« Das ist durchaus auch eine betriebswirtschaftliche These — Loyalität als Langzeitinvestment — aber sie hat ihre Grenze dort, wo der Aufwand zu groß wird: Helikopterflüge und Tauchgänge mit der Neptune II  werden weiterhin gesondert berechnet. Bleibt die Zurückhaltung in der Kommunikation, das Prinzip, dass man den Freifrau-Stuhl, den Hush oder die Starck-Wanne eher zufällig entdeckt, als angekündigt zu bekommen. Ob das Absicht sei? »Zu hundert Prozent.«, antwortet Tom Götter.

Diesen Widerspruch sollte man nicht glattziehen. Ein Luxus, der seine Herkunftsnachweise nicht ausstellt, funktioniert nur für jene, die sie ohnehin erkennen. Denn Understatement ist kein Verzicht auf Distinktion, eher deren anspruchsvollere Fassung. Und wer die Zeichen nicht liest, zahlt trotzdem für sie.

Premieren

Am 1. August ging es die Themse hinunter, über Ostende schließlich in die Deutsche Bucht. Am Nachmittag des 3. August lief die Scenic Eclipse II   von Cuxhaven die Elbe hinauf, vorbei an den Landungsbrücken  und der Elbphilharmonie, und machte am Cruise Center HafenCity  fest — auch das ein Erstanlauf. Tags darauf die Hamburger Hafenplakette, am Abend das Auslaufen unter Wasserfontänen Richtung Nord-Ostsee-Kanal. Es folgen Kopenhagen, Binz, Gdynia, Visby, Mariehamn, Stockholm.

In Hamburg gab es eine Plakette und die Feuerwehr, in Greenwich wurde die Ankunft mit einem Ölbild gefeiert, Was den Ort und das Schiff über die Kulisse hinaus verbindet, hat Schierenberg übrigens wunderbar mit seinem Bild erklärt. Greenwich Hospital wurde 1694 als Heim für versehrte Seeleute der Royal Navy gestiftet und 1873 zum Royal Naval College. Im Englischen trägt das Hospital  die Gastfreundschaft noch im Wortstamm. »Greenwich Hospital was originally created as a place of hospitality before becoming a place of learning and discovery – and Scenic Eclipse II  is also a place of hospitality, built around exploration and discovery.« [CPS]

Diese Zurücknahme ist das Ergebnis einer längeren Beschäftigung mit der Bucht. 3LHD entwickelte hier bereits das Hotel Lone, den Mulini Beach sowie den städtebaulichen Masterplan für das gesamte Hotel- und Landschaftsensemble. Beim Grand Park Hotel wird der Hang selbst zum ordnenden Element. Die Rücksprünge schaffen tiefe Terrassen, auf denen mediterrane Gärten angelegt wurden. Wasserflächen begleiten die Staffelung bis zur Uferpromenade. Fünf Pinien, die bereits seit über einem halben Jahrhundert auf dem Grundstück standen, blieben Teil des Entwurfs.

Auch die städtebauliche Rolle des Hauses reicht über den Hotelbetrieb hinaus. Am Fuß des Gebäudes setzt die Lungomare Plaza  die öffentliche Promenade fort und verbindet das Zentrum von Rovinj mit der touristisch geprägten Monte-Mulini-Zone. Die unteren Bereiche wurden als zugänglicher Stadtraum angelegt, mit Gastronomie und Flächen zum Aufenthalt. Das Hotel bildet damit keine abgeschlossene Anlage am Wasser, es führt vielmehr eine bestehende Bewegung entlang der Küste weiter.

Der Innenraum als zweite Ebene

Für die Innenarchitektur arbeitete 3LHD mit dem Mailänder Studio Lissoni & Partners zusammen. Das Büro verantwortete die Gestaltung der Zimmer und sämtlicher öffentlicher Bereiche, einschließlich jener Räume, die sich entlang der Promenade zum historischen Zentrum orientieren. Die Größe des Hauses erforderte eine gemeinsame gestalterische Linie, zugleich sollten Lobby, Restaurants und Gästezimmer ihren eigenen Maßstab behalten.

Lissoni wählte dazu erdige Farben, die das starke Blau vor den Fenstern auffangen. Holz bringt Wärme in die Räume, Naturstein verleiht ihnen Ruhe. Große Verglasungen halten die Sichtachsen zur Bucht offen. In den Zimmern bleibt die Möblierung niedrig; Terrassen verlängern den Wohnbereich nach außen. Eigene Entwürfe des Studios stehen neben Möbeln aus der europäischen Designgeschichte und eigens gefertigten Einbauten. So entsteht ein Interieur, das den Charakter einer großen Ferienanlage vermeidet und eher an eine Folge individuell eingerichteter Wohnräume erinnert.

Piero Lissoni beschreibt den Ansatz so: »Ich halte das Projekt des Grand Park Hotels in Rovinj für visionär. Ein Gebäude, das sich zum Hang hin öffnet – eine stille Präsenz, die sich perfekt in die Landschaft einfügt. Ich wollte die ursprüngliche DNA des Entwurfs respektieren, habe im Inneren aber mit kulturellen Einflüssen gespielt: Ein sehr mailändisches Design trifft auf ganz andere Welten – eine ästhetische Reise, die im Osten beginnt und wieder zu uns zurückkehrt. So sind echte Lebensräume entstanden, und genau das ist es, was Architektur leisten sollte.«

Auch Kunst wurde von Beginn an in diese Räume einbezogen. Sieben Künstler:innen entwickelten Arbeiten mit Bezug zu Rovinj und seiner Umgebung. Fotografien von Veronica Gaido finden sich in den Gästezimmern, in der Promenade Lobby bildet ein großes Relief von Roberta Patalani den Hintergrund der Rezeption. Lissoni Graphx entwarf gemeinsam mit dem Stylisten Carlos Baker außerdem die Kleidung des Personals. Über fünfzig Outfits greifen Farben des Interieurs auf und erweitern das Gestaltungskonzept bis in den Betrieb des Hauses.

EIN Ballsaal als Aussichtspunkt

Am deutlichsten zeigt sich die Entwurfsidee im Grand Park Ballroom. Konferenzräume liegen in Hotels häufig in abgeschirmten Teilen des Gebäudes. 3LHD drehte den Saal zur Altstadt und entwickelte seine Geometrie von dieser Aussicht aus. Eine 15 Meter breite Isolierverglasung öffnet den Raum über eine Fläche von 48 Quadratmetern. Das Glaselement wiegt rund 5,2 Tonnen.

Die Scheibe liegt fünf Meter unterhalb der darüberliegenden Terrasse, wodurch sie verschattet wird und ihre Transparenz behält. Vor dem Saal spiegelt eine flache Wasserfläche die Halbinsel von Rovinj. Der technische Aufwand bleibt im fertigen Raum weitgehend unsichtbar. Wahrnehmbar ist vor allem die ununterbrochene Ansicht der Altstadt, die dem Ballsaal seine eigentliche Identität gibt.

Gastronomie entlang des Gefälles

Die Restaurants nutzen die unterschiedlichen Höhen des Gebäudes. Cap Aureo liegt auf der fünften Etage hinter raumhoher Verglasung. Die Küche von Jeffrey Vella wurde 2025 mit einem Michelin-Stern ausgezeichnet. Agli Amici Rovinj befindet sich unten an der Marina und folgt damit der öffentlichen Ebene des Hauses. Das Restaurant bestätigte 2026 seine zwei Michelin-Sterne und bleibt die einzige Adresse dieser Kategorie in Kroatien.

Die beiden Restaurants zeigen, wie konsequent der Bau seine Lage nutzt. Oben öffnet sich der Blick über die Bucht, unten liegt das Geschehen näher an Promenade und Hafen. Gastronomie erscheint hier als Teil der harmonisch geplanten räumlichen Ordnung des Hotels.

2025 erreichte das Grand Park Hotel Rovinj Platz 48 der Liste »The World’s 50 Best Hotels«. Die Auszeichnung bestätigt die internationale Wahrnehmung eines Projekts, dessen Wirkung aus dem Zusammenspiel zweier klarer Entwürfe entsteht. 3LHD ordnet den Hang und hält die Altstadt im Blick. Lissoni gibt den weitläufigen Innenräumen einen wohnlichen Maßstab. Die größte Qualität des Hauses aber bleibt schließlich jene Aussicht, die seine Architektur freihält. [TVR]

Besonders gut lässt sich dieser Ansatz in Wien beobachten. Mit dem Palais Rudolf  am Rudolfsplatz und dem SpittelBerg  in der Kirchberggasse betreibt Miiro zwei Häuser, die dieselbe Stadt aus unterschiedlichen Perspektiven betrachten.

Miiro Palais Rudolf

Das Miiro Palais Rudolf  im ersten Bezirk versteht sich als zeitgenössische Interpretation eines Wiener Stadthauses. 64 Zimmer, Fischgrätparkett, Vintage-Mobiliar und eine ruhige Farbpalette prägen das Haus. Das Interior-Konzept stammt von James Thurstan Waterworth, die architektonische Gestaltung von Gabriel Kacerovsky und seinem Wiener Studio Archisphere. Der Entwurf arbeitet mit einer zurückgenommenen Materialität, warmen Naturtönen und Möbeln, die dem Haus eine klassische Anmutung geben, ohne historisierend zu wirken. Kacerovsky beschreibt den Ansatz so: »Das Palais Rudolf wurde als lebendiger Ort konzipiert, nicht als Denkmal.« Kunst von Maria Lassnig, Peter Sengl, Jürgen Messensee, Max Weiler, Rudolf Hradil und Christian Ludwig Attersee begleitet diesen Gedanken. Mit dem für 2026 geplanten Baroness  Restaurant soll das Haus zudem um eine eigenständige gastronomische Adresse erweitert werden.

Miiro Palais Rudolf Vienna

Einen anderen Ton setzt das Miiro SpittelBerg im 7. Wiener Bezirk. Mit 132 Zimmern liegt es mitten im historischen Spittelberg und versteht sich als Teil eines Quartiers, das von kleinen Lokalen, Galerien und kulturellen Institutionen geprägt ist. Stein, geölte Eiche, Kalkputz sowie textile Oberflächen bestimmen die Innenräume. Maßgefertigte Lichtobjekte setzen gezielte Akzente. Das Haus wirkt weniger stadthausartig als das Palais Rudolf – es ist offener, urbaner und stärker auf Übergänge zwischen Hotel und kreativer Nachbarschaft angelegt. Auch hier spielt Kunst eine zentrale Rolle: Arbeiten von Christian Ludwig Attersee, Josef Mikl, Heimo Zobernig und Cornelius Kolig treffen auf eine ortsbezogene Intervention von Florian Metzler alias @flowsofly im Eingangsbereich. Gabriel Kacerovsky formuliert die Idee des Hauses so: »Das Haus wurde als Teil des Spittelbergs gedacht – mit klarer Struktur, offenen Übergängen und einem Verständnis von Gastlichkeit, das Architektur, Nachbarschaft und Kultur zusammenführt.«

poco bar, Miiro Spittelberg

Im Erdgeschoss erweitert das Restaurant poco diesen Gedanken in den öffentlichen Raum. Es richtet sich gleichermaßen an Hotelgäste wie an Anwohner:innen und knüpft damit an die Offenheit des Viertels an. Auch gestalterisch folgt poco keiner klassischen Hotelstruktur. Der Raum soll nahbar wirken, mit einer Gastronomie, die sich in den Tagesrhythmus des Spittelbergs einfügt.

Miiro Le Grand Hôtel Cayré

Der Blick auf die übrigen Häuser der Hotelgruppe zeigt, dass Miiro diesen ortsbezogenen Ansatz auch in anderen Regionen konsequent verfolgt. In Paris bezieht sich Le Grand Hôtel Cayré auf die Geschichte von Saint-Germain-des-Prés. In Barcelona verbindet Borneta die Atmosphäre des Viertels El Born mit einem lokalen Kunstprogramm und einem lebendigen öffentlichen Bereich. The Mansard in Gstaad greift alpine Bautraditionen auf, Templeton Garden in London entwickelt seinen Charakter aus einem weitläufigen Garten im Herzen von Earl’s Court.

Miiro Templeton Garden, London

»Unser Ziel ist es, Häuser zu schaffen, die mit ihrer Umgebung verbunden sind und Gästen einen Aufenthalt bieten, der den Charakter des jeweiligen Ortes erfahrbar macht«, erklärt Neena Gupta, CEO von Miiro. Dass hinter dieser bewusst lokal gedachten Hotelmarke mit InterGlobe Enterprises einer der größten Tourismus- und Luftfahrtkonzerne Indiens steht, macht den Ansatz umso interessanter.

Garden Suite, Miiro Templeton Garden

Zu den Konstanten des Miiro-Konzepts gehören im Übrigen auch bewusst gesetzte Details: Dazu zählen beispielsweise Pflegeprodukte von Le Labo, die über alle Häuser hinweg für einen subtilen olfaktorischen Wiedererkennungseffekt sorgen. Ergänzt wird dies durch lokale Produkte in der Minibar, Kaffee- und Teestationen, individuelle Bar- und Restaurantkonzepte für jedes Hotel sowie sogenannte Refresh Rooms für die Zeit vor dem Check-in oder nach dem Check-out. Und auch Musik ist Teil des Gestamkonzepts: Gemeinsam mit Spectre  entwickelt Miiro für jedes Haus individuelle Klangwelten, die sich im Tagesverlauf verändern und den Charakter des jeweiligen Hauses hörbar machen. [TVR]

Gelegen am Fuße des Mount Iwate, in einer historischen Farmlandschaft und eingebettet in eine weitläufige, von Natur und Landwirtschaft geprägte Umgebung, steht Azuma Farm Koiwai  sinnbildlich für die Konzentration auf das Wesentliche. Das Projekt entstand in Zusammenarbeit von Azumi Japan und der East Japan Railway Company und ist die erste Destination der neuen Marke Azuma Farm. Der Ort selbst blickt auf mehr als 130 Jahre landwirtschaftliche Geschichte zurück: Die Koiwai Farm  zählt zu den bedeutendsten historischen Farmlandschaften Japans; 21 ihrer Gebäude sind als wichtige nationale Kulturgüter ausgewiesen. In diesem Kontext versteht sich Azuma Farm Koiwai  als Hotel im westlichen Sinne – und zugleich als Ort des Aufenthalts in einem umfassenderen Verständnis.

Im Zentrum steht ein Konzept, das sich am Leben auf der Farm orientiert: am Verständnis von Herkunft, am Arbeiten mit Materialien und an Zeit als erfahrbarer Dimension. Gäste bewegen sich durch eine Umgebung, in der Natur, Handwerk und Alltag in einem lebendigen Zusammenhang ineinandergreifen. Kulinarik, Aktivitäten und räumliche Erfahrung wirken als Teile eines größeren Ganzen. Dazu gehören geführte Radtouren, Reiten auf der Farm, regionale Ausflüge zu Lackkunst und Sake-Produktion sowie Programme, die mit dem Handwerk und den Traditionen Nordjapans verbinden.

Wenn Architektur und Landschaft sonst oft visuell ineinandergreifen, treten sie hier in ein bewusst zurückhaltendes Verhältnis zueinander. Entworfen wurde das Projekt von dem in Kyoto ansässigen Architekten Shiro Miura, Gründer von Rokukaku-ya. Die Architektur bezieht sich auf die historischen Kuhställe der Koiwai Farm  und übersetzt deren landwirtschaftliche Typologien in eine zeitgenössische Form. Vertiefte Dachlinien erinnern an die Tragwerke der ursprünglichen Gebäude und schaffen eine stille Verbindung zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Die 24 Villen entstehen aus lokalen Materialien, darunter etwa 100 Jahre alte Zypressen und Rotkiefern aus der Umgebung; in den Forest Villas verankert ein zentraler Kastanienholzpfeiler aus Iwate den Raum zusätzlich im Ort.

Auch die Küche folgt dieser Rückbindung an Landschaft und Herkunft. Unter der Leitung von Chef Yoshitaka Oyama entsteht eine kulinarische Sprache, die von französischer Ausbildung geprägt ist, aber die Produkte und Jahreszeiten Tohokus in den Mittelpunkt stellt. Statt einer streng traditionellen japanischen Form geht es um eine präzise, zutatenbezogene Küche, die mit lokalen Bauern und Produzenten verbunden bleibt. Für längere Aufenthalte ergänzt Okibi, ein kleiner Pavillon mit Holzkohlegrill und U-förmigem Tresen, diese Erfahrung um eine gemeinschaftliche, vom Feuer bestimmte Form des Essens. Wellness-Angebote wie private Badepavillons und künftig auch eine natürliche heiße Quelle erweitern den Aufenthalt um eine weitere Dimension der Ruhe und Regeneration.

Gerade hier zeigt sich die Kontinuität zu Zechas früherem Werk. Was bei Aman  als radikale Reduktion begann, wird hier wieder aufgegriffen – jedoch mit einer noch stärkeren Rückbesinnung auf den Ursprung der Dinge und des Daseins selbst. Qualität entsteht auch aus Genauigkeit, und man könnte behaupten, dass das, was später als luxuriös wahrgenommen wird, immer aus einer inneren Klarheit hervorgeht. Gestaltung und Wirkung tauschen die Rangordnung: Überfluss wird ersetzt durch eine Form von Stimmigkeit, die schwer zu greifen, aber unmittelbar spürbar ist.
Azuma Farm Koiwai zeigt, dass die treibende Kraft hinter dem, was wir später konsumieren, oft noch immer die Vision eines Einzelnen ist – eine Vision, die dem Auftrag vieler dient. [Red.]

Was heute als weitläufiges, luxuriöses Refugium erscheint, begann mit einem unscheinbaren Schritt: 1960 wurden im Forsthofgut erstmals zwei Zimmer an Urlaubsgäste vermietet – an der noch heute aktuellen Adresse Hütten Nr. 2, einem der ältesten Häuser der Ortschaft Leogang. Aus diesem Beginn entwickelte sich über die Jahrzehnte ein Ensemble, das stetig gewachsen ist und weiterentwickelt wurde, ohne seine ursprüngliche Philosophie zu verlieren: Bis heute geht es im Forsthofgut  darum, innezuhalten und Natur, Architektur und Gastfreundschaft in Einklang zu erleben.

Die Hausnummer – Hütten Nr. 2 – zeugt davon: Das Forsthofgut war eines der ersten Häuser im Leoganger Ortsteil Hütten. Die ersten Urlaubsgäste konnten ab 1960 im Forsthofgut übernachten.

Der Naturbadeteich bildet das Zentrum des Fünf-Sterne-Hauses und einen stillen Fixpunkt, um den sich das Leben im Forsthofgut  entfaltet. Sein Anblick ruft literarische Erinnerungen an Henry David Thoreau wach, der in »Walden, or Life in the Woods« (1854) beschrieb, wie er in einer einfachen Hütte am Walden Pond  lebte, um bewusst und im Einklang mit der Natur zu existieren: »I went to the woods because I wished to live deliberately.«

Dieser Gedanke eines bewussten Lebens in Einklang mit Natur und Geist hat bis heute nichts von seiner Faszination verloren – und er hallt im Forsthofgut deutlich wider. Das Haus greift diesen Wunsch nach innerer Einkehr und Achtsamkeit auf und übersetzt ihn in eine zeitgemäße Form  von Gastlichkeit und Rückzug, stets im Dialog mit seiner Umgebung.

Das Wellness- & Familienhotel Forsthofgut  umfasst heute 109 Zimmer und Suiten, gestaltet mit natürlichen Materialien und einer klaren zeitgenössischen Formensprache. Diese Verwurzelung in Natur und Geschichte zeigt sich auch im übergreifenden gestalterischen Anspruch des Hauses, der weit über den harmonischen Zusammenschluss traditionsreicher und moderner Architekturstile hinausgeht. Materialien, Handwerk und die Dramaturgie der Räume werden mit großer Sorgfalt gewählt: Holz, Stein, Glas und Textilien treten in einen lebendigen Dialog mit der umgebenden Landschaft. Die Ausstattung zeigt stets Liebe zum Detail, einige der hochwertigen Designmöbel stammen beispielsweise von der renommierten Möbelmanufaktur Wittmann.

Das holistisch ausgelegte Konzept des waldSPA umfasst modernste Longevity-Angebote genauso wie individuell abgestimmte Regenerations- und Präventionsprogramme, begleitet von innovativen Treatments für Vitalität und Balance. Ergänzt wird es durch klassische Wohlfühlrituale wie Massagen, Saunen, Dampfbäder und Ruhezonen, die stets den Blick auf die Natur freigeben und das Zusammenspiel von Körper, Geist und Umgebung spürbar machen.

Die Vielfalt an kulinarischen Erlebnissen reicht vom japanischen Restaurant Mizumi mit Sushimeister in der offenen Showküche über Fine Dining im Silva  bis hin zur traditionell geprägten Küche im 1617. Dazu kommen experimentelle Cocktails an der Hotelbar Botanist, gestaltet im Stil einer Apotheke des 20. Jahrhunderts, sowie im weinWALD, wo Gäste unter Anleitung von Sommelières eine große Vielfalt internationaler Weine entdecken und verkosten können.

Die Vielschichtigkeit des Forsthofguts  zeigt sich besonders eindrucksvoll auch in der Kunst, die es beherbergt. Werke bedeutender Künstler:innen wie Erwin Wurm, Martha Jungwirth, Anselm Kiefer, Georg Baselitz, Marc Brandenburg, Gregor Hildebrandt, Mary Ramsden, Sylvie Fleury oder Stephan Balkenhol sind hier nicht als dekoratives Beiwerk gedacht, sondern als künstlerische Impulse. Ein herausragendes Beispiel ist Martha Jungwirths expressive Malerei, die zwischen Abstraktion und Figuration vibriert und im Dialog mit den alpinen Räumen eine unerwartete Resonanz entfaltet.

Martha Jungwirth, »Ohne Titel«, 2022
Öl auf Papier und Leinwand

Mit dem Werk »Ohne Titel« aus der Serie »Francisco de Goya, Stillleben mit Rippen und Lammkopf« (2022) greift Jungwirth das gleichnamige Werk des spanischen Künstlers auf und interpretiert es neu. Sie spiegelt die Form des Lammkopfes und der zerlegten Rippen, die Goyas Stillleben ausmachen. Das Werk wurde im Guggenheim Museum Bilbao ausgestellt.

Die Intention, Gäste Teil eines kulturellen Diskurses werden zu lassen, zeigt sich auch in der beinahe selbstverständlichen Begegnung mit Gegenwartskunst. Gleich beim Eintreten stößt man auf Erwin Wurms monumentale Skulptur Big Suit (2010/2016) – ein überdimensionaler, leerer Anzug, der ohne Körper auskommt. Ein Kleidungsstück, das normalerweise eng mit dem Menschen verbunden ist, erscheint hier als riesige, beinahe formlose Hülle im Raum. Gerade in dieser Abwesenheit liegt die Kraft: Fragen nach Identität, Macht und Präsenz werden aufgeworfen. Die Darstellung des kopflosen Anzugträgers ist dabei charakteristisch für Wurms fortdauernde Auseinandersetzung mit dem Skulpturenbegriff und seinem Blick auf die Gesellschaft.

Erwin Wurm, »Big Suit«, 2010/16
Aluminium, paint

Erwin Wurm, »Respect«, 2020
Portoro Marble

Die Skulptur »Respect« (2020) aus einer der jüngsten Werkserien von Wurm zeigt eine aus poliertem Marmor angefertigte überdimensionierte Wurst, die in ihrer Form beinahe an antike Statuen denken lässt. Neben den beiden Skulpturen sind auch zwei Fotografien im Workation Room ausgestellt, die von der Salzburger Galerie Thaddaeus Ropac als Leihgabe zur Verfügung gestellt wurden.

Das Gespräch über Kunst setzt sich fort – in persönlichen Begegnungen mit Künstler:innen, im Podcast »waldGEFLÜSTER« oder bei regelmäßig stattfindenden Art Talks. Dabei treten Künstler:innen, Galerist:innen und Kunsthistoriker:innen wie Jan Wentrup, Thaddaeus Ropac, Helmut Friedel oder Cornelia Stender in den Austausch mit den Gästen. So wird das Hotel nicht nur zur Bühne für zeitgenössische Kunst, sondern auch zu einem Forum, in dem ihre gesellschaftliche Relevanz diskutiert wird. Dass all dies in einem Haus geschieht, das auf 400 Jahre Geschichte zurückblickt, macht die Erfahrung umso besonderer.

Anselm Kiefer, »Alkahest«, 2011
Emulsion, acrylic, oil, shellac and object on canvas

Die Werkserie »Alkahest« besteht aus einer Reihe monumentaler Leinwände, Skulpturen und übermalten Fotografien. Alkahest ist ein Kunstwort, das in der Alchemie verwendet wurde und eine Lösung bezeichnet, nach deren Rezeptur die Alchemisten suchten: mittels dieser Lösung ließe sich jeder Stoff auflösen bzw. in seine Elemente zerlegen. Das Gebirge und Gestein wird in diesem Werk im Aufeinandertreffen mit Wasser durch Erosion „aufgelöst“ – Sedimente verschieben sich und der Berg wird Stück für Stück abgetragen. Die Flüssigkeit Alkahest, die diesen natürlichen Prozess der Natur, vorwegnehmen bzw. beschleunigen könnte, befindet sich in einem Glas, das in der Bildmitte befestigt ist. Das Werk weist auf Kiefers tiefes Interesse an der Vergänglichkeit und dem Kreislauf von Schöpfung und Zerstörung hin.

Das Forsthofgut  versteht sich als Refugium, in dem Geschichte weitergeführt wird, Kunst zum Alltag gehört und Design stets angenehm subtil präsent ist. Auch Luxus äußert sich hier nicht im Überfluss, sondern in zurückhaltender Präzision und Zeitgenossenschaft. Es ist ein Ort, an dem Natur und Architektur, Kunst und Erholung zusammenfinden, und an dem Gastfreundschaft darin besteht, Anregungen zu geben und Menschen einzubeziehen. [DM]

Bereits in der Lobby des POST Family Resort  in Unken, Salzburg, merkt man, dass Design hier nicht bei der Oberfläche endet. Der Empfangstresen ist so gebaut, dass Kinder über eine kleine Treppe hinaufklettern und auf Augenhöhe »mit einchecken« können. Es ist ein Detail, fast beiläufig. Und doch steckt darin bereits das gesamte Designverständnis dieses Hauses: Architektur, die Beziehung herstellt, statt Distanz.

Ankommen als gemeinsames Erlebnis

Wenn Design mehr sein will als ästhetische Selbstvergewisserung, dann muss es dort bestehen, wo Komplexität herrscht. Und es gibt kaum eine anspruchsvollere Nutzungsform als den Alltag von Menschen mit kleinen Kindern. Unterschiedliche Rhythmen, unterschiedliche Bedürfnisse, minimale Geduldsspannen. Wer hier von Design spricht, spricht zwangsläufig von Funktion, Antizipation und Gelassenheit. 

Das POST Family Resort  denkt genau von dieser Realität aus. Die Lobby ist kein repräsentativer Leerraum, sondern ein fein austariertes System. Bar, Spielbereich, Durchgänge und Aufenthaltszonen sind so kombiniert, dass jede Generation gleichzeitig ihrem »Freizeitding« nachgehen kann. Die Bar neben dem Spielplatz ist keine Provokation, sondern eine Erkenntnis. Eltern werden wissen, was das heißt. 

Essen darf hier ein Zustand sein

Im Restaurant setzt sich diese Haltung fort. Hier wurde akzeptiert, dass Menschen unter fünf Jahren nicht auf ihren Stühlen bleiben. Punkt. Also ist das gastronomische Konzept nicht linear, sondern flexibel. Essen darf mitgenommen, unterbrochen, wieder aufgenommen oder einfach stehen gelassen werden. Neben einem klassischen Vier-Gänge-Menü für Erwachsene gibt es ein permanent verfügbares Kinderbuffet, das nicht wie ein Kompromiss wirkt, sondern wie eine logische Erweiterung. Ergänzt wird das Ganze durch durchdachte Pop-up-Formate, etwa mit Wiener Gastronomie-Lovebrand Mochi. Eine subtile Botschaft schwingt mit: Elternsein ist kein (ästhetischer) Abstieg. 

Besonders eindrucksvoll ist die Aufmerksamkeit für jene Details, die man in klassischen Hotels entweder übersieht oder auslagert. Auf den Gängen finden sich Flaschenwärmer, Sterilisatoren und all jene Geräte, die sonst mühsam mitgeführt werden müssen. In den Badezimmern der Zimmer gibt es – kaum zu glauben – ausreichend Ablageflächen. Viele davon. Wer je mit Baby, Kulturbeutel und dem gesamten Zubehör eines halben Haushalts gereist ist, weiß, wie selten man sich hier gesehen fühlt. 

Natürlich sind die Zimmer großzügig, ruhig und hochwertig gestaltet. Das versteht sich fast von selbst. Interessanter ist, dass sie nicht versuchen, den Alltag auszublenden, sondern ihn zu entschärfen. Design nicht als Flucht, sondern als Unterstützung. 

Weniger Wege, mehr Urlaub

Dabei fehlt es dem Haus keineswegs an Erlebnisangeboten. Indoor- und Outdoor-Spielbereiche, Pools, Wasserrutschen, Kinderbetreuung, Kino, Rodelbahn, Streichelzoo, Ponyreiten, Eislaufplatz – alles ist vorhanden, alles ist nah. Nähe ist hier kein Zufall, sondern Strategie. Sie reduziert Reibung, Planung, Stress. Und genau darin liegt der Luxus. 

Am Ende bleibt die Frage, die man nach Aufenthalten in gehobenen Familienhotels immer gestellt bekommt: War es das wert? Die ehrliche Antwort lautet ja. Nicht nur wegen des Komforts, sondern wegen der Erfahrung, wie sich ein Alltag anfühlen könnte, wenn Räume mitdenken. Wenn Design nicht erklärt werden muss, sondern arbeitet. Wenn jemand versucht, ein wenig Last von müden Schultern zu nehmen. Und vielleicht liegt darin die eigentliche Pointe dieses Hauses. Dass es uns vor Augen führt, wie selten wir im Alltag Orte erleben, die diese Gleichzeitigkeit zulassen. Und wie sehr wir sie vermissen.

Wenn Design die Aufgabe hat, das Leben seiner Nutzer besser zu machen, dann ist das POST Family Resort  nicht nur ein Designhotel. Es ist einer der überzeugendsten Beweise dafür, was diese Kategorie heute leisten könnte. [KS]

Mitten im Herzen Roms befindet sich ein Hotel, in dem man sich – im allerbesten Sinne – augenblicklich auf sich selbst und die eigene Wahrnehmung zurückgeworfen fühlt. Denn das minimalistische, fast roh und skulptural anmutende Interior des Nomos Hotels  bietet unzählige Möglichkeiten, innezuhalten und sich von den vorhandenen Dingen und den Materialien, aus denen sie gefertigt wurden, berühren zu lassen – und dabei möglicherweise auch dem eigenen Wesenskern wieder ein Stückchen näher zu kommen. Auch die Geschichte des Gebäudes, die immer noch spürbar ist, spielt dabei eine zentrale Rolle: Im 18. Jahrhundert erbaut, wurde das Gebäude als Kloster genutzt und war eng mit der nahegelegenen Kirche San Paolo Alla Regola verbunden.

Von Designtrends und Opulenz fehlt hier jede Spur. Das Nomos Hotel, für dessen Gestaltung der Künstler und Designer Henry Timi verantwortlich zeichnet, ist eine poetische Liebeserklärung an die Zurückhaltung und eine Predigt dafür, den Fokus auf das Wesentliche zu richten. Dabei spielen die verwendeten Materialien eine entscheidende Rolle – Stein, Holz, Metall, Ton, Terrazzo Terracotta und Travertin. »Mother nature has granted us the luxury of being able to enjoy its products and transform them with our hands. Matter is born from the earth: wood and stone. Lots of different types of stone represent my work, but one of my favourites is travertine in all is shades and nuances«, so Timi im EST Magazine über seine Liebe zu natürlichen Materialien.

Es handelt sich um das erste Hotelprojekt des Designers, Künstlers und Kunsthandwerkers. Er beschreibt die Essenz seines Hotels als eine einzigartige Einfachheit, bei der der Besucher mit einer Materialität in Kontakt tritt, die heute durch Künstlichkeit und übermäßige Dekoration verloren gegangen ist. Diese Dekoration verkennt den Menschen als Individuum. Sein materialbasierter Minimalismus hebt sowohl den Raum als auch die Person hervor, die ihn bewohnt. So findet die Seele ihren Raum und nimmt den Geist des Ortes sowie dessen Authentizität wahr. Es geht also auch darum, durch die reduzierte, klare Innenraumgestaltung Raum für Erfahrungen zu schaffen, die später im besten Fall zu Erinnerungen werden. Gleichzeitig lädt es dazu ein, den Luxusbegriff neu zu denken und zu definieren.

Das Nomos Hotel wurde gemeinsam mit dem Architekten Angelo Zampolini und italienischen Handwerkerinnen und Handwerkern realisiert, die den historischen Räumen neues Leben einhauchten und gleichzeitig die Verbindung zur Vergangenheit des Gebäudes bewahrten. Im Erdgeschoss befindet sich ein Innenhof, ein Eingangsbereich und ein ebenfalls schlicht gehaltenes Restaurant mit Bar. Robuste Holztische und Fußböden mit geometrischen Einlegearbeiten, die an die Antike erinnern, prägen den Bar- und Restaurantbereich. Die Farben im gesamten Hotel harmonieren mit seiner klösterlichen Vergangenheit und reichen von Biskuitbeige bis zu dunkleren Erdtönen. Im Untergeschoss befinden sich ein Gym, ein Spa-Bereich und ein Weinkeller.

Die monolithischen Hotelsuiten sind über die oberen vier Etagen verteilt und mit Kunstwerken aus Rohmaterialien ausgestattet, die gleichzeitig als Stauraum dienen. Die Betten sind mit schlichter, grob gewebter Bettwäsche bezogen, weiche Samt-Poufs und Schreibtische mit klaren Linien vervollständigen die Suiten, die – wie das gesamte Hotel – ein Kontrastprogramm zum Trubel auf den Straßen Roms bieten.
Der altgriechische Begriff »Nomos« lässt sich zwar mit Gesetz übersetzen, das von Henry Timi entwickelte Hotel scheint jedoch mit allen Regeln zu brechen, die man üblicherweise mit gehobener Hotellerie und Luxus in Verbindung bringt. [SW] 

»Das Hotel war das internationale Zuhause der Weltbürger«, schreibt der Schriftsteller Stefan Zweig in seiner Autobiografie Die Welt von Gestern  (1942). Für den vielreisenden Zweig waren vor allem die sogenannten Grand Hotels  weit mehr als bloße Unterkünfte – sie verkörperten Orte der internationalen Begegnung, des Stils und der gesellschaftlichen Etikette und bildeten damit die Grundlage für ein Reisen, das er als gelebte kosmopolitische Lebensform verstand. Doch auch heute ist die symbolische Kraft, die von Grandhotels ausgeht, ungebrochen.

Erbe & Aufbruch

Hoch oben über dem Lauterbrunnental erhebt sich das Grand Hotel Belvédère in Wengen – inmitten der majestätischen Kulisse der Berner Alpen, erbaut 1912 im goldenen Zeitalter der Belle Époque. In der damaligen Tourismusblütezeit avancierte der kleine Ort zu einem alpinen Sehnsuchtsort der europäischen Gesellschaft. Das Belvédère empfing Gäste aus aller Welt – wohlhabend, weltoffen, kultiviert. Doch der Glanz jener Jahre verblasste mit den politischen, sozialen und wirtschaftlichen Umwälzungen des 20. Jahrhunderts. Das Haus selbst pendelte zwischen Betrieb und Leerstand – in jedem Fall – eingefroren in der Zeit.

2024 wurde das Grand Hotel Belvédère von der französischen Hotelgruppe Beaumier übernommen und wiedereröffnet. Das Unternehmen, bekannt für seine stilvollen Boutiquehotels, hat dem Belvédère nach einer aufwendigen Sanierung und denkmalgerechten Restaurierung neues Leben eingehaucht – mit modernem Blick auf sein reiches Erbe und unter Berücksichtigung der für diesen einzigartigen Ort authentischen Werte.

Bodenständige Szenografie & zeitgenössische Kunst

Um dem Ruf der Grand Hotels als Orte des zeitlosen Stils, der Geschichte und vor allem Haltung gerecht zu werden, wurden die Schweizer Architekturbüros Complete Works, Crausaz Tremblay und Clavien & Associés mit der Umgestaltung betraut. Diese zeichnet sich durch den respektvollen Umgang mit historischen Elementen, den Um- und Ausbau des Bestands sowie den liebevollen Erhalt und die ambitionierte Freilegung, Restaurierung und teilweise sogar Rekonstruktion der originalen dekorativen Elemente wie Wandmalereien, Stuckdecken und Holzverkleidungen aus dem frühen 20. Jahrhundert in den Restaurants und Lobbys aus. Die ästhetische Vielfalt zeigt sich in der scheinbar mühelosen Integration der nostalgischen Schönheit von Heimatstil- und – im Gegensatz dazu fast opulent wirkenden – Jugendstil-Elementen.

In intensiver Auseinandersetzung mit dem lokalen Erbe entstanden auch die 90 vollständig renovierten Zimmer und Suiten, welche mit maßgefertigten Holzmöbeln, natürlichen Materialien und zeitgemäßem Design das alpine Erbe der Region aufgreifen und mit klarer, zeitgemäßer Linienführung sowie modernem Komfort neu definieren. Die Zimmer beherbergen auch exklusiv angefertigte Kunstwerke, beispielsweise von der Textilkünstlerin Manon Daviet. Für die Zimmer des Grand Hotel Belvédère kreierte sie eine Serie von Tufting-Werken. Motive von grasenden Kühen und saftigen, grünen Weiden spielen mit den Klischees der schweizerischen Volkskultur sowie der reichen Fauna und Flora, die die Idylle der Wengener Landschaft fast surreal erscheinen lassen.

Neben bei Auktionen erworbenem Archivmaterial, das die Geschichte Wengens und seiner Umgebung dokumentiert, finden sich in den öffentlichen Räumen auch zeitgenössische Werke Schweizer Kunstschaffender, darunter Arbeiten mit territorialen Themen von Douglas Mandry. Dem gestalterischen Anspruch und der fantastischen Kulisse des Hotels – mit freiem Blick auf zwei der berühmtesten Viertausender der Alpen, Jungfrau (4.158 m) und Mönch (4.107 m) – folgend, befasst sich seine Serie The Monuments Project mit der fotografischen Erzählung dessen, was einst war und was noch kommen wird.

Der Künstler nutzt ikonografische Bilder des letzten Jahrhunderts und überträgt Fotografien schneebedeckter Berge aus den 1930er und 1940er Jahren mithilfe eines lithografischen Verfahrens direkt auf abgenutzte »Gletscherdecken« – Materialien, die aktuell in der Schweiz eingesetzt werden, um das Schmelzen der Gletscher zu verlangsamen. Diese Werke bewegen sich zwischen Trauer um eine mythische Epoche und dem Versuch, durch Hightech-Lösungen Bewahrung zu schaffen, und spiegeln die Verbindung zwischen technologischem Fortschritt und Klimawandel wider.

»…wie ein brutalistisches Relikt…«
– Valéry Clavien, Clavien & Associés

Der neu geschaffene, exklusive Spa-Bereich hingegen widersetzt sich im Großen jeglicher lokaler Tradition und jedem verspielten Charme. Zum Teil in den Steinhang integriert, verzichtet der Bau vollständig auf klassisches »Spa-Glitzern« – brutalistisch in der Ausführung, monolithisch in der Wirkung. Reduziert auf atmosphärisch einfallende Lichtachsen, die wärmende Qualität von mineralischen Materialien, die meditative Präsenz des Wassers und eine einnehmende Stille, entfaltet sich eine unerwartete Raumdramaturgie: geschaffen als ein Ort der Kontemplation und der Reduktion. Ein Innen- und ein Außenpool, Sauna, Dampfbad, Kaltwasserbecken sowie ein Ruhebereich sind inspiriert von japanischen Onsen, einem Ort der Stille und Reinheit.

Und im Kleinen achten die minimalistischen Sitzmöbel-Anfertigungen des international renommierten Designers Konstantin Grcic die alpine Bauweise jener Zeit, welche gemäß der Tradition maßgefertigt aus schlichten Holzelementen hergestellt wurde. Alles mit Blick auf die majestätische Kulisse: hoch aufragende Gletscherfelswände, rauschende Wasserfälle und die heilende Wirkung der Natur, die das Hotel umgibt – Elemente, die zugleich den Bogen zur eigenen gestalterischen Substanz und zum atmosphärischen Anspruch schlagen.

Die jüngste Wiederbelebung des Grand Hotel Belvédère  durch Beaumier  verkörpert nach wie vor jene glanzvollen Merkmale vergangener Zeiten, wie sie Stefan Zweig in seinen nostalgischen Erinnerungen an eine untergegangene Epoche beschreibt. Zugleich schlägt das Haus ein neues Kapitel auf – neu interpretiert oder gar gänzlich neu gedacht und doch tief verwurzelt –, um nicht nur die Tradition der Grand Hotels in den Alpen fortzuführen, sondern auch ein in großer Historie verwurzeltes Haus mit Feingefühl und Enthusiasmus in ein neues, noch unbeschriebenes Zeitalter zu führen. [DM]

Etwas unterhalb vom Treiben des Sunset Boulevards gelegen, setzt das Haus auf eine deutlich zurückgenommenere Form der Selbstinszenierung. Schon die unscheinbare, fast schon versteckte Zufahrt zeugt von einem 5-Sterne-Haus, das auf diskret unaufgeregten Luxus, durchdachten Komfort und ein zurückhaltendes Designkonzept zwischen cooler Britishness und großzügiger kalifornischer Raumökonomie setzt.

Das 2008 eröffnete The London West Hollywood – vormals als Bel Age Hotel bekannt – wurde vom renommierten Londoner Designstudio David Collins (um)gestaltet. Aus dem deutlich opulenteren Dekor des ursprünglichen Bel Age wurde ein designsprachlich verfeinerter Stil, der das klassische Grand-Hotel-Konzept in eine zeitgemäße Form übersetzt. Gedeckte Farben, großzügige Proportionen, Materialien von Qualität und lediglich punktuell gesetzte glamouröse Akzente prägen das die Ästhetik des Hauses. Das durchwegs unaufgeregte gestalterische Vokabular soll dabei für eine Verschmelzung von anglo-europäischem Lebensgefühl mit gediegenem Hollywood-Luxus stehen.

Die insgesamt 226 hellen, geräumigen Suiten bieten ausnahmslos übergroße Badezimmer (gestaltet vom Luxusausstatter Waterworks) sowie Balkone mit beeindruckendem Panoramablick – wahlweise Richtung Downtown L.A., die Luxusvillen-gesäumten Hollywood Hills, den Sunset Strip oder das westlich angrenzende Beverly Hills. Helle Naturtöne, weiche Textilien und nur wenige Akzente in Messing oder dunklem Holz prägen die Einrichtung. Die hochwertigen Materialien, gedeckten Farbwelten und großzügig strukturieren Räume sind im The London West Hollywood die Hauptakteure – Glamour und Opulenz werden meist lediglich angedeutet.

Als höchste buchbare Kategorie bietet die zweistöckige Penthouse Suite – die größte ihrer Art in Los Angeles – ein Gästeerlebnis auf allerhöchstem Niveau. Das über 1.000 m² große Luxus-Penthouse wurde von Vivienne Westwood persönlich eingerichtet und folgt, durchaus überraschend für die Designerin, einem sehr schlichten Stil mit klaren Linien. Die Suite verfügt unter anderem über einen Grand Salon, ein Esszimmer mit Blick auf Beverly Hills, eine moderne Küche mit privatem Serviceeingang, lichtdurchflutete Atrien, einen voll ausgestatteten Media Room und eine eigene Dachterrasse mit 360-Grad-Blick.

Nicht minder beeindruckend ist die allgemeine Dachterrasse des Hotels mit Pool, Bar und Cabanas samt beeindruckendem Blick über Los Angeles. Auch bedarf der hoteleigene 110-Plätze-Kinosaal für in L.A. natürlich besonders relevante Screening-Events – samt privatem VIP-Eingang – ebenso einer gesonderten Erwähnung wie der Fifth Avenue Club, eine Filiale der amerikanischen Luxuskaufhauskette Saks Fifth Avenue, welche den Gästen persönliches Styling und Shopping by Appointment bietet.

Auch im gastronomischen Bereich setzt man auf höchste Qualität und Liebe zum dezenten Detail: Die London Bar und das angrenzende hauseigene Restaurant Boxwood sind gestalterisch inspiriert von englischen Wintergärten und Orangerien und zeigen sich lichtdurchflutet, ausgestattet mit Möbeln in großteils hellen Naturtönen und punktuell dezenten Art-Déco-Anklängen. Kulinarisch setzt man auf moderne, saisonale und durchaus auch innovative kalifornische Küche mit gelegentlichen Referenzen an britische Klassiker – kreiert von Chefkoch Anthony Keene, der im Jahr 2010 das vormalige Gordon Ramsay Restaurant des Hotels als Executive Chef übernahm.

Ein wenig verspielt wird es dann übrigens doch noch: Die offiziellen Maskottchen des The London West Hollywood sind zwei Bulldoggen namens Winston und Churchill. Den beiden Signature-Welpen begegnet man immer wieder – sei es als kleine Statuen in Lobby oder Bar oder als Eyecatcher-Artwork am Rooftop-Pool. Vielleicht dann ja doch ein dezenter Wink in Richtung Inszenierung oder schlicht eine Erinnerung daran, dass britischer Charme am besten mit einer Prise Humor zur Geltung kommt. [Red.]

Im Süden von Downtown Palm Springs, wo der belebte Palm Canyon Drive auf die majestätische Ruhe des Mount San Jacinto trifft, findet sich das Royal Sun Palm Springs – ein verträumtes Design-Hotel und gestalterischer Schmelztiegel aus Desert Modernism, japanischem Minimalismus und subtilen Referenzen an jenen einstigen Glamour von Hollywood. 

Die 66 Zimmer und Suiten folgen einer reduzierten Gestaltung: Klare Linien und natürliche Materialien kontrastieren mit expressiven Akzenten. Sichtbeton und warme Holztöne treffen auf gemusterte Bodenbeläge und textile Interieurs in erdigen Nuancen. Plüschige Loungesessel und grafische Fliesen zitieren die Ästhetik der 1950er-Jahre – ohne ins Dekorative abzudriften.

Das Herzstück des Hotels ist allerdings der Außenbereich, der den Eindruck erweckt, man befände sich mitten in einem Film des amerikanischen Regisseurs Wes Anderson. Exakte Symmetrien und eine stimmungsvolle Farbgestaltung zwischen Retro-Orange und Salbeigrün spiegeln sowohl die Umgebung als auch die historischen Inspirationsquellen des Hotelkonzepts wider, und harmonieren dabei mit der kaktuslastigen Landschaftsgestaltung als Hommage an die umgebende Wüste. Konzept und Farben stehen dabei stets auch im Einklang mit dem berühmt-einzigartigen zart-rosa bis goldenen (Sonnenuntergangs-)Licht von Palm Springs.

Substanz vor Spektakel, Retro-Charme ohne in Kitsch abzudriften und Palm-Springs-typische Leichtigkeit statt krampfhafter Coolness: Das Royal Sun Palm Springs mag womöglich nicht durch höchste Luxus-Annehmlichkeiten begeistern, doch sein Designkonzept, das mit den spannenden Gegensätzen seiner Umgebung, mit Nostalgie und vielfältigen Stilen spielt, ist ein Ort, der für funktionalen Luxus ohne Attitüde steht – ein verträumtes Refugium mit einem eindrucksvollen Verständnis für Farben, Materialien, Proportionen – und ganz besonders: Atmosphäre. [SW]

Connected

Mit mehr als 300 Reisezielen und einem der dichtesten Streckennetze weltweit betont die renommierte, aufgrund ihrer hohen Qualität vielfach ausgezeichnete Airline ihre enge Verzahnung mit der Metropole Istanbul, dem wichtigen Bindeglied zwischen Orient und Okzident und kreativ-kultureller Impulsgeber des Landes. Mit einem enorm reichen kulturellen Erbe ist Istanbul zugleich aber auch eine Stadt, in der die ständige Wechselwirkung zwischen Tradition und Moderne, zwischen Geschichte und Aufbruch, zwischen Konservativismus und Offenheit an fast jeder Ecke spürbar ist. Kulturen treffen aufeinander, treten in Interaktion und verbinden sich tagtäglich zu etwas Neuem. Für die nationale Fluggesellschaft der Türkei, ein Unternehmen, das sich als moderner Brückenbauer zwischen Ost und West versteht, geht es im Besonderen um ebenjenen Moment der Verbindung, aus der im Idealfall eine Form von Verbundenheit erwächst.

Metropole Istanbul: Das wichtigste Bindeglied zwischen Orient und Okzident und kreativ-kultureller Impulsgeber des Landes.

Human Centered

Ein wichtiges Element stellt dabei bereits die Turkish Airlines Lounge am Flughafen Istanbul dar, die als eine der luxuriösesten Flughafen-Lounges weltweit gilt und vom renommierten Designstudio Autoban, das ebenfalls in Istanbul beheimatet ist, entworfen wurde. In der Gestaltung der Lounge soll sich sowohl jene herausragende Gastfreundschaft als auch die Weltoffenheit, der sich Turkish Airlines als Fluglinie verschrieben hat, widerspiegeln. Um diesen Anspruch zu erfüllen, setzte das Studio auf warme, natürliche Materialien wie Holz, Leder und Stein wie auch auf die Verbindung traditionell türkischer Gestaltungselemente mit modernen, minimalistischen Formen. Organische Formen und arkadenartige Strukturen prägen die 3.000 Quadratmeter große Lounge, die in verschiedene Bereiche unterteilt ist. Neben luxuriösen Sitzmöglichkeiten bietet sie unter anderem private Kabinen, komfortable Arbeitsbereiche und ein schier unendliches gastronomisches Angebot sowie auch einen Wellnessbereich. 

Links: Operatives Zentrum von Turkish Airlines: Der Flughafen Istanbul, einer der modernsten und größten globalen Drehkreuze weltweit.
Rechts: Turkish Airlines Lounge am Flughafen Istanbul, entworfen vom renommierten Designstudio Autoban.

Dieser sich am Menschen orientierte Designansatz zeigt sich in der Folge auch am Kabinendesign von Turkish Airlines, einem hervorragenden Beispiel für human-centered design  im Luftfahrtbereich. Durch die kontinuierliche Fokussierung auf die Bedürfnisse der Passagier:innen wird eine Kabinenerfahrung geschaffen, die sowohl physische als auch psychologische Bedürfnisse anspricht – von ergonomischem Komfort über benutzerfreundliche Technologie bis hin zu psychologischer Wohlfühlatmosphäre.

Kabinendesign von Turkish Airlines – ein hervorragendes Beispiel für human-centered design im Luftfahrtbereich.

Modern

Als weltweiter Botschafter der türkischen Kunst und Kultur setzt Turkish Airlines auch auf Partnerschaften mit Museen oder kulturellen Institutionen. Dazu gehört, neben zahlreichen anderen, auch die Zusammenarbeit mit Istanbul Modern, dem ersten, 2004 gegründeten Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in der Türkei, dessen Sammlung einen Zeitraum von 1945 bis heute erfasst. Das ursprüngliche, aus einem ehemaligen Lagergebäude am Bosporus umgebaute und für den temporären Gebrauch konzipierte Gebäude von Istanbul Modern wurde von dem türkischen Architekturbüro Günay-İbrahim entworfen. Seit 2018 befindet sich das neue, größere Gebäude, das den wachsenden Anforderungen und der Erweiterung der Sammlung gerecht werden sollte, im Bau. Damit beauftragt wurde der international renommierte Architekt Renzo Piano. Der Stararchitekt steht für die grenzenübergreifende Bedeutung von Istanbul Modern  als kulturelle Institution, die das Museum in der globalen Architekturwelt etabliert.

Der neue Bau von Stararchitekt Renzo Piano steht für die grenzenübergreifende Bedeutung von Istanbul Modern als kulturelle Institution, die das Museum in der globalen Architekturwelt etabliert.

Istanbul Modern ist das erste, 2004 gegründete Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in der Türkei, dessen Sammlung einen Zeitraum von 1945 bis heute erfasst.

Insbesondere dieses Beispiel der Verzahnung von Turkish Airlines mit lokalen kulturellen Initiativen positionieret die Airline in jedem Fall als authentischen Vermittler einer nationalen Identität – ein starker narrativer Motor, der durchaus auch als Abgrenzung gegenüber anderen führenden Premium-Fluggesellschaften mit vergleichbar hochwertigem Services und moderner Designsprache funktioniert: Eine gelungene Kreation eines stringenten Reiseerlebnisses, das Mobilität mit Aspekten aus Design, Architektur und Kultur gekonnt miteinander fusioniert. [Red.]

Reise und Recherche vor Ort erfolgten auf Einladung von TURKISH AIRLINES.

Adrère Amellal, berberisch für »Weißer Berg«, ist ein Hotel wie kein anderes. Eine luxuriöse Öko-Lodge, die sich trotz oder gerade wegen ihrer exklusiven Lage dem nachhaltigen Tourismus, der Entschleunigung und Zurückhaltung anstelle von extravagantem Überfluss verschrieben hat. Das Kernkonzept hier ist die Verbindung mit der Natur und dem Erbe der lokalen Tradition. Von in anderen Kontexten als selbstverständlich gehaltenen Amenities wie Strom, Wifi, Air Condition oder Room Service wird hier ganz bewusst abgesehen. Stattdessen wird Raum für Gedanken, Ruhe und Erholung im Einklang mit der Natur und mit sich selbst geschaffen. Rough Luxe.

Im Gegensatz zu anderen Hotels, mit ähnlichem Renommee, verbirgt sich hinter dem einzigartigen Gebäude und Charakter der exklusiven Öko-Lodge allerdings keine berühmte Architektin oder angesehener Hotelier. Denn auch wenn die Idee für diese außergewöhnliche Anlage inmitten des nordafrikanischen Wüstenszenarios von einem der bekanntesten Ökologen Ägyptens – Dr. Mounir Neamatalla – stammt, ist Adrère Amellal vielmehr ein Produkt der Co-Creation der lokalen Bevölkerung, eines Teams von an Nachhaltigkeit interessierten Collaborators, sowie von Anmerkungen der Hotelgäste.

Dr. Mounir Neamatalla, der Gründer und Geschäftsführer von EQI – Environmental Quality International, engagiert sich mit seinem 1981 gegründeten Unternehmen für die ökosensible Entwicklung im Nahen Osten und in Nordafrika. Ziel war es seit Beginn des Projektes die lokale Siwan-Gemeinschaft an der Entwicklung dieser Initiative zu beteiligen und so die örtliche Kultur zu bewahren und zu fördern.

Lokale HandwerkerInnen haben die Gebäude nach traditionellen Baumethoden und damit unter idealen Bedingungen und im Einklang mit der Natur errichtet. So wurden beispielsweise die Dächer mit Palmen gedeckt, die für optimale Temperaturen bei Tag und Nacht sorgen. Die Wände wurden aus Kershef gebaut – einer traditionellen Mischung aus sonnengetrocknetem Steinsalz, Lehm und Stroh. Die Bäder wurden aus Sandstein, Betten und Nachttische aus Salzstein gebaut. Selbst das Wasser für den Swimmingpool, eine der wohl klassischsten Einrichtungen der Anlage, stammt aus einer der 1.000 lokalen Siwa-Quellen. Selbst mit der limitierten Anzahl von 40 Zimmern wird darauf Rücksicht genommen, die natürlichen Kapazitäten der direkten Umwelt nicht zur Erschöpfung zu bringen.

Während die Farbpalette der Eco-Lodge tagsüber von den sandfarbenen Gebäuden und Landschaften, dem Weiß der Leinenstoffe, sowie dem hellen Blau des angrenzenden Salzsees bestimmt wird, sind es nachts das Schwarz des Wüstenhimmels und das flackernde Rot-Gold des Kerzenlichts, die dieser Oase in der Oase ihren ganz besonderen Reiz verleihen.

In puncto Kulinarik machen extravagante Menüwünsche Platz für authentische Gerichte mit lokal und biologisch produzierten Zutaten. Und auch, wo am Abend gespeist wird, liegt ganz in der Hand des Windes. Die Gäste wissen nur, wann das Abendessen serviert wird – das Menü und der Ort wechseln jedoch täglich. Das Einzige, worauf sich die Gäste abends verlassen können, ist, dass ein dezent beleuchteter Kerzenweg sie zu ihrem Tisch führen wird.

Das Adrère Amellal ist ein Refugium für kulturell interessierte und ökologisch sensibel Reisende. Es ist ein Ort an dem man Ruhe und Entspannung in ihrem Ursprung findet, ein Ort der die Natur respektiert und einem diese mit seinem Konzept behutsam und authentisch wieder näherbringt. [MS]

Benannt nach dem maltesischen Wort für »Wasser«, soll die Ilma  fortan allen Gästen eine einzigartige Reiseerfahrung bieten, bei der insbesondere auch das kürzlich präsentierte Designkonzept eine wichtige Rolle spielt. Dieses wurde unter Einsatz hochwertigster Materialien und Handwerkskunst vom renommierten Londoner Architekturbüro AD Associates und dem preisgekrönten Lichtdesign-Studio DPA gestaltet, während für das Außendesign das in Helsinki ansässige Studio Aivan verantwortlich zeichnet. 

Das Design der Ilma solle dabei subtil Geschichten erzählen, inspiriert von den Küsten, der Natur und der Mythologie Maltas. Frische, neutrale Farbtöne werden durch helle und dunkle Oberflächen ergänzt, um eine spannende visuelle Vielfalt zu kreieren. Die Innenräume der 224 Suiten, die mit bodentiefen Fenstern und privaten Terrassen ausgestattet sind, präsentieren sich in einer wahrlich außergewöhnlichen Eleganz, die an die Exklusivität privater Luxusyachten erinnert. Jede Suite ist dabei flexibel gestaltet, um den individuellen Bedürfnissen und Vorlieben der Gäste gerecht zu werden. Auch eine Sammlung harmonisch mit dem Design korrespondierender Kunstwerke, die für ein inspirierendes Ambiente sorgen soll, ist Teil des exklusiven Gesamtkonzepts der Superyacht. 

»Mit einer Ästhetik, die vom Superyacht Design inspiriert ist, zeichnet sich Ilma  durch eine nahtlose Integration der Räume aus, die eine tiefe Verbindung zum Meer herstellt«, beschreibt es Nicola Preece, Design Director bei AD Associates. »Ein harmonischer Fluss von Geometrie und Textur zwischen Innen- und Außenbereich schafft eine kohärente und ruhige Atmosphäre.«

Ein besonderes Highlight wird, wie auch bei den anderen Flottenmitgliedern der Ritz-Carlton Yacht Collection, die Marina sein, mit ihrer offenen, großzügig gestalteten Terrasse samt hydraulischer Plattform, welche die Gäste direkt mit dem Meer verbindet. Mehrere Swimmingpools, darunter ein beeindruckender Infinity Pool, das insgesamt 11 Räume umfassende Ritz-Carlton Spa sowie modernst ausgestattete Fitnessbereiche sorgen für das fast schon erwartbare Level an luxuriösen Annehmlichkeiten.

Kulinarisches Zentrum an Bord der Ilma soll, nebst unzähligen anderen Optionen zwischen casual und fine-dining, das so genannte Beach House darstellen, welches vom in Toronto ansässigen Studio Chapi Chapo Design konzipiert wurde. »Unser Leitgedanke war es, die vielfältigen Aromen und Farben aufzugreifen, die nicht nur Teil der peruanischen Küche sind, sondern auch tief in der Kultur und dem Lebensstil dort verwurzelt sind«, so Tatiana Sheveleva, Partnerin bei Chapi Chapo Design. »Wir haben uns von der kühnen Verwendung von Mustern, unerwarteten Farbpaletten und einem lebhaften Spirit inspirieren lassen. Wir wollten einen Raum schaffen, der diese Grundlagen lebt und atmet, der die Kultur sowohl ästhetisch als auch atmosphärisch feiert und widerspiegelt.«

Als exklusives Restaurant mit Innen- und Außenbereich bietet es den Gästen nicht nur einen 180 Grad Blick über das Meer sondern auch kulinarische Kreativität, wobei der Schwerpunkt des Küchenkonzepts auf peruanischer und pan-lateinischer Küche liegen wird.

Als beeindruckender Neuzugang in der Flotte an Superyachten unterstreicht die Ilma in jedem Fall schon vor ihrer ersten Fahrt den Fokus der Ritz-Carlton Yacht Collection auf die Kreation ultraluxuriöser Reiseerlebnis auf See. Am 2. September 2024 wird die Ilma schließlich ihre Jungfernfahrt von Monte Carlo nach Rom antreten und dann den Beweis antreten, nicht nur ich puncto Design neue Standards zu setzen. [ED]

Gelegen im Bundesstaat Quintana Roo im östlichen Teil der Halbinsel Yucatán ragt das neue Wellnessparadies SHA Mexico Costa Mujeres hoch in den Himmel, zwischen dem Smaragdgrün der Mangrovenwälder und den unendlichen Blautönen der Karibik.
Auch die mexikanische Destination der SHA Wellness Clinic bietet seinen Besucher:innen nicht nur einen entspannten Aufenthalt, sondern verbindet diesen ebenfalls mit gesundheitsfördernden Maßnahmen. Ein Konzept, das immer mehr Anklang findet – weg vom Wassertreten in Thermalquellen hin zu allumfassender Prävention in Gesundheitsfragen mit Hilfe modernster Medizin, hocheffektivem und erstklassigem Therapieangebot.

Um das gewünschte äußere Erlebnis und innere Ergebnis auf ganzheitlicher Ebene zu generieren, setzt man auf ein modernes architektonisches Konzept. Entworfen von dem renommierten mexikanischen Architekturbüro Sordo Madaleno, rezipiert die Struktur der mehrgeschoßigen, sich wellenförmig an die Küste schmiegenden Fassade das doppelstrangige menschliche Genom. Für das unqualifizierte Auge verweist die offene Bauweise und cleane Ästhetik zwar durchaus auch auf den Zweck des Gebäudes – ein modernes Wellnessparadies – doch die eigentlichen, ambitionierten Ausmaße des Versprechens auf Erholung, offenbaren sich erst im Inneren des weitläufigen Komplexes. Das Wellness Resort bietet seinen Gästen nämlich nicht nur einen komfortablen und erholsamen Aufenthalt, sondern unter anderem auch vielfältige medizinische Praxisräume mit unterschiedlichster Spezialisierung, welche zudem alle einen faszinierenden Blick auf das Meer oder die Mangrovenwälder bieten.

Ein state-of-the-art Fitnessstudio, Yoga- und Meditationsräume, Spa und Hydrotherapiebereich bieten entsprechende Räume für Körper und Geist, um Energie, Kraft und Langlebigkeit zu steigern. Die Fitnesseinrichtungen werden zudem ergänzt durch Trainingsbereiche im Innen- und Außenbereich, darunter vier unterschiedliche Fitnessstudios, Hightech-Fitnessgeräte mit Virtual-Reality-Joggingstrecke, geführte Meditationswanderungen sowie Tennis- und Padel-Tennisplätze, um nur einige zu nennen. Zu den weiteren Annehmlichkeiten gehören unter anderem ein Kino, Kunstausstellungen, eine Bibliothek, Konferenzräume und ein Kochstudio, in dem Workshops zum Thema gesundes Leben angeboten werden.

Dem ganzheitlichen Ansatz folgend verbindet Innenarchitekt Alejandro Escudero das Innere und Äußere der Anlage durch sorgfältig ausgewählte natürliche Materialien wie mexikanische Keramik, Weidengeflechte, einheimische Textilien und Marmor. Zudem wurde bei der Umsetzung des Projektes umfassend auf natürliche Baumaterialien und erneuerbare Energiequellen gesetzt, um die Belastung für die umliegende Landschaft zu minimieren.

Die üppigen tropischen Gärten wurden vom Architekturstudio Maat Handasa unter Berücksichtigung des natürlichen Lebensraums einheimischer Arten gestaltet und angelegt. Mit seinem eigenen weißen Sandstrand und einer natürlichen Quelle, einem »Cenote«, liegt das SHA Mexico Costa Mujeres direkt gegenüber dem größten Korallenriffs der nördlichen Hemisphäre, einem unter Artenschutz stehenden Meeresökosystem.

Die Gäste haben die Möglichkeit, privat per Flugzeug oder Schiff anzureisen. Ein diskreter Heliport und ein Anlegesteg bringen sie direkt in eines der 35 Residenzen, 100 Zimmer und Suiten, die alle über private Balkone mit Panoramablick verfügen. Ein Infinity-Pool und ein Beach-Club ermöglichen es, zwischen den Sprechstunden, Behandlungen und Erlebnissen auch die einfachen, sich seit jeher bewährenden Freuden Mexikos zu genießen. [DM]

Winston Churchill sagte einst: »Zuerst prägt der Mensch den Raum, dann prägt der Raum den Menschen.« Eine Feststellung, die die Stadt in der Mojave Wüste auch zum Forschungsgegenstand der amerikanischen Architekt:innen Robert Venturi, Denise Scott Brown und Steven Izenour machte. In ihrem 1972 erschienenen Buch – heute ein Schlüsseltext und Klassiker der Architekturtheorie – »Learning from Las Vegas« legen sie die Wüstenstadt als Inbegriff der kommerziell ausgerichteten amerikanischen Stadtplanung-, und Entwicklung aus. Dabei versuchen Scott Brown, Venturi und Izenour auch soziale Fragestellungen schlüssig nachzuvollziehen – eine unbestritten grundlegende Komponente des Systems Las Vegas.

City of Entertainment

Welche Auswirkungen diese auf die Hotels einer Stadt, die auf Entertainment rund um die Uhr ausgerichtet ist, haben, lässt sich beispielsweise an einer der berühmtesten Bauten am Las Vegas Strip nachvollziehen – dem Bellagio Las Vegas.
Dass der facettenreiche soziale Aspekt im modernen Hotelleriebetrieb eine tragende Rolle spielt, ist keine überraschende Feststellung. Im Zusammenhang mit einem Megahotel wie dem Bellagio ist es allerdings ein äußert vielschichtiges Konstrukt, das weit über freundliches, aufmerksames Personal hinausgeht. Dieses muss in der Lage sein sich flexibel durch den gesamten Mikrokosmos zu ziehen und – je nach Bedarf und Auslegung – auf die unterschiedlichsten Bedürfnisse umzumünzen sein – und das im wahrsten Sinne des Wortes. Dabei entsteht eine durchaus komplizierte Wechselwirkung zwischen dem Betrieb und seinen Besucher:innen, zwischen Raum und Psyche, welche nach einem regulierten System verlangt, beispielsweise mittels Außen- und Innenarchitektur.

Eine Bühne für alle

Das Bellagio ist ein beeindruckender Bau, mit der Hauptfassade halbkreisförmig um einen drei Hektar großen See – den Fountains of Bellagio –, der zu gegebenen Zeiten spektakuläre Wasserspiele zum Besten gibt, angeordnet. Im Inneren befinden sich Besucher:innen in einem gefühlt in sich geschlossenen Ökosystem, das scheinbar in der Lage ist, alle ihre Bedürfnisse zu erfüllen. Ein solcher Komplex, in dem Menschen mit den unterschiedlichsten Ansprüchen, aber ähnlichem Anliegen, zusammenkommen, bedarf nicht nur einer soliden Bauweise sondern allen voran viele durchdachte, auf physische und psychische Aspekte der Gäste, zugeschnittene Lenkmechanismen. 

Auf der untersten Ebene des Bellagio, auf einer rund um die Uhr betriebenen Casino-Fläche von 10.800 m², gehören dazu nicht nur die gigantischen Belüftungsanlagen, die die Raumluft filtern, das gezielte Einsetzen von Licht oder das Dämpfen von Umgebungsgeräuschen mittels Teppichböden, sind nur einige der wirkungsvollen kleinen Kniffe, um die Zeit aus den Angeln zu heben.

Auf gesamter Ebene

Wer viel erlebt, muss auch viel verarbeiten und so kanalisiert man die Bedürfnisse der Menschen, indem man sie von unten nach oben durch das Gebäude fließen lässt. In diesem Sinn bieten die oberen Ebenen des Bellagio Mikrokosmos einen Rückzugsort, sofern als solcher genutzt.

Dabei spielt Licht wieder eine zentrale Rolle und beeinflusst die Aktivität vs. Entspannung und fördert so einen Tag- und Nachtrhythmus in einem Ambiente, in dem die Grenzen oft fließend sind. Neben großen Fenstern, die vom Boden zur Decke reichen, bietet das monumentale Casino-Resort seinen Besucher:innen beachtliche 3.950 elegant eingerichtete Zimmer, samt luxuriösem Marmorbad und vielen weiteren modernen Annehmlichkeiten. Die Suiten befinden sich auf den höchsten Ebenen des Hotels, bieten einen privaten Aufzug, separate Schlaf- und Wohnbereiche, eine Whirlpool-Badewanne und einen Butlerservice, alle weiteren Wünsche können sicherlich nach einem direkten Gespräch erfüllt werden. Selbstverständlich spiegelt der Service das Budget der Gäste wider, wobei anzumerken ist, dass im Bellagio auch Menschen mit durchschnittlichen finanziellen Möglichkeiten mehr geboten, als zunächst erwartet wird – schließlich sollen und wollen ja alle auf ihre Kosten kommen – unabhängig der (Hotel-)Ebene.

Fast unnötig erscheint es, das umfangreiche gastronomische Angebot zu erwähnen, das nebst auf Unterhaltung und Staunen ausgerichteten Bars, auch stilvolle, internationale Restaurants, Cafés und gefühlt unzählige weitere, »niederschwelligere« Optionen für das vielfältige Publikum der Stadt umfasst.

In einer unorthodoxen Wüstenmetropole wie Las Vegas und am Beispiel vom Bellagio Las Vegas Hotel and Casino lässt sich viel von der psychologischen Kraft und Wirkung von Architektur als Ausgangspunkt für die weiteren zweck- und profitorientierten Gestaltungsprozesse ablesen. Was entsteht ist eine im wahrsten Sinne abenteuerliche Form von sogenannter Human-Centered Architecture, bei der der Mensch nicht mehr im Mittelpunkt steht, sondern Bestandteil einer schönen Gesamtillusion wird, die so viele Besucher:innen seit jeher nach Las Vegas und ins Bellagio bringt. [DM]

Permanente Innovationen, fein abgestimmte Produktperfektionierungen und stetige Design-Adaptierungen sind für Unternehmen heute unabdinglich, um in einer turboglobalisierten Welt auf Dauer in der obersten Branchen-Liga mitspielen zu können. Die Tourismusindustrie bildet hier keine Ausnahme, sondern durch ihre Internationalität vielmehr eine Speerspitze dieser Entwicklung. Insbesondere in der Luxuskategorie der Hotel-, Luftverkehrs- und Schifffahrtsbranche ist eine ständige Weiterentwicklung daher ein Teil des Alltags von Qualitätsmanager:innen und Produktentwickler:innen, wobei nebst laufender Produktinnovation zusehends auch Faktoren wie Nachhaltigkeit und Diversität eine wichtige Rolle in ihren Überlegungen spielen.

INDIVIDUALISIERUNG AUF 10.000 HÖHENMETERN

Nostalgiker:innen schwärmen gerne von den »Goldenen Zeiten des Fliegens«. Von den Sechziger- und Siebzigerjahren des letzten Jahrhunderts, als die Zeit hoch oben über den Wolken noch glamourös und nobel war. Was für den Großteil der Beförderungsklassen sicherlich seine Richtigkeit hat, muss jedoch zumindest für die vorderen Reihen von Langstreckenjets relativiert werden: Denn hier war das Fliegen noch nie so komfortabel und luxuriös wie heute. Vollkommen flache Betten waren noch zu Anfang des Jahrtausends nur vereinzelt in der First Class einiger Fluglinien vorzufinden, heute gehören sie bereits zum Standard in der Business Class. Entsprechend, um sich weiterhin abzugrenzen, genießt man heute in der ersten Klasse führender Airlines wahres Privatjetambiente in Form von luxuriösen Suiten. Stets Qualitäts-, Service- und Komfort-Vorreiter zu bleiben wird also zusehends herausfordernder, nicht nur, weil die Innovationsgeschwindigkeit der Branche immer höher wird.

Fliegendes Privatzimmer in der First Class: Ein Ausblick auf Lufthansas neuestes Kabinenkonzept Allegris.

Die First- und Business Class in Lufthansas neuestem Kabinenkonzept, das unter dem Namen Allegris vermarktet wird, setzt dementsprechend auf Detailliebe und unter anderem auch auf — auf den ersten Blick nicht sichtbare — Innovationen. Ein echtes Alleinstellungsmerkmal des neuen Langstreckenprodukts Allegris soll dabei insbesondere die beeindruckende Vielfältigkeit der angebotenen Sitzoptionen sein: »Mit der Lufthansa Allegris haben wir ein komplett neues Kabinenkonzept entwickelt, das 14 verschiedene Sitze in vier Klassen umfasst, darunter zwei verschiedene Sitztypen in der First– und sieben verschiedenen Sitztypen in der Business Class«, erklärt Kai Peters, Head of Experience Design der Lufthansa Group im Gespräch mit Chapter. Heterogenität im Kabinendesign also, mit der die Lufthansa individuell unterschiedliche Bedürfnisse von Fluggästen, die in der gleichen Beförderungsklasse reisen, erfüllen will. Passagier:innen haben schließlich, auch wenn sie das gleiche Ticket kaufen, unter Umständen unterschiedliche Ansprüche. 

Zu den Optionen in der Lufthansa Business Class gehören bei Allegris dann unter anderem extra lange Betten, ein Doppelsitz, bei dem zwei benachbarte Sitze durch eine versenkbare Mittelkonsole zu einem Doppelbett kombiniert werden können. 

Zu den Optionen in der Business Class gehören bei Allegris dann unter anderem extra lange Betten, ein Doppelsitz, bei dem zwei benachbarte Sitze durch eine versenkbare Mittelkonsole zu einem Doppelbett kombiniert werden können, sowie in der First Class die besonders großzügige und private Suite Plus mit deckenhohen Wänden und verschließbarer Tür, 43-Zoll-Bildschirmen über die volle Suitebreite sowie eigener Minibar und Garderobe. »Unsere neu eingeführte Sitzheizung und -kühlung in der First– und Business Class ist außerdem eine branchenweit einzigartige Innovation«, erklärt Peters, legt dabei jedoch Wert darauf festzustellen, dass »Kabinendesign bei Lufthansa einem holistischen Ansatz folgt, bei dem das gleiche Entwicklungsteam für alle Klassen verantwortlich zeichnet«. Eine Herangehensweise, von der auch die Gäste in der Economy Class profitieren sollen, da diverse Neuerungen auch im hinteren Bereich der Lufthansa Flugzeuge vorzufinden sein werden. »Unser neuestes Inflight-Entertainment-System mit 4K-Monitoren wird im gesamten Flieger verfügbar sein, und auch ein neu entwickeltes Beleuchtungssystem, das helfen wird Jetlag zu verhindern und frischer anzukommen, wird klassenunabhängig in der gesamten Kabine installiert.« Ab 2024 wird das Langstreckenprodukt Allegris dann mit dem neu ausgelieferten Airbus A350 eingeführt werden. Lufthansa will unter anderem mit dem erwähnten »fliegenden Privatzimmer« neue Maßstäbe bei Komfort und Luxus in der höchsten Klasse setzen. Und auch der Fokus auf sehr spezifische, individuelle Bedürfnisse im Premiumbereich scheint ein spannender neuer Weg zu sein, um die Kund:innenbindung weiter zu stärken.

Auch bei Emirates — traditionell schon eine sehr innovationsfreudige Airline — ist man sich der Tatsache bewusst, dass eine konstante Weiterentwicklung der Kabinenkonzepte, insbesondere für die teuerste Reiseklasse, unabdinglich ist, um für die anspruchsvolle Luxus-Zielgruppe attraktiv zu bleiben. »Emirates hat schon immer die Messlatte für andere gesetzt«, zeigt sich Abdulla Shams, Vice President Engineering Projects bei Emirates, im Gespräch mit Chapter selbstbewusst. »Wir blicken auf eine Vielzahl an Innovationen in unserer Unternehmensgeschichte zurück: 2003 führten wir die weltweit ersten Privatsuiten an Bord ein; 2008 waren wir die erste Fluggesellschaft, die eine Bord-Lounge und Spa-Duschen für First Class Passagier:innen einführte. 2007 war Emirates die erste Airline, die flottenweit die Nutzung von Handys während des Fluges ermöglichte, und 2011 führten wir als Branchenerster Wi-Fi für Passagier:innen an Bord ein. Emirates war auch die erste Fluggesellschaft weltweit, die den ikonischen Airbus A380 bestellt hat. Dieser ist inzwischen zum Flaggschiff unserer Flotte geworden und bietet mit der Bord-Lounge und den Spa-Duschen exquisiten Luxus in der Luft.« 

Privatjetambiente: Bei der erst kürzlich vorgestellten First Class Privatsuite von Emirates ließen sich die Entwickler:innen branchenübergreifend von der (Interior-)Designphilosophie von Mercedes-Benz inspirieren. 

Dabei ist die Entwicklung neuer First Class Produkte ein durchaus langer Prozess, der von der Konzeption bis zur Markteinführung bis zu fünf Jahre dauern kann und einen intensiven Austausch von der obersten Führungsebene bis hin zu verschiedenen Interessengruppen und Abteilungen, einschließlich vielfältiger Datenanalysen und Kund:innen-Feedbacks erfordert. Das Credo lautet also sich nie mit dem Status Quo zufrieden zu geben sondern stets mehrere Schritte und viele Jahre voraus zu planen um zu gewährleisten, dass man weiterhin als einer der Marktführer im Luxussegment reüssiert.

Der ikonische Airbus A380 gilt inzwischen als das Flaggschiff der Emirates Flotte:
Bord-Lounge und Spa-Duschen bieten exquisiten Luxus in der Luft. 

An der außergewöhnlichen On-Bord-Bar im Emirates Airbus A380 können sich First und Business Class Gäste bei Cocktails und Snacks entspannen. 

Ganz in diesem Sinne präsentierte Emirates erst kürzlich mit der neuen First Class Privatsuite ein neues Top-of-the-line-Produkt, bei dem sich die Entwickler:innen auch von der (Interior-)Designphilosophie von Mercedes-Benz, inspirieren ließen. Der Austausch zwischen Automobil- und Flugzeugdesigner:innen macht dabei durchaus Sinn, stehen beide Branchen doch vor denselben Herausforderungen, wenn sie Luxus und Komfort in einem begrenzten Raum möglichst optimal unterbringen möchten und gleichzeitig strenge Sicherheitsauflagen berücksichtigen müssen. »Die neue Emirates First Class Privatsuite war ein Gamechanger und hat das Passagier:innenerlebnis auf die nächste Stufe gehoben, indem sie einen vollständig geschlossenen privaten Raum bietet«, erklärt Abdulla Shams. »Als Branchenneuheit verfügt die Privatsuite über virtuelle Fenster für die Suiten in der Gangmitte. Am Platz kann Room Service per Videoanruf bestellt werden, und die Temperatur sowie das Stimmungslicht in der Privatsuite kann individuell eingestellt werden.« Man habe, so der Airline-Manager, die Grenzen des Kund:innenerlebnisses immer wieder erweitert und wolle dies bei Emirates auch in Zukunft tun. 

NACHHALTIGE NATURNÄHE 

Mit einem gänzlich anderen Innovationsschwerpunkt möchte eine internationale Hotelgruppe ihren Platz in der obersten Liga auch weiterhin gewährleisten und sich vom Luxushotellerie-Mitbewerb abgrenzen. Mit aktuell nur 21 Häusern weltweit gehören Six Senses Hotels eher zu den kleineren Playern der Branche, doch vermutlich ist genau dies von Vorteil, wenn es darum geht, den einzelnen Resorts ihren ganz spezifischen Charakter mit sehr starkem Standortbezug zu verleihen. Besonders deutlich ist dies auch bei dem aktuell noch in der Bauphase befindlichen Hotel Six Senses Svart zu erleben. Das Haus wird nicht nur das erste klimaneutrale, sondern sogar auch klima-autarke Projekt der Gruppe sein. Um diesen, sich selbst freiwillig auferlegten Standard, mit dem man die stark ansteigende Nachfrage nach nachhaltigem Reisen stillen möchte, zu erreichen, müssen bei dem Projekt in diversen Bereichen neue Wege gegangen werden. Bereits bei der Materialwahl wurde auf einen niedrigen, ökologischen Fußabdruck geachtet. Organische Produkte, die nach Inbetriebnahme einen niedrigen Energieverbrauch gewährleisten, standen beim architektonischen Konzept im Vordergrund.

Das Six Senses Svart, welches 2024 eröffnen soll, wird auf Pfählen errichtet, entlang derer man auch Muscheln für das hauseigene Restaurant züchten möchte. 

Um den ökologischen Fußabdruck vor Ort so gering wie möglich zu halten, steht das Six Senses Svart auf Pfählen über dem Wasser des Holandsfjords, dahinter erstreckt sich der Svartisen Gletscher, eine beeindruckende Kulisse, in die sich das Hotel mit seinen 94 Zimmern maximal subtil einfügt. Die Grenze zwischen Land und Fjord scheint zu verschwimmen. 

Wie ernsthaft die Six Senses Gruppe das Projekt Klimaneutralität verfolgt, zeigt sich jedoch nicht nur vor Ort im hohen Norden, sondern auch in der Firmenzentrale: »Nachhaltige Hotels erfordern außergewöhnliche Kreativität und Six Senses Svart bringt uns auf ein ganz neues Level, wenn es darum geht, Grenzen zu überschreiten. Das Konzept ist größer als das Projekt selbst, da es ein futuristisches Schaufenster dafür sein wird, was in Bezug auf Nachhaltigkeit und Energielösungen erreicht werden kann«, erörtert Neil Jacobs, CEO von Six Senses die Ambitionen der Gruppe.

Ein Konzept, größer als das Projekt selbst:  Das Six Senses Svart im Norden Norwegens verfolgt das ambitionierte Ziel nicht nur klimaneutral, sondern klima-autark zu sein. 

Dabei ist der Norden Norwegens nicht zufällig gewählt, sondern vielmehr der ideale Standort für ein netzunabhängiges Reiseziel. Während der langen arktischen Sommertage kann genügend Sonnenenergie erzeugt werden, um den Energieverbrauch während der dunklen arktischen Winter auszugleichen. Eine Energiespeicheranlage sorgt dafür, dass darüber hinaus jedes Watt an verschwendeter Energie aufgefangen und wiederverwendet werden kann. 

Für die Gastronomie wird das Hotel mit nachhaltigen Fischereibetrieben und Farmen in der direkten Nachbarschaft zusammenarbeiten. Wie innovativ, ganzheitlich und detailverliebt das Konzept auch in diesem Bereich geplant ist, zeigt die Idee, Muscheln für das hoteleigene Restaurant entlang der Stelzen, auf denen das Six Senses Svart steht, zu züchten. Insgesamt sollen 80 Prozent der Lebensmittel aus einem Umkreis von 50 Meilen stammen, was bereits eine enorme Auswirkung auf den CO2-Abdruck des Hauses haben wird. Dass das Hotel plastikfrei sein wird, und den Gästen unter anderem gefiltertes Wasser in Glasflaschen servieren wird, versteht sich fast von alleine. 

TRANSFORMATIVE KREUZFAHRT 

Trotz des Covid-bedingten, kurzzeitigen Einbruchs des Kreuzfahrtbooms vergangener Jahrzehnte zeigt sich die Branche mittlerweile wieder florierend wie eh und je. Immer neue Zielgruppen werden erschlossen, stets noch kolossalere Schiffe gebaut. Größer, schneller, höher lautete das Credo der letzten Jahre — konstant wurde ein neues Boot der Superlative zu Wasser gelassen. Doch der Erfolg der jüngeren Vergangenheit scheint dabei zum Teil auch Fluch der Branche zu sein. Es klingt elitär, doch nicht nur Marketing-technisch stellt es eine Herausforderung dar, ein Erlebnis als Luxus zu verkaufen, dessen Name ebenso auch für Billig- und Massentourismus steht. Entsprechend scheint, möchte man denn auf wahren Luxus statt auf Masse setzen, eine umfassende Produktstrategie der Abgrenzung essenziell.

Für das Exterior der Explora I zeichnet der britische Designer Martin Francis verantwortlich. 

Die gerade erst im August dieses Jahres zu ihrer Jungfernfahrt aufgebrochene Explora I ist mit ihren knapp 250 Metern Länge und 32 Metern Breite kein Miniboot, spielt jedoch auch bei weitem nicht in der Liga der größten Schiffe mit. Das ist allerdings auch nie das Ziel gewesen, denn genau die weniger enormen Maße erlauben auf dem Schiff ein Maximum an Exklusivität. Das schnittige Äußere der Explora I, für das der britische Designer Martin Francis verantwortlich zeichnete, erinnert dabei mehr an eine private Superyacht als ein traditionelles Kreuzfahrtschiff.

Und auch im Inneren ist die Aura des exklusiven Privatambientes erlebbar. Jede Suite misst mindestens 35 Quadratmeter, eine selbst am Land beachtliche Zimmergröße, zur See bieten weniger exklusive Konkurrenten Kabinen an, die gerade mal ein Fünftel davon messen. Die schlanke Silhouette der Explora I verleiht ihr zudem nicht nur eine elegante Silhouette, sondern ermöglicht, dass gänzlich auf die sonst in der Branche üblichen Innenkabinen, also Zimmer ohne Fenster, verzichtet werden konnte.

Dank der schlanken Silhouette der Explora I konnte auf die sonst üblichen Innenkabinen, also Zimmer ohne Fenster, verzichtet werden. 

Die Owner’s Residence, die bei weitem größte Suite an Bord, besitzt zudem eine Außenterrasse, die über die volle Breite des Schiffs reicht, inklusive privatem Whirlpool mit Panoramablick auf das Meer. Die Möbel stammen hier unter anderem von Knoll und Molteni&C — im Vergleich zu anderen Luxuskreuzfahrtschiffen überzeugt die Explora I mit einer sinnlich-puristischen Modernität, statt mit maritim-wuchtigem Art Deco Stil. Kreuzfahrten sind ökologisch gesehen äußerst streitbar, auch ein exklusiver Ansatz kann daran nichts ändern. Doch Explora Journeys versucht zumindest auch im Bereich Nachhaltigkeit innovative Lösungen zu finden und den Abdruck auf die Meeresumwelt zu minimieren. So ist die Explora I mit den neuesten Umwelt- und Meerestechnologien ausgestattet, darunter eine selektive katalytische Reduktionstechnologie, eine Anschlussmöglichkeit für Landstrom, diverse Systeme zur Geräuschminimierung unter Wasser zum Schutz des Meereslebens sowie eine umfassende Palette energieeffizienter Bordgeräte zur Optimierung des Motorbetriebs und zur weiteren Reduzierung der Emissionen.

Sinnlich-puristische Modernität:  Die Innenaustattung der Explora I stammt unter anderem von Knoll und Molteni&C. 

Bei der im August dieses Jahres stattfindenden Jungfernfahrt, machte auch die Route klar, Explora I will keinem Massentourismus huldigen, sondern ganz eigene Wege gehen beziehungsweise schwimmen. Statt wie der Großteil der Konkurrenz im Sommer durch den Mittelmeerraum zu schippern und überfüllte Hafenstädte anzusteuern, wurde das nördliche Europa gewählt, um das 500 Millionen Euro teure Schiff erstmalig für Gäste erlebbar zu machen. Starthafen war Kopenhagen, von wo aus es auf einer siebentägigen Reise die Gäste durch die Landschaften von Lerwick auf den Shetlandinseln und Kirkwall auf den Orkneyinseln führte, um dann anschließend Reykjavik anzusteuern. Dabei sind nicht nur die Ziele der Explora I speziell, bewusst kreuzt das Schiff auch im niedrigeren Tempo. Verlangsamung ist dabei ein Konzept, damit die gewonnenen Eindrücke intensiviert werden können. 

»Ocean State of Mind« beschreibt Michael Ungerer, CEO von Explora Journeys diesen Ansatz durchaus poetisch: »Es geht uns darum, transformative Reisen anzubieten, die eine Gelegenheit zur inneren und äußeren Entdeckung bieten, inspiriert vom Ozean und mit körperlicher, intellektueller und spiritueller Erneuerung.« Ein durchaus ambitioniertes, aber auch sehr ansprechendes Ziel für eine Luxusunterkunft auf hoher See.

Der Sunset Tower, an der Adresse  8358 Sunset Boulevard, ist wahrlich eine Institution. Fertig gestellt im Jahr 1931 zieht das Luxushotel seit mittlerweile fast einem Jahrhundert internationale Prominente wie auch Hollywoodstars in seinen Bann, und dementsprechend auch alle anderen, die sich ein bisschen im Glanz des Mondänen verlustieren wollen. 

Bereits in seiner Anfangsphase wurde der Sunset Tower  mit dem klar definierten Ziel gebaut, vornehmlich illustre Gäste zu beherbergen. Um die Zielgruppe zu erreichen, bewarb man das Haus und dessen Privatsphäre sodann auch unter anderem im Screen Actors Guild Magazine. Zur Zeit seiner Erbauung war der der Art Déco Turm das höchste Wohngebäude der Stadt und wurde dadurch direkt zum Wahrzeichen West Hollywoods. Auch wenn heute 15 Stockwerke nicht mehr genügen um in Los Angeles Rekorde zu brechen, das markante Gebäude ist auch weiterhin ein imposantes Monument auf dem architektonisch sonst eher beschränkt attraktiven, dafür umso pulsierenderen Sunset Boulevard. 

Dafür sorgt insbesondere die Fassade, die mit ihrem opulenten Ornamentfries, das Adam und Eva sowie diverse Motive aus Flora und Fauna zieren, ein Musterbeispiel der Architektur der späten Zwanziger- und frühen Dreißigerjahren des letzten Jahrhunderts darstellt. Vertikal angeordnete Fensterbänder verstärken die in die Höhe ragende Erscheinung des Sunset Towers, betont werden die markant aufstrebenden Linien besonders bei Nacht durch die bewusst eingesetzte Beleuchtung. Doch nicht nur von außen verkörpert das Hotel die goldene Ära Hollywoods.

2018 wurde dem Haus ein Facelift verpasst, wobei es gelang trotz diverser Modernisierungen die Seele des denkmalgeschützten Gebäudes zu bewahren. Im Inneren sind hochpolierte Edelhölzer, Leder in diversen Brauntönen und Möbel im Art Déco-Stil allgegenwärtig. Glänzende schwarze Wandstuckleisten sorgen in vielen Zimmern des Hotels zusammen mit schweren Teppichen und Vorhängen für ein nostalgisch-edles Ambiente. Dabei wurde bewusst vermieden, dass zu viel Beige-Harmonie zur stilistischen Eintönigkeit im Interior Design führt. Goldakzente und Pink-Nuancen sorgen für durchaus unerwartete Momente bei der Begehung des Hauses. Am Pool werden zudem humorvoll stilistische Elemente aus den Fünfzigerjahren mit ins Design integriert, Sonnenschirme mit schwungvollen Linien und Liegen mit gestreiften Polstern versprühen auch einen Hauch von Palm Springs Atmosphäre. Passenderweise schließt hier an den Pool auch direkt die mit Topfpalmen und Clubsesseln eingerichtet Terrace Bar  des Hotels an. Beim Cocktail lässt es sich schließlich am allerbesten mit Hollywoodstars Bekanntschaft schließen, egal ob am Tresen oder im Wasser. [AD]

In der Hotellerie wird heute mancherorts eine Detailliebe zelebriert, die weit über die klassischen Merkmale von Markenidentitätsbildung hinausgeht. Dabei sind es nicht die großen Ketten, die neue Maßstäbe in der Perfektionierung von erlebbarer Corporate Identity schaffen. Im Gegenteil, es sind oftmals individuell geführte Boutique-Häuser, die mit einem feinsinnig abgestimmten Gesamtangebot, das diverse Elemente des Gasterlebnisses umfasst, ganz eigene, wohl kuratierte Kosmen kreieren. Auch, aber nicht nur, in der obersten Luxuskategorie.

ABTAUCHEN AM ATLANTIK

An Portugals Atlantikküste, etwas nördlich von Ericeira, auf den Hügeln über dem Meer gelegen, nur durch eine kleine, gewundene Straße erreichbar, befindet sich das Hotel Immerso. Schon bei der Anfahrt wird klar, der Name Immerso — »Eintauchen« — bezieht sich sowohl auf das Gasterlebnis aber auch direkt auf die Architektur. Dezent fügen sich Haupt- und Nebengebäude nicht nur in die Natur ein, sondern scheinen durch ihre Anordnung mit ihr zu verschmelzen. Erklärtes Hauptziel des Hotels ist es dabei, dass dann auch der Gast Teil dieses Erlebnisses wird. Eintauchen in die Natur, eins werden mit deren Ruhe, aber auch deren Wildnis, wenn abends, wie so oft in dieser Gegend, heftige Winde aufziehen. Kein schweres Unterfangen in den Zimmern, die alle mit großen Glasfronten zur Natur hin geöffnet sind und sich im Inneren mit dezenten Erdtönen und Naturmaterialien zurückhalten, um die Aussicht als Hauptakteur agieren zu lassen. Die hier vor einem liegende Landschaft ist pittoresk schön, doch keinesfalls lieblich, was das Naturerlebnis fast noch realer und nahbarer werden lässt.

Eine Einheit mit Natur und Umland zu schaffen ist im jedoch bei weitem nicht nur ein architektonisches Unterfangen, sondern wird auf diversen Ebenen zelebriert. Die Shampoos, Cremes und Seifen in den Zimmern stammen von einer kleinen, portugiesischen Biokosmetikmarke, 8950, die ausschließlich mit heimischen Rohstoffen, insbesondere lokalen ätherischen Ölen arbeitet. Praktischerweise ist auch das schlicht-edle Packaging der Pflegeserie perfekt auf die Ästhetik des Hotels abgestimmt. Im Spa werden Produkte der Marke Vinoble verwendet, die auf Traubenresten, die bei der Herstellung von Wein als Abfallprodukt übrig bleiben, basieren. Selbstverständlich, dass auch diese Kosmetiklinie als 100 Prozent biologisch zertifiziert ist. Naturnähe ohne Nachhaltigkeit und ohne einem Bekenntnis zur Regionalität ist im Immerso nicht denkbar, was sich auch in der kleinen Boutique des Hotels widerspiegelt. Hier wurden diverse Produkte unterschiedlicher portugiesischer Manufakturen ausgewählt. Das Ergebnis ist ein perfekt kuratierter Mini- Concept Store, der neben Kleidung und lokalen Delikatessen auch kleinere Living-Accessoires anbietet. Vertreten sind unter anderem Holzskulpturen des aus Ericeira stammenden Künstlers Paulo Reis.

Naheliegend, dass bei soviel Detailliebe auch gastronomisch nichts dem Zufall überlassen bleibt. Allmorgendlich geht der Chefkoch des Restaurants Emme zum Fischmarkt, um vor Ort den lokalen Fang des Tages für seine Gäste auszuwählen. Auch bei allen anderen Zutaten wird streng auf die regionale Herkunft geachtet, ein Großteil des zubereiteten Gemüses kommt aus dem hauseigenen Garten. Die Weinkarte ist zwar weniger rigoros, so dass sich auch die ein oder andere französische Rebe erspähen lässt, Fokus liegt allerdings auch hier ganz klar auf Portugal. Ein besonderes Highlight, um all die lukullische Regionalität nicht nur auf dem Teller zu zelebrieren, sondern beim Dinieren der Landschaft, die einem all diese Zutaten gegeben hat, besonders nah zu sein, wird ab diesem Jahr Emme on Fire bieten. Hier sitzt man dann in der Natur, an einer langen Tafel neben einem Lagerfeuer. Feuer ist bei dieser gastronomischen Außendependance dann auch das Hauptelement der Zubereitung.

GEMEINSCHAFTSSINN ALS GESCHÄFTSMODELL

Im Herzen Umbriens, auf etwa halber Strecke zwischen Florenz und Rom liegt das kleine Boutique-Hotel Vocabolo Moscatelli, mit dem sich Catharina Lütjens und Frederik Kubierschky einen Lebenstraum erfüllt haben. Zuvor sammelten die beiden Hotellerie-Expertise in diversen Züricher Luxushotels, doch irgendwann kam der Wunsch auf, die »Spielregeln selber aufzustellen«. Das im Dornröschen-Schlaf liegende umbrische Kloster aus dem zwölften Jahrhundert bot dafür das perfekte Spielfeld. »Es gibt diese Spannung zwischen Form und Inhalt, die Form war bei unserem Projekt durch das schöne Kloster bereits definitiv gegeben, uns war es wichtig diesen Pluspunkt zu nutzen und dann auch ganz viel Inhalt reinzupacken«, so Kubierschky. »Insbesondere weil wir hier in einer kleinen, ländlichen Ortsgemeinschaft sind, war es uns wichtig nicht als ausländische Investoren aufzutreten, die mal eben einen Fremdkörper in die Pampa setzen.« Es sei ihnen vielmehr von Anfang an darum gegangen das Existierende, das vielleicht ein bisschen in Vergessenheit geraten war, auferstehen zu lassen. Dieser Ansatz wurde zum Leitfaden bei der gesamten Renovierung und ist nun auch omnipräsent im Tagesbetrieb.

»In der Bauphase, die voll in die Corona Pandemie fiel, hat es uns in vielerlei Hinsicht extrem geholfen, dass wir nahezu ausschließlich mit Handwerkern und Manufakturen aus der Toskana und Umbrien, also aus dem direkten Umfeld gearbeitet haben, da geschlossene Grenzen und die Materialzulieferungskrise in großem Maße an uns vorbei gingen«, erläutern die Hoteliers. Der Zeitplan war dabei durchaus straff, das Kloster wurde im November 2019 gekauft, anschließend hatte man eineinhalb Jahre für die Planung und den gleichen Zeitraum für den historischen Umbau.

Lütjens und Kubierschky betonen, ein wichtiger Aspekt bei der Gesamtgestaltung sei von Anfang an auch die Idee gewesen, ein Treffpunkt für die lokale Bevölkerung zu werden. »Der Gemeinschaftsgedanke und vor allem der Wunsch Teil der hiesigen Gemeinschaft zu werden war für uns essentiell«, so die beiden. Dabei war allerdings klar, dass dies nicht durch pure Anbiederung oder Anpassung geschehen darf. »Gerade beim gastronomischen Konzept war uns wichtig, auch ein bisschen andere Wege als die vor Ort bisher gekannten zu gehen. Wir sind in Umbrien in der Fleischkammer Italiens. Dagegen ist an und für sich auch nichts einzuwenden. Doch da es bereits sehr gute, oftmals sehr simple Restaurants gibt, die sich auf Fleisch konzentrieren, war unsere Idee, einen Ort zu erschaffen, der eine Ergänzung zum Bestehenden darstellt. Dabei spielt für uns auch der Gedanke an Nachhaltigkeit eine Rolle.« Das Ergebnis ist eine Speisekarte, die nicht rein vegetarisch ist, aber doch deutlich mehr fleischlose Alternativen anbietet als in Umbrien üblich.

Das klare Bekenntnis zur Regionalität ist dabei gastronomisch aber auch im Gesamtkonzept zwar definitiv ein Kernelement, wird jedoch nicht dogmatisch verfolgt. »Umbrien ist eine Gegend der Künstler:innen und Handwerker:innen. Das heißt, bei der Gestaltung und Einrichtung konnten wir wirklich aus dem Vollen schöpfen, ohne in die Ferne zu schweifen«, erzählt Catharina Lütjens und man kann die Begeisterung in ihrer Stimme deutlich erkennen. »Für die Kunstwerke in den Zimmern haben wir mit einem Kurator zusammengearbeitet, der ursprünglich aus Umbrien stammt, und der für uns ein Konzept entwickelt hat, bei dem zwar neben lokalen Kunstschaffenden auch ein oder zwei internationale Maler:innen vertreten sind. Besonders stolz und glücklich sind wir allerdings, dass wir auch Kunstschaffende entdeckt haben, die aus der direkten Nachbarschaft stammen und deren Werke nun in unserem Hotel integriert sind.« Die Gäste scheinen die Stimmigkeit der Lokalität zu spüren, denn »für keine anderen Kunstwerke bekommen wir so viele Komplimente und so viel Zuspruch«. Die Zusammenarbeit mit der lokalen Gemeinde bietet dabei für das Vocabolo noch einen weiteren, nicht zu unterschätzenden Vorteil, erklärt Kubierschky: »Unser Hauptziel war immer, einen Ort zu schaffen, an dem man interessante Menschen treffen kann. Dass wir bereits in der Entstehungsphase spannende Handwerker:innen sowie Kunstschaffende aus der Gegend involviert haben, hat dazu geführt, dass diese dann nach der Eröffnung das Hotel zu einem ihrer Epizentren gemacht haben, Freund:innen mitbrachten und uns weiterempfahlen. Dieser Ansatz war also auch extrem hilfreich für die Akzeptanz bei der lokalen Gemeinschaft.«

MÜNCHNER EKLEKTIZISMUS

Dass das kuratierte Gasterlebnis allerdings nicht nur etwas ist, das kleine Boutique Hotels anbieten wollen und können, beweist das renommierte Luxushotel Bayerischer Hof in München. Das Haus ist mit fast 350 Zimmern  und seiner traditionsreichen Geschichte ein wahres Grandhotel in jeglicher Hinsicht. Das bedeutet jedoch nicht, dass die Institution nicht auf Individualität in der Gestaltung setzt. Im Gegenteil, die Größe des Hotels, sowohl in Bezug auf die öffentlichen Bereiche aber auch in puncto Zimmeranzahl, wird genutzt, um aus dem Vollen zu schöpfen. Wären Boutique Hotels in der Kunstwelt die kleinen, höchstspezialisierten Nischen-Galerien, dann ist der Bayerische Hof als Pendant dazu das große, epochenübergreifende Museum, das es sich erlauben kann, die verschiedenen Stilrichtungen zu thematisieren, ohne dabei Abstriche in Detailliebe, Qualität und Auswahl machen zu müssen. Zwar kann man mit dieser Strategie diverse Zielgruppen ansprechen, im Gespräch merkt Philipp Herdeg, PR-Direktor des Hauses, aber auch an, dass Erneuerung und Stilerweiterung allerdings immer auch riskante Unterfangen sind, die durchaus auch Stammgäste irritieren oder gar verschrecken können. Der Bayerische Hof hat neben floral-opulenten Laura Ashley Zimmern auch edeltraditionell anmutende Suiten und Zimmer im Stil Graf Pilatis, und dazu, wahrlich kontrastierend, diverse Räume, die von Axel Vervoordt gestaltet wurden. Mag es dem Laura Ashley liebenden Gast noch egal sein, ob nebenan hinter verschlossener Tür jemand Vervoordts Wabi-Sabi Ästhetik genießt, war dies bei der Umgestaltung des Garden Restaurants durch den Belgier schon ein echtes Politikum. Man habe durch die radikal wirkende Umgestaltung natürlich auch eine gewisse Klientel nicht halten können, so Herdeg.

»Dabei ist es im Gesamtkontext allerdings wichtig, nicht nur die schlichte Ästhetik von Vervoordt zu betrachten, sondern auch seinen Ansatz im Schaffen. So modern und puristisch Axel Vervoordts Designs auch anmuten, seine Liebe zur Geschichte der Materialien, das Bedürfnis aus historischen Elementen Neues zu schaffen, das ist etwas, das im absoluten Einklang mit den Werten des Bayerischen Hofs steht.« Insgesamt wurden die neuen, puristischen Elemente auch äußerst gut angenommen. »Wir haben tatsächlich auch Stammgäste, die genau diese Heterogenität unserer Zimmer genießen und bei ihren unterschiedlichen Aufenthalten zwischen den verschiedenen Stilrichtungen wechseln.« Wichtig ist Herdeg dabei auch zu betonen, dass die verschiedenen Zimmertypen im Hotel Bayerischer Hof nicht basierend auf ihrem Stil unterschiedlich kategorisiert werden. Dies geschieht ausschließlich anhand der Größe. 50 Quadratmeter Laura Ashley sind also nicht höher- oder minderwertig gegenüber einem anderen Stil und somit auch preislich gleichauf mit 50 Quadratmetern Vervoordt. Dementsprechend gibt es auch verbindende Elemente, die in allen Zimmern identisch sind, wie beispielsweise Handtücher, Kleiderbügel und Kosmetikprodukte. Um zu den verschiedensten Stilrichtungen zu passen, wurden hier neutralere Elemente gewählt, die sich problemlos einfügen.

Vielleicht ist der Bayerische Hof nicht der perfekte Ort für radikale Vertreter:innen eines einzigen Stils, doch beim Kurzaufenthalt in München im Wabi-Sabi Ambiente zu dinieren, um danach im bayrisch-barocken Spiegelsaal noch einen Digestif zu trinken und schließlich dann im gemütlichen Laura Ashley Himmelbett zu nächtigen, all das, ohne vor die Haustür zu gehen, ist sicherlich kein schlechtes Verkaufsargument gegenüber einer sehr großen, anspruchsvollen und dennoch heterogenen Zielgruppe.

Was früher einmal ein gewöhnliches Weingut in der Provence war, wurde in den frühen 2000er-Jahren von Patrick McKillen, einem irischen Finanzmakler erworben, der nicht nur das Weingut selbst, sondern auch das bestehende Team der Vorbesitzer-Familie Bordonado übernahm. Unter seiner Führung wurde eine entscheidende Wendung eingeleitet – der Weinbau wurde auf biologischen Anbau umgestellt und kurz darauf, im Jahr 2004, entstand das Vorhaben, das Anwesen in ein Zentrum für zeitgenössische Kunst zu verwandeln.

Kurze Zeit später wurde aus einer Vision bereits Realität: Für die Gestaltung der Kellerräume zeichnet der renommierte französische Architekt Jean Nouvel verantwortlich und der kanadisch-amerikanische Architekt und Designer Frank Gehry entwarf einen atemberaubenden Musikpavillon. Jedes Jahr wurden Künstler:innen und Architekt:innen eingeladen, inmitten der einzigartigen Schönheit der provenzalischen Landschaft mit ihren charakteristischen Zypressen, Steineichen, Olivenbäumen und alten Eichen ortsspezifische Kunstwerke zu erschaffen, die sich nahtlos in die Umgebung einfügen.

Seit 2011 empfängt der Ort seine Gäste als Luxusanwesen mit einem Kunstzentrum, einer Buchhandlung, diversen Restaurants, einem Spa und natürlich dem 200-Hektar-großen Weingut, welches nicht nur eine reiche Geschichte, die bis in die Römerzeit zurückreicht, zu erzählen hat, sondern auch ihre Erzeugnisse in der eigenen Boutique verkauft und regelmäßig Degustationen anbietet. Ein zusätzlicher Höhepunkt war die Eröffnung eines neuen Gourmet-Restaurants im April 2018 unter der Leitung des argentinischen Küchenchefs Francis Mallmann.

Die Liste der Künstler:innen und Architekt:innen, die im Château La Coste dauerhafte Werke geschaffen haben, ist beeindruckend: Frank O. Gehry, Hiroshi Sugimoto, Louise Bourgeois, Richard Rogers, Sophie Calle, Tracey Emin und viele andere haben das Anwesen mit ihrer Kreativität bereichert. Das neueste architektonische Meisterwerk auf dem Gelände ist das Pavillon-Auditorium von Oscar Niemeyer, dessen geschwungene, verglaste Fassade Besucher:innen in eine 380 m² große Galerie führt.

Diesen Sommer zeigt das Château La Coste die Ausstellung »Anton Corbijn: Artists & More Artists«. Es ist die größte Sammlung des niederländischen Fotografen in Frankreich mit 40 ausgewählten Schwarz-Weiß-Fotografien von Prominenten aus Kunst, Musik und Film, darunter Damien Hirst, Ai Weiwei, Bob Dylan und David Bowie. 

Anton Corbijns Ausstellung: »Artists & More Artists«

Ein weiteres Augenmerk liegt auf der aktuellen Ausstellung von »Pierre Paulin Program: Des idées courbes, Des formes libres« – eine Präsentation der zeitlosen Designs des französischen Innenarchitekten und Möbeldesigners Pierre Paulin im Dialog mit der Architektur des brasilianischem Architekten Oscar Niemeyer. Die Ausstellung beleuchtet die Verwendung von Kurven in den Werken dieser beiden bedeutenden Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts.

Einblick in die Ausstellung »Pierre Paulin Program: Des idées courbes, Des formes libres«

Zukünftig darf man sich auf einzigartige Kunstpräsentationen des irischen Künstlers und Musikers Guggi, auf die togolesische Malerin Afi Nayo und die Ausstellung »Stay Awhile« von Künstler Domino Whisker freuen. So bleibt das Château La Coste ein einzigartiges Domizil für Kunst- und Naturliebende und all jene, die die Achtsamkeit und Detailliebe schätzen, mit der es betrieben wird. [SL]

Die Auswahl der Design-Unterkünfte orientiert sich dabei vor allem an den für die Gestaltungsschule typischen stilistischen Merkmalen: Puristische Architektur, geprägt von strengen geometrischen Formen in denen die Form dem Verwendungszweck folgt. Ausgelegt auf eine neue, moderne Form des Zusammenlebens, deren spezifische bauliche Umsetzung – in scheinbar weiser Vorahnung – wie maßgeschneidert für die gegenwärtig stetig wachsende Sharing Economy erscheint. Airbnb Gastgeber:innen weltweit laden Reisende ein, diese moderne, und tief in unserem Alltag verwurzelte, Architektur auf authentische Art und Weise zu erleben.

EINE VILLA VON WALTER GROPIUS

Diese von Walter Gropius entworfene Villa in der Nähe von Boston ist ein wahres Juwel für Bauhaus-Liebhaber:innen.
Standort: Bedford, USA

MEISTERWERK VON HARRY SEIDLER

In den Southern Highlands von Harry Seidler erbaut, einem der ersten Architekten, der in Australien die Prinzipien des Bauhauses anwandte. Standort: Joadja, Australien

ARCHITEKTUR UND NATURSCHUTZ

Umgeben von einem Naturschutzgebiet in der Nähe von Posen (Poznań) sind die klaren Linien und der minimalistische Ansatz der perfekte Ausdruck der formalen Reinheit und Funktionalität des Bauhaus Stils. Standort: Poznań, Polen

DAS WOLFHOUSE VON PHILIP JOHNSON

Entworfen vom Architekten Philip Johnson und mit atemberaubendem Blick auf den Hudson River.
Standort: Newburgh, United States

EIN VERSTECKTES LANDHAUS

Dieses Bauhaus-Juwel liegt nur eine Stunde von Montreal entfernt und überblickt einen See mit privatem Steg.
Standort: Saint Jean de Matha, Kanada

Für diejenigen, die noch mehr gestalterisch anspruchsvolle Unterkünfte entdecken möchten, umfasst die Kategorie »Design« auf Airbnb knapp 30.000 Listings, die Gästen herausragende Architektur, bezahlbaren Luxus und inspirierende Einrichtung erleben lassen. [Red.]

Das Palazzo Venart, eines der herausragendsten Luxushotels Venedigs, blickt auf eine äußerst bewegte Geschichte zurück, die sicherlich den Charme dieses besonderen Hauses determiniert. Als Palazzo Bacchini delle Palme, so der ursprüngliche Name des prachtvollen Baus, diente es seit dem 15. Jahrhundert erst als Anwesen der angesehenen venezianischen Adelsfamilien Lion und Vernier und später als Wohnsitz des berühmten Söldnerkapitäns Pandolfo Malatesta sowie des Grafen von Carmagnola. Die ursprüngliche Fassade des Palazzos, die zum Canal Grande zeigte, verkörperte die für das 15. Jahrhundert typische dreiteilige Architektur Venedigs – mit eleganten Bogenfenstern, weißem Marmor und Balustraden aus istrischem Stein. Im Laufe der Jahrhunderte war das Gebäude stets eines der exklusivsten und spektakulärsten der Stadt, sodass es 1819 sogar im renommierten Reiseführer Forestiero Istruito nelle cose più pregevoli e curiose antiche e moderne della città di Venezia  Erwähnung fand. Als Zentrum des gesellschaftlichen und kulturellen Lebens in Venedig wurde der Palast auch stets von illustren aristokratischen Eliten frequentiert.

Im Jahr 1845 fiel der Palazzo jedoch einem verheerenden Brand zum Opfer, weshalb unter anderem die dem Canal Grande zugewandte Fassade abgerissen und die Fläche zum »Garten am Wasser« umfunktioniert wurde. Über jenen liebevoll gepflegten und mit historischen Statuen geschmückten Garten werden auch heute noch die ankommenden Gäste vom Wassertaxi zum Eingang geleitet. Der sukzessive Wiederaufbau des restlichen Gebäudes und die umfangreichen Restaurierungsarbeiten nahmen anschließend viele Jahrzehnte in Anspruch – die heute noch zu bewundernden Temperamalereien an den Wänden und Decken des Korridors stammen aus ebenjener Zeit, als das Gebäude vollständig restauriert wurde. In Stile der Freskomalereien von Michelangelo Mortalier im Palazzo Grassi, zeigt es gesellige Szenen aus der venezianischen Gesellschaft der damaligen Zeit, die von der Lebendigkeit des Palastlebens zeugen.

Es dauerte jedoch bis weit ins 21. Jahrhundert hinein, bis der Palazzo Venart – mittlerweile von der taiwanesischen Hotelgruppe LDC Hotels Italy erworben und mit der offiziellen Eröffnung 2016 in Palazzo Venart – Luxury Hotel  umbenannt – einer umfassenden und detailreichen Komplettrestaurierung unterzogen wurde, wobei die Bewahrung der historischen Integrität des Gebäudes an erster Stelle stand. Neben der prachtvollen Decken- und Wanddekorationen, wurden auch Fresken, Marmortreppen und das istrische Steingebäude endgültig zum Wiedererstrahlen gebracht. Aspekte der venezianischen Geschichte und Kultur findet man nicht nur im augenscheinlichen, sondern auch in vielen Details der insgesamt 18 Zimmer und Suiten, die ihren Originalzustand meist noch zu erkennen geben. Neben handverlesenen Antiquitäten, die die noble Vergangenheit des Palazzos unterstreichen, fehlt es nicht an modernen Annehmlichkeiten – und insbesondere auch das hauseigene, mit zwei Michelin-Sternen ausgezeichnete und international renommierte Restaurant GLAM, unter der Leitung von Sternekoch Enrico Bartolini und Küchenchef Donato Ascani verleiht dem Haus eine weitere herausragende, charakteristische Note. [SL]

Von exklusiven Hotels und Reisezügen über Flusskreuzfahrten bis hin zu Safari-Lodges – die Marke Belmond (Teil der LVMH Gruppe) steht für außergewöhnliche Reiseerlebnisse und Luxus auf höchstem Niveau. Als ein besonderes Highlight des Portfolios gilt der Eastern & Oriental Express – eine Hommage an die goldene Ära der Luxuszüge, die in den 1920er und 1930er Jahren ihren Höhepunkt erreichte. Eine Zeit, in der das Bahnreisen noch eine besondere Zeremonie war und prunkvoll ausgestattete Waggons über faszinierende Landschaften rollten. Der Eastern & Oriental Express von Belmond wurde erstmals im Jahr 1993 in Betrieb genommen und ermöglichte es Reisenden, die faszinierende Schönheit Südostasiens auf eine einzigartige und exklusive Weise zu erleben.

Nach mehrjähriger – auch pandemiebedingter – Pause nimmt Belmond ab 2024 nun zwei neue saisonale Routen des legendären Express-Zugs in sein Angebot auf: 15 dunkelgrüne Waggons, darunter acht Schlafwägen, zwei Restaurantwägen, ein Piano-Bar-Wagen sowie das ikonische »Open Air-Observation Car« rollen ab dann aus dem Woodland-Bahnhof in Singapur und fahren Ziele wie Penang, Langkawi und erstmalig den Taman Negara Nationalpark an, bevor es wieder zurück in die »Gartenstadt« geht.

Während es sich bei der »Essence of Malaysia« Route um eine dreitägige Reise handelt, bei welcher Gäste unter anderem die Möglichkeit haben, den Pulau Payar Marine Park zu erleben oder die Hafenstadt und UNESCO-Weltkulturerbe George Town zu erkunden, führt die »Wild of Malaysia« Reise durch unberührte Gebiete entlang der so genannten »Jungle Railway« Strecke zur Ostseite der Halbinsel, wo man an Ausflügen im Gebiet des Taman Negara Nationalparks teilnehmen und sich von Penangs historischem, kulturellem und nicht zuletzt auch kulinarischem Erbe inspirieren lassen kann.

Da bei einer Reise mit dem Eastern & Oriental Express natürlich ganz besonders das viel bemühte, in diesem Fall aber tatsächlich zutreffende, Motto »der Weg ist das Ziel« gilt, lohnt sich ein Blick auf das vielfältige Angebot und die Annehmlichkeiten an Bord: Denn auch direkt im Zug wird Gästen die Möglichkeit geboten, die Kultur Südostasiens in all ihren Facetten zu erleben: Von Begegnungen mit lokalen Handwerker:innen bis hin zu den klangvollen Melodien von Nanyang-Jazz und Vintage-Malay-Musik im Rahmen der Abendveranstaltungen soll eine Reise zu einem unvergesslichen Erlebnis für alle Sinne werden. Kulinarisch möchte der Eastern & Oriental Express dabei mit einem Mix aus zeitgenössischen Gerichten, die in der Peranakan-Kultur verwurzelt sind, sowie einer modernen Interpretation traditioneller Rezepte, überzeugen.

Von den von der Stadt Kuala Lumpur inspirierten Pullman-Kabinen über die maritime Atmosphäre der State-Kabinen bis hin zu den opulenten Präsidentenkabinen (mit zusätzlichem Platz, Goldakzenten und konstantem Champagnerservice) – der Eastern & Oriental Express bietet Reisenden selbstverständlich auch ein edles Interieur aus sorgfältig kuratierten, hochwertigen Designelementen und charakteristischen Farbkonzepten, inspiriert von der vielschichtig lebendigen Kultur Südostasiens. Jede klimatisierte Kabine wurde dabei als edler, komfortabler Rückzugsort gestaltet und verfügt über ein eigenes luxuriöses Bad. Das exklusive Reiseerlebnis soll zudem durch ein erstklassiges Bordservice-Team perfektioniert werden. Die Preise für die beiden neuen Eastern & Oriental Express Routen starten jeweils bei 3.410 USD pro Person, für 3 Nächte. (RED)

Seit seiner Gründung im Jahr 1954 steht Relais & Châteaux für eine Sammlung »der besten Reiseadressen der Welt«, ein eindrucksvolles Verzeichnis von inzwischen 580 herausragende Hotels und Restaurants weltweit. Mit Le Ponant haben sie nun zum ersten Mal eine Segelyacht in ihren Katalog aufgenommen – ein exklusives Reiseerlebnis unter französischer Flagge. Die Rederei gilt heute als Weltmarkführer für Luxusexpeditionskreuzfahrten und steht für höchsten Komfort an Bord sowie französische Lebensart.

»Unsere beiden Unternehmen wollen ihre Expertise miteinander teilen und den unnachahmlichen französischen Lebensstil vermitteln, um sinnstiftende Reisen zu gestalten. An Bord der Le Ponant, dem Juwel unserer Flotte, kann jeder Gast mit der Natur und den eigenen Inspirationen in Dialog treten und seine Sehnsüchte unter Segeln ausleben«, so Hervé Gastinel, CEO von PONANT.

Mit nur 16 elegant eingerichteten Kabinen und einem eigenen Küchenchef bietet sie ihren Gästen nicht nur die Privatsphäre und persönliche Atmosphäre sondern auch den individuellen Service einer privaten Yacht. Dank der geringen Größe des mit den neuesten Umwelttechnologien ausgestatteten Dreimasters können besonders exklusive Häfen und entlegene Regionen inmitten wilder Natur und unberührter Landschaft angesteuert werden. Dabei wird ein hohes Maß an Verantwortung gegenüber den dort existierenden Ökosystemen sowie den lokalen Gemeinschaften gewahrt. [Red.]

Vertikal und linear

Als noa* den 550 Jahre alten Lobishof am Rittner Hochplateau 2021 einer Neugestaltung unterzog, sollte die Anordnung der modernen Baukörper den Aufbau des historischen Hofes, bestehend aus Gasthof, Bauernhaus und denkmalgeschütztem Stadel, widerspiegeln. So bilden heute die beiden freistehenden Bauten eine Hotelanlage auf der grünen Wiesenlandschaft, wobei Architektur und Natur einander ergänzen. Während sich im einen Gebäude der öffentliche Bereich mit Rezeption, Bar und Wellnessräumen befindet, beherbergt das Gästehaus 15 Suiten unterschiedlicher Raumgrößen. Beide Konstruktionen sind durch einen Gang, der unter einem angelegten Hügel verschwindet, miteinander verbunden, wodurch eine raffinierte und von außen unsichtbare Durchgangslösung geschaffen wird.

Was das AEON weiters auszeichnet, ist die konsequente und dennoch mühelos erscheinende Kombination von traditionellen und modernen Gestaltungselementen. Ganz natürlich fügt sich das historisch angelehnte Satteldach auf die dynamische Fassade des Gästehauses, in welcher sich die Streben des alten Stadels wiedererkennen lassen, durch die verwinkelte Anordnung ergeben sich organische Formen. Was diese wabenartige Struktur optisch zusätzlich verstärkt, sind die verglasten Fronten der Suiten. Vertikale, durchlässige Holzverstrebungen an den Seiten beider Fassaden unterstreichen einerseits die Leichtigkeit der Bauten, andererseits stellen sie eine Verbindung zur unmittelbaren Landschaft her, da das Material aus dem nahegelegenen Wald gewonnen wurde. Architekt Christian Rottensteiner begründet den gestalterischen Ansatz wie folgt: »Die Vertikale und die Linearität sind die Leitfäden zweier sich stark kontrastierenden Gestaltungsansätze – teilweise entsteht das Gefühl, zwischen den Welten zu schweben.«

Beige-blaues Wunder

Betritt man das Hauptgebäude durch das stählerne Eingangsportal, eröffnet sich einem eine unerwartete Farbkomposition – die untere Zone wurde in hellbeige gehalten während der obere Teil in ein dunkles Blau getaucht ist. Diese horizontale Zweiteilung zieht sich durch Wände, Möbel, Lampen und Vorhänge, und schafft eine kontrastreiche Komposition. Auch hier wird das Zusammenspiel von Vergangenheit und Zukunft fortgesetzt, wie Interiordesigner Patrick Gürtler näher erläutert: »Die Vergangenheit ist gewachsen wie der Stein, das Holz, die Natur. Die Zukunft ist hingegen schleierhaft, geheimnisvoll und artifiziell, also nicht greifbar wie der Himmel, die Nacht oder der Ozean. Dazwischen liegt der Moment, eine bedingungslose scharfe Teilung, aber auch eine Berührung.«

Im danebengelegenen Bau finden sich beide Farbtöne wieder, diesmal werden die Zimmer allerdings entlang einer vertikalen Linie gesplittet. Wiederum werden sämtliche Möbel und Einrichtungsgegenstände dieser Teilung unterzogen, sodass Gäste vollkommen in die jeweilige Farbwelt eintauchen können, oder die Gratwanderung zwischen Blau und Beige wagen können. Das AEON lädt somit zum Ergründen und Wohlfühlen ein, was nicht nur durch die außergewöhnliche Außen- und Innengestaltung unterstrichen wird, sondern auch durch diverse Entspannungsbereiche – Outdoorpool, finnische Sauna oder Dampfbad – ermöglicht wird. Kulinarisch lockt das Hotel mit einem Bistro und einem Food Corner, der Traditionelles und Handgemachtes aus der Südtiroler Umgebung serviert. [LM]

RH wurde 1979 von Stephen Gordon unter dem Namen Restoration Hardware gegründet und vertrieb anfangs vorrangig Haushaltswaren und Einrichtungsgegenstände. Der Hersteller eröffnete nach und nach zahlreiche Standorte über die USA verteilt und erweiterte sukzessive auch sein Sortiment. Im Jahr 2012 markierte ein weitreichender Relaunch, welcher nicht nur eine strategische Neuausrichtung auf mehr Exklusivität sondern auch eine Namensänderung mit sich brachte, einen wichtigen Meilenstein in der Erfolgsgeschichte der Marke. RH fokussiert sich bei der Produktion seither ausschließlich auf die Verwendung hochqualitativer Materialien, auch die Zusammenarbeit mit internationalen, externen DesignerInnen wurde forciert und die Verkaufsstandorte wurden einer Neugestaltung unterzogen. Jene fortan »Galleries« genannten Stores sollten ein neuartiges Einkaufserlebnis kreieren, Einrichtungsgegenstände wurden kunstvoll inszeniert und in exklusiv anmutender Atmosphäre dargeboten.

Die unkonventionelle Markenstrategie des Unternehmens zeigte sich auch in den Jahren 2021 und 2022 mit der Präsentation der ersten privaten Charterjets, RH One und RH Two.RH überraschte dabei in einem völlig neuen Segment mit herausragendem Design und exklusivem Luxus.

Die Kabinen der Flieger sind mit hellem Eichenholz verkleidet, was eine technische Herausforderung für den RH beauftragten Flugzeugbauer Gulfstream Aerospace darstellte. Es war der erstmalige Versuch des Herstellers, einen gänzlich hölzernen Innenraum zu gestalten. Farblich wird die Verkleidung im handgefertigten Teppichboden bestehend aus Wolle, Seide und Kaschmir wieder aufgenommen. Gleichzeitig wird der warme, weiche Innenraum durch zwölf anthrazitfarbene Sessel, sowie Details aus Edelstahl aufgebrochen. RH gilt als größter amerikanischer Importeur belgischer Leinen, welche bei der Anfertigung der Sessel zum Einsatz kamen. Im Speziellen handelt es sich dabei um Libeco Leinen, gewoben in der ältesten Manufaktur Belgiens. Durch die hochwertigen Materialien und die außergewöhnliche Farbpalette wird das Innere des Privatfliegers von Ruhe und Komfort beherrscht, ein Ort der Entspannung an hektischen Reisetagen. Die beiden Jets stehen einerseits für Charterflüge zur Verfügung, andererseits dienen sie RH selbst als Zentrum für Austausch, innovative Ideen und Zusammenarbeit während geschäftlichen Reisen. Ausgestattet mit zwei Bädern, einer Galeere und Sitzmöglichkeiten, die sich zu bequemen Schlafplätzen umfunktionieren lassen, bietet der Jet ein angenehmes Wohngefühl bei einer Geschwindigkeit von bis zu 1.100 km/h.

Die Designprinzipien des Unternehmens, Balance, Symmetrie und Proportion, lassen sich auch in der Gestaltung der Außenverkleidung deutlich erkennen, welche in der für RH typischen Farbe »phantom gray« lackiert wurde, während die Unterseite einen Champagnerton aufweist. Die metallische Farbgebung verleiht dem Flugzeug Wiedererkennungswert, während eine klare Formensprache die dynamische, zeitgenössische Gestalt des Fliegers unterstreicht. [LM]

Die stilvollen Apartments mit exklusivem Concierge Service vereinen ein Gefühl von Privatsphäre und Luxus. Ohne den Komfort eines vollausgestatteten Hotels missen zu müssen, kann in den Residenzen so in wohnlicher Atmosphäre eine authentische Alltagserfahrung genossen werden. In puncto Design setzten die beiden Unternehmer auf die Zusammenarbeit mit aufstrebenden JungarchitektInnen aus Frankreich und Belgien, wodurch die Unterkünfte in moderner Frische erstrahlen. Gleichzeitig dominiert durch eine ruhige Farbpalette in Grün,- Rosa- und Gelbtönen und klassischen Designmöbelstücken aus den Sechziger- und Siebzigerjahren eine nostalgische Stimmung. Die Möbel sowie auch verschiedenste Kunstwerke und Bücher wurden von Andrea Bokobsa selbst mit großer Sorgfalt ausgewählt. Somit schafft Pied A Terre eine harmonische Atmosphäre, welche aufgrund der detailreichen Besonderheiten stets neue Entdeckungen zulässt.

Gelegen auf der Rue Saint-Honoré, in unmittelbarer Nähe der Jardins des Tuileries und der Saint-Roch Kirche, spiegelt etwa die von Adrien Meira designte Residenz die Raumaufteilung eines typischen Pariser Apartments wider, wobei der Wohnraum symmetrisch rund um den Essbereich angelegt ist. Durch unterschiedliche Grünschattierungen, cremefarbene Fließen und Spiegelelemente aus den Achtzigerjahren entsteht ein Gefühl von verschachtelter Räumlichkeit. Auch die »Tuileries Residence«, entworfen vom Architekturduo Necchi Architecture, zeigt auf zwei Stockwerken, wie Vergangenheit und Gegenwart ineinandergreifen können. Als Inspirationsquelle für die Gestaltung Schlafzimmers dienten die Wohnräume Giorgio Armanis aus den Achtzigerjahren, was durch die warme Farbgebung, ein ausladendes Bett und eine stählerne Lampe des Designers Eliot Barnes sichtbar und fühlbar wird. Währenddessen setzt ein zweites Schlafzimmer mit Stühlen im Zebraprint und einem grünen Coffee Table auffällige Akzente. Jedes Apartment, jeder Raum zeichnet sich durch ein einzigartiges Flair aus, – was die vier Residenzen dennoch miteinander vereint sind der Komfort und die Wohnlichkeit in einer Umgebung, welche von extravaganten Möbelstücken und einer geschmackvollen Rundumausstattung geprägt ist. 

Die Geschichte von Pied A Terre ist noch lange nicht zu Ende erzählt, ist doch aktuell die Eröffnung sieben weiterer Residenzen geplant. Wenn auch diese Apartments, ganz im Sinne der Unternehmer, alle ihren individuellen Charakter haben werden, darf dennoch vermutet werden, dass sie den Ansprüchen von leistbarem Luxus und exklusivem Design gewiss gerecht werden. [LM]

Schon beim Betreten der opulenten Lobby kann man unmittelbar erkennen, dass Roberto Ivens nicht nur Namensgeber für das Hotel The Ivens war, sondern man sich auch im Stil von seinen und Capelos Reisen inspirieren ließ. Tropische Pflanzen in wuchtigen Töpfen oder stilisiert auf kräftig-farbigen Stoffen und Tapeten, schwer anmutende Möbel, Gemälde und Vintage-Fotografien von afrikanischer Flora und Fauna sind hier allgegenwärtig. Mit seinem glamourösen Maximalismus lädt The Ivens dabei seine Gäste auf ihre ganz eigene Erkundungsreise ein, trotz der recht überschaubaren Größe der öffentlichen Bereiche könnte man vermutlich Tage damit verbringen, die verschiedenen Dekorationsobjekte, die sich in Lobby und Rezeptionsbereich befinden, zu studieren.

Im starken Kontrast zum ersten Eindruck der Opulenz findet man nach dem Einchecken auf dem Zimmer dann eine deutlich minimalistischere Stilwelt vor. Farblich wurde auf sanft-helle Naturtöne gesetzt, das dominierende gestalterische Element scheint tagsüber das durch die übergroßen Fenster in die Räume fallende Sonnenlicht zu sein. 

Die Kombination aus Maximalismus in den öffentlichen Bereichen und Minimalismus auf den Zimmern und Suiten ist wohl nicht nur in Lissabon ein echtes Alleinstellungsmerkmal für das Hotel. Opulente Grand Hotels auf der einen Seite und kühl-minimalistische Designtempel auf der anderen – normalerweise muss man sich bei seinem Aufenthalt für einen der aktuell in der Hotellerie vorherrschenden Stile, die so gänzlich gegensätzlich sind, entscheiden. Im The Ivens kann beides kombiniert werden. Abends der Whiskey im Kristallglas am dunklen Mahagonikamin in der Lobby und am nächsten Morgen dann das Frühstück im Bett, umgeben von zurückhaltenden Beige-Nuancen und den sanften Strahlen der portugiesischen Vormittagssonne.

Unter der lokalen Bevölkerung Lissabons ist The Ivens innerhalb kürzester Zeit zum Hotspot avanciert, es herrscht durchaus internationales Flair, doch offenkundig lunchen hier auch Geschäftsleute aus den umliegenden Büros und Boutiquen, und auch nachts an der Bar merkt man auf angenehme Art und Weise, dass hier neben Hotelgästen aus der Fremde auch Lisboetas den Tag bei einem Drink ausklingen lassen. 

Das Restaurant des Hotels, Rocco, ist dabei in drei Teile untergliedert. Die auf Meeresfrüchte und Krustentiere spezialisierte Crudo Bar, eine imposante Cocktail Bar sowie das Hauptrestaurant mit Schwerpunkt auf italienische Küche. In allen drei Bereichen pulsiert das Leben, auch unter der Woche. Dabei kommt dem Hotel neben seinem speziellen Design wohl auch seine privilegierte Lage zugute. Obwohl The Ivens in einer Straße abseits des großen Trubels von Lissabon liegt, sind eine der größten Einkaufsstraßen der Stadt, die Oper, das zeitgenössische Museum Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado und diverse Spitzenrestaurants nur einen Steinwurf entfernt. 

The Ivens nennt sich selbst augenzwinkernd »Explorer Hotel«, der Gast soll auf Entdeckungsreise gehen. Eine Mission, die man hier gerne annimmt. Ivens und Capela ließen ihrem ersten Trip nach Afrika übrigens noch diverse weitere Exkursionen auf dem Kontinent folgen, insofern würden mehrere Besuche des Hotels The Ivens für eigene Exkursionen also durchaus auf einer guten Tradition aufbauen. [AD]

Inmitten der Natur – Das Haus Luft

Dort Urlaub möglich zu machen, wo man selbst am liebsten ist, und dabei die Integrität der Natur zu bewahren war Hermann Bergers Hintergedanke, als er 2018 das FourElements gründete. Seitdem bringt er ausgehend von seiner eigenen Heimatverbundenheit auch seinen Gästen die atemberaubende Umgebung des Dreiländerecks näher. In Zusammenarbeit mit seiner Schwester Gabriele Berger, welche als ausgebildete Bühnenbildnerin die Inneneinrichtung übernahm, entstand somit ein herausragendes Quartett an Luxusdomizilen.

Wie der Name der Unterkünfte bereits verrät, orientieren sich die Häuser an den Elementen der Natur und wurden im Einklang mit diesen errichtet. So findet sich etwa im Haus Feuer das namensgebende Element in unterschiedlichen Formen und Aspekten wieder, sei es im knisternden Kaminfeuer, der Sauna oder der hauseigenen Grillstation. Unterstrichen wird diese wohlig warme Atmosphäre durch pink- und bordeauxfarbene Details und der naturbelassenen Holzverkleidung. Weiters besticht das Haus mit großzügigen Fensterflächen im Obergeschoss und einem Privatzugang zum Fluss. 

Auch die Häuser Wasser und Luft beeindrucken mit verglasten Fronten, die den Blick über den nahegelegenen Nationalpark Gesäuse schweifen lassen. Beide ragen über die Schlucht hinaus, durch welche die Salza fließt, was die unmittelbare Nähe zum smaragdgrün strömenden Wasser ermöglicht. Die Häuser bieten ein umfangreiches Wellnessangebot, Naturmaterialien aus der Region und leichte Farbakzente in Blau- und Grautönen. Im Zusammenspiel mit klaren Strukturen durch Steinplatten und gerade Linienführung entsteht ein ausgeglichenes Ambiente. 

Das Haus Feuer fügt sich harmonisch in seine Umgebung ein

Der Ausblick aus dem Haus Wasser auf die Salza

Seit Mai 2021 vereinen sich im Haus Eisvogel die Elemente Luft, Feuer, Erde und Wasser, wobei der heimische Vogel als Inspirationsquelle und Namensgeber des Hauses diente. Mit einem offenen Kamin, einem Naturpool direkt vor der verglasten Wohnzimmerfront und Yogaplätzen auf der Terrasse lässt es kaum etwas zu wünschen übrig. Naturbelassene Wände aus Holz und Lehm, sowie eine klare geometrische Gestaltung machen das Domizil komplett. 

Doch die Häuser des FourElements eignen sich nicht nur als Ruhepol fernab vom Alltag, in ihrer Umgebung laden auch vielfältige Freizeitmöglichkeiten zur aktiven Betätigung ein. Von Mountainbiken oder Kajakfahren im Sommer bis hin zu Eisklettern oder Langlaufen im Winter ist beinahe alles möglich. Auch die kulinarischen Erlebnisse kommen im FourElements nicht zu kurz. Hierbei bieten verschiedene Partnerrestaurants, etwa das Gasthaus Hoamat, mehrgängige Menüs an, welche auf Wunsch direkt an die Haustür geliefert werden können. [LM]

Die abendliche Sicht vom Pool auf das Haus Eisvogel

Die Häuser Wasser und Luft in der verschneiten Winterlandschaft

In den Bündner Bergen, 1.252 Meter über dem Meeresspiegel, liegt eine Ruheoase mit einer besonderen Geschichte. Kurbäder in der dortigen Thermalquelle wurden bereits ab dem 19. Jahrhundert ärztlich empfohlen, um dermatologische Beschwerden zu behandeln. Daraufhin entstand ein Sanatorium, das 1964 in ein Kurhotel umgewandelt wurde. Mit diesem Schritt begann auch eine sukzessive Neuorientierung hin zum Freizeittourismus, welche 1996 schließlich mit der Neugestaltung der Therme durch den Schweizer Architekten Peter Zumthor vervollständigt wurde.

Zumthors monumentale Bauten gliedern sich in ihre Umwelt ein und verbinden dabei Ursprungstradition mit zeitloser Formensprache. Auch die 7132 Therme (benannt nach der Postleitzahl von Vals), erbaut aus 60.000 Valser Quarzit Blöcken und Rohbeton, wird erst durch ihre extraordinäre Gestaltung zum Gesamterlebnis. Mit sechs Bädern, die Wassertemperaturen von 14 bis hin zu 42 Grad aufweisen, einem Außenbad und vielfältigen Spa Angeboten steht einem Thermenaufenthalt mit Rundumversorgung nichts mehr im Wege.

Doch nicht nur mit dem Thermalbad selbst, auch im Fünf-Sterne-Superior-Hotel 7132 und dem daran angeschlossenen Architekturhotel 7132 House of Architects durfte Zumthor im Zuge eines Komplettumbaus sein Talent zur Schau stellen. Zehn Zimmer gestaltete der Schweizer Architekt in einer Technik aus der italienischen Renaissance, Stucco Lustro, und stattete sie zudem mit Vorhängen aus handbemalter Habotai-Seide aus. Kengo Kuma hingegen schuf mit seinen Zimmern im 7132 House of Architects einen Rückzugsort aus Eichenholz mit einer dominanten offenen Dusche in der Raummitte, bei der wiederum Valser Quarzit zum Einsatz kam. Auch Thom Mayne nutzte Holz als Grundmaterial und kombinierte es mit schwarzem Stein, um ein tiefgreifendes Raumerlebnis zu schaffen. Für Tadao Andō dienten japanische Teehäuser als Inspiration und er gestaltete seine Unterkünfte somit harmonie- und ruhevoll.

Die Anlage bietet eine vielseitige Architektur- und Designerfahrung und wird auch kulinarisch um einige Highlights ergänzt. Besonders nennenswert ist das 7132 Silver, in dem Sternekoch Mitja Birlo genussreiche Kreationen zaubert. Dabei kombiniert er Luxusprodukte wie Hummer und Kaviar mit frischen Kräutern und Pilzen aus den lokalen Wäldern. Egal ob Cocktails in der Blue Bar, frischer Kaffee und ausgewählte Designbildbände im 7132 Coffee Shop oder traditionelle Hausmannskost im Glenner – das facettenreiche Angebot des 7132 Hotels und seinen Einrichtungen bietet alles, was das Herz begehrt. [LM]

Eingebettet in ein denkmalgeschütztes Stadtpalais arbeitet das Hotel Zola mit der Symbolik der Natur und der Balance von Materialien, Farben und Möbeln. Neben fünf verschiedenen Zimmerkategorien bilden die vier Suiten das Highlight des Hotels. Diese sind inspiriert von Émile Zolas Werken und sind auch namentlich an diese angelehnt.

In der Suite »La terre« (die Erde) dominieren Erdtöne. Für die Wandgestaltung wurde Lehm verwendet und in sieben sich leicht unterscheidenden Farbtönen aufgetragen. Weitere außergewöhnliche Naturmaterialien wie Schilf und Stirnhölzer finden sich in der Wand der Suite verarbeitet. Prunkvolle Materialen wie Samt kontrastieren spannungsvoll mit den sonst natürlichen Farben und Werkstoffen.

»Le péché« (die Sünde) ist ein dunkel gestalteter Raum, in welchem Textilien und Lavasteinputz zur Gestaltung eingesetzt wurden. Verwelkte Blumen unter Glasglocken stehen symbolisch für die Vergänglichkeit und untermalen das Motiv der Sünde dezent.

Eine wiederum völlig andere Wirkung bietet die dritte, in Blautönen gehaltene Suite, »Le rêve« (der Traum). Als zentraler Blickfang gelten die meterhohen Stoffbahnen an den Wänden. Dafür wurden Jutestoffe aus einer toskanischen Scheune blau eingefärbt und aus geometrischen Formen zu einer Textilcollage zusammengesetzt. Diese Formen finden sich ebenso als Tonblöcke im Zimmer wieder.

Die letzte Suite, »La curée« (die Beute), verbindet Vergangenheit und Gegenwart, Tradition und Design. 150 Jahre altes Scheunenholz dient als Grundmaterial der Wände. Dieses wurde mit Feuer behandelt und im japanischen Yakisugi-Stil auf Messingplatten verlegt. Die rohe, rauchige Atmosphäre wird fortgesetzt, indem verkohlte Holzstämme, Steine und Leder kombiniert und als Gestaltungselemente eingesetzt werden.

Entstanden ist die vielfältige Zusammensetzung von naturnahen Materialien und Farben in Zusammenarbeit mit Wiener HandwerkerInnen und KünstlerInnen, unter anderem mit Alexander Queisser. Neben den einladenden Suiten und Zimmern lockt das Zola unter dem Slogan »casual fine dining« auch mit kulinarischen Besonderheiten. Im Restaurant ZAZATAM werden Spezialitäten der internationalen Avantgarde-Küche in atmosphärischer Umgebung serviert. [LM]

Als High-End Hotelkette setzt Ritz-Carlton seit jeher auf eine individuelle, im höchsten Maße personalisierte Reiseerfahrung auf höchstem Niveau. An diese Tugenden will Ritz-Carlton nun auch an Bord anknüpfen – mit einer Kombination aus Luxus und Komfort, Schlichtheit, Eleganz und innovativem Yachtdesign. Weite, offene Decks und 149 geräumige Suiten, gestaltet vom schwedischen Designstudio Tillberg Design, sollen dabei gleichzeitig ein Gefühl von Freiheit aber auch von einer gewissen Privatheit und Intimität vermitteln.

Ausstattung und Gestaltung der Großyachten folgen dabei einem harmonischen Zusammenspiel aus modernen und organischen Elementen. Zum einen schaffen klare Formen und Glasfronten eine lichtvolle Umgebung, zum anderen sorgen Holzausstattungen, Sitzelemente in Lederoptik sowie Beigetöne für ein gemütliches Ambiente. Egal, ob beim Cocktail Trinken an der Bar, beim Entspannen am Pool oder beim Bewundern des Sonnenuntergangs auf der herausragenden Observation Terrace am obersten Deck – das Kreuzfahrtschiff will eine Atmosphäre zum Wohlfühlen und Durchatmen kreieren. Als besonderes Highlight ist die Marina-Plattform mit direktem Zugang zum Meer zu nennen, welche den fließenden optischen Übergang zwischen Schiff und Wasser im Innenbereich konkret im Außenbereich fortsetzt.

The Ritz-Carlton Yacht Collection will ein Gegenkonzept zu herkömmlichen, massentouristischen Kreuzfahrten entwerfen, indem der Fokus auf individuellem, entschleunigtem Reisen und dem wirklichen Eintauchen in unbekannte Orte liegt. Chris Gabaldon, Senior Vizepräsident bei Marriott International, beschreibt das Reiseerlebnis folgendermaßen: »It’s less of a check list and more of an indulged experience that can get you closer to the local culture.« Entscheidend für diese Erfahrung ist dabei eine Reiseroute, die einerseits bewährten Urlaubsstädten einen Besuch abstattet, andererseits aber auch kleinere, unbekannte Häfen ansteuert. Aus fünf verschiedenen Hauptrouten kann die gewünschte Reise gewählt werden, darunter Routen durch das Mittelmeer, die Karibik oder Nordeuropa. Verschiedenste Exkursionen an Land vervollständigen darüber hinaus das Luxusabenteuer – je nach Präferenz ist hierbei von Entspannung bis hin zum Adrenalinrausch beinahe alles möglich.

Auch an Bord ist für jede und jeden etwas dabei. Das Kreuzfahrtschiff bietet acht Decks inklusive Luxusboutique, Weinverkostungsbereich, Spa Terrasse und vielem mehr. Für kulinarische Besonderheiten à la carte sorgt der renommierte, mit drei Michelin Sternen ausgezeichnete Koch Sven Elverfeld, inspiriert von der jeweiligen Destination. Weiters ist für ein umfassendes Unterhaltungsprogramm gesorgt, von Jazzperformances bis hin zu Podiumsdiskussionen. All diese Faktoren tragen somit zu einer einmaligen Erfahrung bei, wobei das Wiederaufleben des Erkundungsgeistes und das individuelle Wohlbefinden im Zentrum stehen.

Die erste von mehreren in Planung befindlichen Megayachten der Ritz-Carlton Yacht Collection ist auf den Namen »Evrima« getauft, verfügt bei einer Länge von 190 Metern, über 150 Luxussuiten und soll nun im August dieses Jahres in See stechen. [LM]

Die Bemelmans Bar ist nach dem Illustrator und Kinderbuchautor Ludwig Bemelmans benannt, dessen Zeichnungen sämtliche Wände sowie weite Teile des Interieurs verzieren. Im Austausch für zwei Jahre kostenlose Logie in einem Zimmer des Grandhotels schuf Bemelmans in den Vierzigerjahren des letzten Jahrhunderts hier ein beeindruckendes Gesamtkunstwerk. Spielerisch holt er mit kindlichen Figurinen aus der Tierwelt das vornehm-städtische Leben des Centralparks in die Räumlichkeiten der Bar. 

Ein Langohrkaninchen wird zum Gentleman mit Fliege und Frack, das sich angelehnt an eine Eiche in der Sonne entspannt. Hundedamen in pastellfarbenen Kostümen schlendern gemeinsam über den Rasen und Kängurus picknicken unter ausladenden Sonnenschirmen. 

Dazwischen bekommen auch menschliche Karikaturen in Form von Luftballonverkäufern und Fahrradfahrern ihren Raum, bei Bemelmans Zeichnungen können sie als Spezies der Tierwelt in Sachen Eleganz allerdings nicht das Wasser reichen. Die gedeckten Farben, vorherrschend ist ein rauchiger Elfenbeinton, vermeiden jegliche kitschige Anmut oder Disney-Atmosphäre. Bemelmans, das ist ein bisschen Nostalgie und jede Menge Gemütlichkeit. Die niedrigen Decken und vielen Nischen der Räumlichkeiten sorgen zusätzlich für genau dieses Ambiente. 

Zweiter Hauptakteur der Bar ist neben den Illustrationen der Pianist und Komponist Earl Rose. Die Bar mit dem mittig platzierten Steinway Flügel ist jede Woche von Sonntag bis Dienstag seine Bühne. Rose ist Emmy Award Gewinner, wenn er nicht für TouristInnen und NachbarInnen im Bemelmans spielt, komponiert er für Film und Fernsehen. Sein Ruhm hindert ihn allerdings nicht daran, charmant auf die Wünsche der Bargäste einzugehen, auch wenn Sinatras »New York, New York« vermutlich keine künstlerische Herausforderung für ihn darstellt.

Auch die Drinks sind im Bemelmans solide und eher traditionell, Dirty Martinis statt Pina Coladas, im Grandhotel wird eben auch die Barkarte elegant gestaltet. 60 Jahre nach dem Tod von Ludwig Bemelmans ist das The Carlyle noch immer ein Haus, das traditionell mit Illustratorinnen und Illustratoren zusammenarbeitet, um seine Vision von Gastlichkeit zu kommunizieren. So zeichnete unter anderem die Münchnerin Kera Till für das Hotel einen Kalender und das Plakat zum Film »Always at the Carlyle«. Die Welt ist auch in diesen Darstellungen eine freundliche, opulente, voller Genuss. Wie das Leben eben so ist, wenn man durch die golden glänzende Drehtüre ins The Carlyle und seine Bar Bemelmans eintritt. [AD]

The Carlyle, 35 East 76^th Street, New York, NY 10021

The Carlyle.com

Die Ersten, die in den Genuss der wohltuenden Kräfte der Blauen Lagune, einer geothermischen Quelle, kamen, waren die Anwohnerinnen und Anwohner der isländischen Halbinsel Reykjanes. Diese begannen sich Anfang der Achtzigerjahre erstmals in den warmen Gewässern, die sich als »Abfallprodukt« des geothermischen Kraftwerks Svartsengi gebildet hatten, zu baden. Obwohl Ingenieure der Anlage erwartet hatten, dass das heiße Wasser, das sie für die Erzeugung grüner Energie aus dem Erdinnern pumpten, nach Auftreten wieder durch die Lava absickern würde, war dies aufgrund seines hohen Siliziumdioxidgehaltes nicht möglich. So formte sich nach und nach das wunderschöne Becken der Blauen Lagune.

2018 öffnete The Retreat in dieser Landschaft, welche von National Geographic zu einem der 25 größten Weltwunder erklärt wurde, seine Pforten und bietet seinen Gästen seither die Möglichkeit, in der ruhigen Atmosphäre des Luxusresorts mit der Natur zu verschmelzen.

Denn die Anlage ist eine architektonische Hommage an die Landschaft, die sie umgibt. Die Verbindung zwischen Mensch und Natur stand bei der Planung und Umsetzung des Gebäudes, welches unter der Leitung von Sigríður Sigþórsdóttir von Basalt Architects umgesetzt wurde, im Mittelpunkt. Die im gesamten Projekt verwendete Materialpalette, welche sich vor allem aus Sichtbeton, Holz, Lava und Glas zusammensetzt, wurde so gewählt, dass sie mit der natürlichen Umgebung harmoniert und die Farbtöne und Texturen der Landschaft ergänzt.

Doch auch im Inneren des Resorts ist für eine Kontinuität der unmittelbaren Umgebung und des Gebäudes gesorgt, für dessen Interieur sich die Design Group Italia verantwortlich zeichnet. Natürliche Materialien definieren hier ganz klar das Bild: Wände aus Gussbeton, Kamine aus erstarrter Lava und Schieferböden mit moosgrünen Teppichen. Bei der Einrichtung wurde auf eine beruhigende Ton-in-Ton Farbpalette gesetzt, welche dem Ort eine zeitlose Eleganz verleiht und gleichzeitig die majestätisch leuchtende Lagune in den Mittelpunkt rückt. Die raumhohen Fenster führen Außen und Innen organisch zusammen und lassen das in den Sommermonaten scheinbar endlose Licht hereinströmen.

Das in die vulkanische Erde gebettete Spa des Retreat ist das Herzstück des Resorts. Hier sorgt ein umfangreiches Angebot an Behandlungen und Pflegeritualen dafür, dass man sich nach einem Aufenthalt in der isländischen Oase tatsächlich wie neu geboren fühlt.

Wer diese multisensorischen Erlebnisse auch auf gastronomischer Ebene abrunden will, der kann dieses im hauseigenen Restaurant Moss tun. Hier interpretiert man die kulinarischen Traditionen Islands stets neu und öffnet den Gästen mit jedem Gericht die Tür zu den vielfältigen Köstlichkeiten der isländischen Küche.

The Retreat beherbergt insgesamt 62 luxuriöse Suiten, welche auf zwei Ebenen verteilt einzigartige Ausblicke auf den vulkanischen Horizont bieten. Wer sich bei der Buchung für die Lagoon Suite entscheidet, kommt sogar in den Genuss eines Privatzugangs zur Lagune. Privatsphäre und Diskretion werden in The Retreat auch generell groß geschrieben, sind es doch wichtige Voraussetzungen für nachhaltige Entspannung und Wohlbefinden. [MS]

Die Geschichte der heutigen Hotelanlage führt zurück in die »Epoche der Korinthe«. Nachdem Griechenland 1830 die Unabhängigkeit der osmanischen Herrschaft erlangte, nahm der Anbau von Korinthe beeindruckende Ausmaße an und machte die kleine, kernlose Rosinenart zu einem von Griechenlands wichtigsten Exportprodukten. Als die Nachfrage um 1910 jedoch stark zurückging, fingen die Bauern und Bäuerinnen an aus der überschüssigen Ware Wein und andere Produkte herzustellen. Erste Weinkellereien und Brennereien entstanden – darunter auch Dexamenes. 

Als Nikos Karaflos das Athener Architekturstudio K-Studio vor einigen Jahren mit der Umwandlung der stillgelegten Weinfabrik beauftragte, sollte dessen Geschichte in das Konzept des exklusiven Resorts miteinfließen. Neben der Nachhaltigkeit stand die Bewahrung des rauen Charmes industrieller Ästhetik ganz oben auf der Prioritätenliste.
In diesem Sinne wurden für den Umbau lokale HandwerkerInnen unter Vertrag genommen und bereits bestehende Elemente der historischen Anlage dem Zweck entsprechend umgebaut und revitalisiert. 

Die bevorzugte Materialpalette, welche sich größtenteils aus Sichtbeton, Stahl, Holz und technischem Glas zusammensetzt, harmoniert mit den bestehenden Strukturen und sorgt dafür, dass industrielle Architektur und modernes Design harmonisch und nahezu nahtlos ineinander übergehen. So wird beispielsweise das Erscheinungsbild des Innenhofes maßgeblich von zwei erhalten gebliebenen, stählernen Silotanks bestimmt, welche der Anlage seit jeher ihren einzigartigen Charakter verleihen. Der flache Pool, der die Tanks umgibt, reflektiert die Strahlen der warmen Mittagssonne, lockert die ehemals strenge Funktionalität des Geländes auf und verwandelt den Ort in eine Oase der Ruhe. 

Zurückhaltenden Luxus vermittelt nicht nur das schlichte Interieur, sondern auch die exklusive Anzahl von lediglich 34 Zimmern, die in den ehemaligen Weintanks untergebracht sind. Die exklusive Beachfront Villa bietet zusätzlich Platz für größere Gruppen von bis zu zehn Personen. Im hauseigenen Restaurant setzt man dem Konzept entsprechend auf regionale Küche, die sich mit ihren kulinarischen Kreationen an der Saison und Verfügbarkeit der lokalen Produkte orientiert.

Mit Dexamenes wurde ein einzigartiges Hotel geschaffen, welches durch ein ganzheitliches, nachhaltiges Konzept anspruchsvollen Reisenden die Möglichkeit bietet in einer außergewöhnlichen Umgebung zu übernachten, die örtliche Kultur und Geschichte in einer persönlichen Weise kennenzulernen und zeitgleich auf die nächste kühle Brise des scheinbar nicht enden wollenden Ionischen Meeres zu warten. [MS]

Es kommt selten vor, dass ein massiver Kran nicht als absoluter Fremdkörper aus seinem Umfeld heraussticht. Doch beim Kopenhagener Hotel The Krane, einem umgebauten und zum Hotel umfunktionierten Kohlekran kann man durchaus sagen, dass er sich harmonisch in seine Umgebung einfügt. Denn hier, im industriell geprägten Hafenviertel Nordhavn, in dem bis heute Containerschiffe an- und ablegen, neben wuchtigen Lagerhallen und Speichertürmen sowie diversen andere Kränen, wirkt der Hotelkran wie der Teil eines architektonisch fein aufeinander abgestimmten Ensembles.

Das matte Schwarz des Krans abstrahiert sein industrielles Design und verdeutlicht, dass hier nicht mehr eine aktive Maschine für den Kohleabbau steht. Die technische Silhouette kommt dank der Farbwahl nun allerdings fast noch deutlicher zum Ausdruck. Im obersten Stockwerk befindet sich im ehemaligen Motorraum des Krans das 50 Quadratmeter große Hotelzimmer. Obwohl es durch die großzügigen Dimensionen durchaus berechtigt wäre, benutzt man hier nicht den überstrapazierten Begriff Suite. Eine Vergangenheit im Kohlebau verpflichtet, und so ist hier auch das Innere vollkommen im matten Schwarz gehalten.

Trotz der puristischen, skandinavisch geprägten Einrichtung – verwendet wurden unter anderem Stoffe von Kvadrat und Elektronikgeräte von Bang & Olufsen – wird durch eine abgetönte Holzvertäfelung eine warme Atmosphäre erzeugt, die im totalen Kontrast zum Ausblick aufs rustikale Industriegebiet steht. Das Hotelzimmer, zu dem auch zwei Terrassen gehören, kann alternativ auch als Konferenzraum für bis zu sechs Personen gebucht werden.

Eine Etage niedriger befindet sich das Spa des Hotels, das aufgrund nicht vorhandener anderer Gäste ein absolut privates Wellness-Vergnügen ermöglicht. Farblich herrschen hier mit weißen Badewannen und grauen Fliesen hellere Töne als im Hotelzimmer vor. Gebucht werden können verschiedene Massagen und Gesichtsbehandlungen, im Anschluss kann man vor dem offenen Kamin entspannen und den Ausblick genießen. Denn auch hier wurde das umliegende Industriegebiet durch bodentiefe Fensterfronten bewusst als Blickfang integriert. Durch das allgegenwärtige Wasser wird der Werksatmosphäre dabei seine Schroffheit genommen.

Separiert von Hotelzimmer und Spa, im ersten Stockwerk gelegen, befindet sich noch ein Konferenzraum der den bezeichnenden Namen »The Glassbox« trägt. Durch die freiliegende Stahlstruktur ist hier am deutlichsten spürbar, dass man sich nicht in einem gewöhnlichen Hotel, sondern in einem umgebauten Kran befindet. An einer langen Tafel können bis zu 20 Personen umgeben von der Nordsee konferieren.

Servicetechnisch kann The Krane durchaus mit größeren Hotels mithalten oder sie übertrumpfen. Gäste werden vom Concierge in der Hotelrezeption im Erdgeschoss in Empfang genommen und auf Wunsch durchs Hotel geführt. Dabei gibt es eine Einführung in die Historie des Krans. Offeriert werden außerdem Frühstück, tägliche Zimmerreinigung, eine Minibar und Fahrräder. [AD]

thekrane.dk

Navigationssysteme gehören heute zur Standardausstattung eines jeden Neuwagens und selbst mit jedem Smartphone kann mittlerweile über die integrierte Kartenfunktion fast weltweit die gerade notwendige Wegbeschreibung abgerufen werden. Optional werden dabei auch problemlos die nächstgelegene Tankstelle in die Route eingeplant und natürlich Restaurants auf dem Weg angezeigt. Das ist praktisch, zeitsparend und bequem. Doch für besonders anspruchsvolle Reisende, bei denen der Weg zum Ziel werden soll mag es nicht gerade verlockend sein, sich die Route zu verschönern, in dem man sich auf eine gewöhnliche App verlässt. Für den ganz individuellen Roadtrip bietet die Rocco Forte Gruppe seit neuestem einen spannenden Service an. Gäste, die mit dem Auto anreisen, können schon vor dem Einchecken mit dem Hotel-Concierge in Kontakt treten, und sich von ihm mit Geheimtipps die Anreise versüßen lassen. Chapter überzeugte sich auf dem Weg von Mailand über Florenz nach Rom.

12:45 Uhr, Autobahn A1, kurz nach Mailand. Florenz ist noch mehrere hundert Kilometer entfernt, es ist also fraglich ob das Team des dortigen Hotel Savoy nun wirklich schon Ratschläge für ein charmantes Mittagessen geben kann, aber einen Versuch ist es auf jeden Fall wert. Nachdem per Whatsapp der genaue Standort und die Gelüste – Trüffel bitte – mitgeteilt werden, dauert es keine fünf Minuten, bis der Chefconcierge sich meldet. Es gäbe ein durchaus empfehlenswertes Restaurant nur wenige Minuten von der übernächsten Autobahnausfahrt entfernt gelegen. Doch wirklich exzellent sei eine kleine Trattoria in Parma, die einen Umweg von 35 Minuten bedeutet. Da ja genau dies die Idee hinter diesem Roadtrip ist, zögern wir nicht lange und entscheiden uns für Alternative Zwei. Eine gute Wahl, denn das Mittagessen in dem unscheinbaren Lokal, Al Corrieri, ist dann wie versprochen eine wahre Trüffelexplosion, überraschenderweise zum Schnäppchenpreis. Das ging schon mal gut los.

Richtig begeistert sind wir dann allerdings am späten Nachmittag, auf den letzten Metern während der Einfahrt nach Florenz. »Nehmen sie auf jeden Fall die Ausfahrt ›Firenze Impruneta‹, auch wenn das Navigationssystem in der Regel eine kürzere Route vorschlägt.« Dass wir dem Rat folgen, wird mit einer atemberaubenden Aussicht belohnt, Florenz liegt einem buchstäblich zu Füßen. Im Hotel ist das persönliche Kennenlernen mit dem Chefconcierge Ruggero Vannini dann gefühlt so, als würde man einem guten Bekannten und nicht einem Fremden begegnen. Es ist schließlich deutlich persönlicher, mit einem »Hat‘s geschmeckt im Al Corrieri?«  als mit der Standardfloskel »Hatten sie eine gute Anreise?« begrüßt zu werden.

Das Hotel Savoy, direkt an der Piazza della Repubblica gelegen, ist nicht nur durch seine Lage ein echtes Grand Hotel, auch im Design besticht es mit seiner edlen Gediegenheit. Dabei ist es, typisch für Rocco Forte, frei von Kitsch und Plüsch. Hier sind es wertige Materialien und klare Linien, die die elegante Atmosphäre kreieren. Insbesondere die Zimmer mit Blick auf die Piazza sind ein echtes Highlight. Da sie nach Westen gerichtet sind, kann man von ihnen aus die Sonne über dem Arcone Bogen untergehen sehen.

Dass Ruggero Vannini und sein Concierge Team in Florenz Heimvorteil haben, merken wir dann am nächsten Tag. Ob Barbier für eine traditionelle Rasur oder die beste Pizza der Stadt, auf jede Frage gibt es mindestens drei enorm hilfreiche Antworten.

Beim Abschied von Florenz werden wir dann quasi an Vanninis römische Kollegen vom Hotel de Russie übergeben. Das Team Florenz hat auf der ersten Etappe volle Arbeit geleistet, Team Rom muss sich also ins Zeug legen, um mitzuhalten.

Da das Frühstück vor der Abfahrt in Florenz recht üppig ausgefallen ist, suchen wir auf dieser Etappe nicht nach gastronomischen Tipps. Doch ob denn vielleicht irgendeine Sehenswürdigkeit auf dem Weg liegt, um auch diese Strecke in zwei Abschnitte zu unterteilen? »Es gibt da eine wirklich sehr nette Kirche mit beeindruckender Kuppel, könnte das etwas sein?« fragt die Concierge erneut per Whatsapp Nachricht. Und bietet anschließend auch direkt an, die Tickets für die Kirche Madonna di San Biagio zu besorgen. Unkomplizierter kann so ein kleiner Zwischenausflug auf halber Strecke kaum sein.

Und auch in Rom angekommen, wartet die dortige Concierge Alessandra Roberti Cozzo nur darauf, den Gästen mit lokalen Tipps zur Seite zu stehen. Auf unseren Wunsch hin stellt sie beispielsweise eine beeindruckende Liste von Antiquitätenläden in und um Rom zusammen und bietet direkt an, auch gerne den Transport von etwaigen Einkäufen in die Heimat zu organisieren, falls wir denn fündig werden sollten.

Das Hotel de Russie ist mit seinem wunderschönen Garten mitten in der Stadt allerdings dann doch eine solche Ruheoase, dass es selbst mit den ausgefallensten Tipps schwer fällt diesen Ort für allzu ausgedehnte Einkaufstouren zu verlassen. Denn so sehr das Luxusnavigationssystem à la Rocco Forte jede Fahrt aufwertet, nach rund 600 zurückgelegten Kilometern ist man irgendwann dann doch einfach froh, sich ein wenig Erholung und Ruhe zu gönnen. [AD]

Die Hotelkette aus Lateinamerika hat das ehemalige Hotel Weismayr in ein modernes und dabei dennoch royal anmutendes Retreat mit 90 Zimmern verwandelt. Historische Fassade trifft auf eklektisches Interieur an ausgewähltem Art Déco Mobiliar und innovativen Designerstücken, um den altehrwürdigen Charme des klassischen Gebäudes zu erhalten. Zusammen mit lokalen ArchitektInnen, DesignerInnen, HandwerkerInnen und KünstlerInnen hat Selina ein individuelles und stilvolles Refugium kreiert, das sowohl Reisende als auch Locals anziehen soll. Betritt man die lichtdurchfluteten Räumlichkeiten des neuen Hotspots der Stadt, wird man von farbintensiven Wänden begrüßt, die dem Flair des Hotels eine zusätzlich erfrischende Note verleihen.

Den Gast erwartet ein breites Angebot, das durchaus auch fernab von klassischen Konventionen überzeugt. So lässt sich ein Business-Aufenthalt in den eigens angelegten Co-Working Spaces verbringen, die je nach Bedarf dazu gebucht werden können. Ein integriertes Café und das hoteleigene Restaurant locken mit abwechslungsreicher Kulinarik, ein Kino und Concept Store mit kulturellen Highlights. Besonderen Wert legt das Hotel auch auf sein breit angelegtes Wellnessangebot mit Spa, Massagen und Yoga, um einen Tag im Skigebiet der Hohen Tauern oder an den kühlen Seen in entspannter Atmosphäre ausklingen zu lassen. Das Schwimmbad mit geschwungenen Fenstern und Wölbungen in zartem Rosé überzeugt selbst Wes Anderson Aficionados gekonnt. Jedes Zimmer des historischen Anwesens ist eine innenarchitektonische Entdeckung für sich.

In diesem Sinne steht das neue Selina Hotel definitiv prototypisch für den gesamten, sich im Umbruch befindenden Ort Bad Gastein: Eine gelungene Transformation und Neubelebung eines traditionsreichen, aber in die Jahre gekommenen Hauses, hin zu einem in Kreativität und Stil erstrahlenden Boutiquehotel für anspruchsvolle Reisende. [Red.]

Photo Credits: Magdalena Bodzioch

Le Bristol Paris – Mutige Historie, glanzvolle Gegenwart

In der französischen Hauptstadt mangelt es nicht an Häusern der Fünf Sterne Deluxe Kategorie. Hier stehen einige der besten und berühmtesten Hotels der Welt. Alle von ihnen eint ein hervorragender Service, eine palastartige Architektur und höchster Komfort. Spricht man allerdings mit den Stammgästen des Le Bristol, dann wird schnell klar, für die meisten von ihnen kommt keine andere Unterkunft als das Haus an der vornehmen Rue du Faubourg Saint-Honoré für den Paris-Aufenthalt in Frage.

Obwohl das Le Bristol sich in der Selbstinszenierung äußerst dezent geriert, kann es doch mit einigen Superlativen aufwarten. So zählt das Le Bristol mit insgesamt vier Michelin Sternen auch auf kulinarischer Ebene zu den exklusivsten Adressen der Stadt und hat überdies noch den größten privaten Garten in ganz Paris vorzuweisen. Ganz einzigartig ist auch das Schwimmbad des Hauses. Mit seinen Bootsdielen, den schrägen holzverkleideten Wänden und nautischen Wandmalereien werden Gäste des Hotels zum Schwimmen auf einen Ozeandampfer entführt. Beim traumhaften Ausblick über die Dächer von Paris wird einem dann allerdings wieder klar, dass man sich nicht auf hoher See befindet, sondern in direkter Nachbarschaft des Élysée-Palastes und des Grand Palais.

Wenn es um die Alleinstellungsmerkmale des Hauses geht, kommt man nicht umhin, auch von der bewegten Vergangenheit des Hotels zu schreiben. Während des Zweiten Weltkriegs war das Le Bristol nicht nur das einzige Grand Hotel in Paris, das nicht von den Deutschen besetzt war, es war vielmehr sogar Zufluchtsort für jüdische Freunde des Besitzers, die sich hier versteckten, um der sonst sicheren Deportation ins Konzentrationslager zu entkommen. Unter ihnen war auch der Architekt Leo Lerman, der im Hotel vier Jahre lang lebte, ohne von den Nazis entdeckt zu werden und in dieser Zeit bei Nacht diverse Zimmer umgestaltete. Auch der schmiedeeiserne Aufzug des Hotels, der bis heute in Betrieb ist, wurde von Lerman entworfen. Aus dieser dunklen Epoche, in der das Le Bristol soviel Mut und Menschlichkeit bewies, stammt der Spitzname des Hauses – »Hotel des Schweigens«.

Und bis heute ist das Le Bristol für seine Diskretion bekannt. Eine Eigenschaft, die von zahlreichen berühmten Gästen des Hauses geschätzt wurde. Unter ihnen auch Josephine Baker, die zwischen den Zwanziger- und Siebzigerjahren immer wieder kam und hier nicht nur zahlreiche Nächte logierte, sondern zu ihrem Bühnenjubiläum auch zum rauschenden Fest in die feudalen Räumlichkeiten des Hotels einlud. Als Hommage an den berühmten Gast wurde der amerikanischen Künstlerin eine eigene Suite gewidmet, in der auf Schwarz-Weiß-Fotografien einige ihrer schönsten Momente gezeigt werden.

Der aktuell berühmteste Gast des Hauses stammt allerdings nicht aus dem Showbusiness oder der Politik, sondern ist ein auf samtenen Pfoten umherstreifender Kater, Fa-raon. Beim Gespräch mit dem Concierge kann es passieren, dass er auf den Tresen springt oder sich beim Nachmittagstee in der Lobby zu einem gesellt. Das Le Bristol ist eben in vielerlei Hinsicht kein Grand Hotel wie die anderen. [AD]

Verantwortlich für das Design: Maja Oetker, Witwe von Backwarenkönig Rudolf-August Oetker, zu deren Firmenimperium mit der Oetker Collection auch das Le Bristol gehört.

Lieblingsmöbel: Die seidenen Wandteppiche im Salon Castellane. Sie wurden aus venezianischen Tapeten aus dem 18. Jahrhundert gefertigt und waren somit schon zur Eröffnung des Hauses kostbare Antiquitäten.

Absolut dekadent: Eine Kaviar- oder Platinbehandlung im La Prairie Spa des Hauses.

Überhaupt nicht dekadent: Ein Rendezvous mit dem Hauskater Fa-raon. Ob er sich beim Tee in der Lobby zu einem gesellt, ist reine Glückssache und nicht käuflich.

Covid-19 Status: Das Hotel ist geöffnet, Frankreich ist aktuell als reguläres Risikogebiet eingestuft, somit ist bei der Rückreise keine Quarantäne erforderlich.

Sofitel Legend Old Cataract Assuan – koloniales Tausendundeine Nacht

Im südlichsten Teil Ägyptens, direkt am Ufer des Nils steht in der Stadt Assuan eine wahre Hotellegende. Das Sofitel Legend Old Cataract. Es gibt nur wenige Orte, an denen verschiedene Kulturen auf so magische Weise miteinander verschmelzen wie in diesem Grand Hotel. Bereits baulich treffen hier zwei Welten aufeinander. Außen die schmucke, viktorianische Fassade mit ihren großen Terrassen und Loggien im Kolonialstil, im Inneren hingegen arabische Details. Kostbare orientalische Holzschnitzereien, Intarsien und außerdem maurische Kuppeln und Säulenbögen, wohin man auch sieht. Doch nicht nur die Architektur, auch die illustre Gästeliste des Hotels verdeutlicht, dass Old Cataract schon immer ein Haus verschiedenster Kulturen war. Der Aga Khan logierte hier genauso wie Winston Churchill, der sozialistische Präsident François Mitterand genoss das Ambiente am Nil wohl nicht weniger als die berühmteste Prinzessin aller Zeiten, Lady Di.

Welcher der klangvollen Namen, die im Gästebuch des Hauses stehen, die größte Strahlkraft hat, lässt sich schwer sagen, doch auf die Frage, welcher Gast des Hauses dem Ruhm des Hotels am meisten dienlich war, da kann es nur eine Antwort geben: Agatha Christie. Es ist nicht wirklich möglich, dass Sofitel Legend Old Cataract zu beschreiben, ohne die Schriftstellerin zu erwähnen. Schließlich war es nicht eine pikante Klatsch-Episode rund um ein gekröntes Haupt oder einen Präsidenten, dem das Hotel seinen Weltruhm zu verdanken hat, sondern eben ein Kriminalroman. Agatha Christie, die während des Verfassens von Tod auf dem Nil im Old Cataract wohnte, war von ihrer Unterkunft so angetan, dass sie einen Teil des Handlungsstrangs direkt ins Grandhotel verlegte. Auch als der Film erstmals 1978 mit einer Starbesetzung rund um Bette Davis, Mia Farrow, Sir Peter Ustinov und Dame Maggie Smith verfilmt wurde, entschied sich der Regisseur John Guillermin dafür, dass sich der Aufwand lohnt, vor Ort zu drehen und nicht etwa eine Kulisse im Studio vor den Toren Londons nachzubauen.

Die allgegenwärtige britische Noblesse, die Agatha Christies Bücher so einzigartig macht, ist dabei auch ein wesentliches Charaktermerkmal des Hotels. Das Old Cataract ist auch heute noch sinnbildlich für ein Ägypten der romantischen Nostalgie und des Müßiggangs, weit weg vom Lärm und Schmutz der Hauptstadt Kairos oder dem Massentourismus an der Küste des Roten Meeres. Besonders wenn man bei einem Gin Tonic auf der Terrasse den Feluken mit ihrem überdimensionierten Segeln zusieht, wie sie vor der Abendröte auf dem Nil dahingleiten, erscheint dieser Ort fast surreal in seiner Schönheit. Fast wie im Film, nein, genau wie im Film. [AD]

Verantwortlich für das Design: Tourismus-Pionier Thomas Cook realisierte mit dem Old Cataract seine Idee des perfekten Hotels.

Lieblingsmöbel: Der opulente Bartresen in dunklem Holz mit seinen arabischen Schnitzereien.

Absolut dekadent: Bei Pianomusik – natürlich live – unter den unzähligen Lichtern der maurischen Kuppel des Restaurants 1902 ein Fünf-Gänge-Menü genießen.

Überhaupt nicht dekadent: Die Historie des neueren Teils des Hotels. Während hier heute 62 extrem luxuriöse und mindestens sechzig Quadratmeter große Zimmer und Suiten untergebracht sind, war dieses Gebäude zu seiner Eröffnung 1961 als Herberge für eine preissensible Klientel konzipiert und hatte deswegen ursprünglich mehr als doppelt so viele Zimmer.

Covid-19 Status: Das Hotel ist geöffnet. Vor touristischen Reisen nach Ägypten wird aufgrund des Pandemiegeschehens jedoch aktuell abgeraten.

Ein ungleiches Paar

Es gibt wahrlich unzählige Palazzi in Venedig. Deswegen verwundert es nicht, dass das Alleinstellungsmerkmal, mit dem sich das Hotel Bauer von den anderen Luxushotels der Lagunenstadt abgrenzt, nicht sein pittoreskes, aus dem 18. Jahrhundert stammendes Gebäude direkt am Canale Grande ist, sondern vielmehr der dahinterliegende, graue Vierzigerjahre-Kubus.
In jeder anderen Stadt würde man diesem brutalistisch anmutenden Bau wohl recht wenig Aufmerksamkeit schenken, doch in Venedig, dieser Stadt, die in ihrer perfekten Schönheit schon fast einem Freiluftmuseum gleicht, ist man fast ein bisschen dankbar für den architektonischen, unerwartet harten Bruch, den dieses Gebäude wagt.

Mit dem Neubau des Hotel Bauer wurde erst gar nicht versucht, sich ins dekorative Gesamtbild des Campo San Moisè mit seiner prunkvollen gleichnamigen Kirche aus dem 17. Jahrhundert einzufügen. Man möchte sich besser nicht vorstellen, welch ein Skandal die gewählte Architektur zur Zeit der Erbauung gewesen sein muss. Doch diese Zeiten sind vergessen, längst ist das Bauer geliebter Kult – unter den Einheimischen genauso wie bei den zahlreichen Besuchern und Besucherinnen Venedigs.

Hotelgäste haben natürlich die Wahl, ob sie lieber im alten oder im neuen Teil des Ensembles logieren möchten. Dabei haben die Zimmer beider Gebäude nicht nur die opulente Ausstattung mit üppig gepolsterten Betten und dramatischen Seidentapeten an den Wänden gemein. Was vielmehr das gesamte Hotel so besonders macht, ist, wie gekonnt die Lagunenstadt Venedig mit ihren Kanälen und ihren Fassaden als Dekorationselement in die Architektur integriert wird. Egal ob durch die bodentiefen Fenster des Neubaus oder die teilweise knapp fünf Meter hohen Altbaufenster, ein traumhafter Ausblick ist einem an scheinbar jeder Ecke des Bauer geboten.

Trotzdem ist die in höchstem Maße eklektische Innenausstattung mehr als nur Nebendarsteller. Fast ironisch werden die unterschiedlichsten Stile miteinander kombiniert. Verschiedene Möbelstücke findet man oftmals genau dort, wo man sie gerade nicht erwartet. Barockbetten im Neubau, Sixtiesluster im alten Palazzo und Art Deco Sessel gleichermaßen im Renaissancesäulengang wie im Mid-Century Konferenzsaal.

Materialtechnisch setzte man im Altbau wie auch im Neubau auf Hochpoliertes. Allgegenwärtig sind Glasskulpturen und Murano-Leuchter, glänzende Edelholzverkleidungen und reflektierende Spiegel. Die Verwendung von zurückhaltenden Farbtönen verhindert dabei allerdings, dass die Räumlichkeiten zu penetrant oder gar protzig wirken.

Besonders während der Biennale, wenn sich KünstlerInnen, SammlerInnen und KuratorInnen hier gegenseitig die Klinke in die Hand geben, wird klar, das Bauer ist optisch und gesellschaftlich ein höchst charmantes Haus, das nicht zwanghaft gefallen möchte und genau deswegen so vielen gefällt. [AD]

Verantwortlich für das Design: Chefsache! Bis zum Verkauf 2019 oblag der Vorbesitzerin Francesca Bortolotto Possati die innenarchitektonische Gestaltung.

Lieblingsmöbel: Die unzähligen kostbaren Murano-Kronleuchter des Hotels.

Absolut dekadent: Der Jacuzzi auf dem Dach mit Blick auf den Markusdom kann privatisiert werden. Im Package enthalten sind eine Flasche Prosecco und eine Fruchtplatte.

Überhaupt nicht dekadent: Die Zimmerpreise – das Standardzimmer gibt es bereits ab 179.- Euro.

Covid-19 Status: Hotel vorübergehend geschlossen, voraussichtliche Wiedereröffnung ab Mai 2021.

Zu viel des Guten ist wunderbar

Worte können dem Parker Palm Springs nur bedingt gerecht werden, denn niedergeschrieben klingt die Mischung aus Midcentury-Architektur und kreischend opulentem Jonathan Adler Design schnell nach erschlagender Opulenz.

Doch beim Einrichten des Parker Palm Springs, das zu den Leading Hotels of the World gehört, ist dem Designer etwas gelungen, dass nur selten gelingt. Jedes noch so schrille Kunstwerk, jeder bunte Teppich und jedes laute Möbelstück zollt der an sich schlichten Architektur des Hauses Respekt.
Selbst eine 400 Kilo schwere, goldfarbene Banane ist im Hotelgarten so platziert, dass sie weniger Hauptakteur als Nebendarsteller im fast unwirklich schönen Lichtspiel des Himmels über Palm Springs ist. Jonathan Adlers Stil mag vielleicht polarisieren, doch man kann nicht bestreiten, dass er ein Meister darin ist, Dinge die eigentlich für sich selbst viel Platz brauchen, so miteinander zu kombinieren, dass sie in der Gruppe schließlich weniger opulent wirken als einzeln inszeniert.

Nun ist das Hotel zwar sicherlich keine Traumdestination für Minimalisten, doch finden sich tatsächlich auch hier durchaus Ecken, in denen man die puristischere Seite des amerikanischen Modernismus zelebriert. In den Zimmern beispielsweise dominieren sanfte Naturtöne, neben nur einzelnen, kleineren Farbakzenten und auch rund um den Pool herrscht eher klassisch-eleganter 50s Atmosphäre.

Ein wahres Markenzeichen von Adler ist sein Spiel mit Büsten, Skulpturen und Statuen, im Parker Palm Springs durfte er sich scheinbar grenzenlos austoben. Bereits beim Concierge wird man von einem Porzellanbullen mit goldenem Nasenring begrüßt, auf der gesamten Anlage verteilt stehen an jeder Ecke bronzefarbene Palmen und dann ist da eben auch noch besagte Banane.

Würde man seine mitteleuropäische Wohnung im selben Stil einrichten? Vermutlich nicht. Doch im mitteleuropäischen Winter, lässt es sich ganz vorzüglich von einem Ort träumen an dem immer die Sonne scheint und mit dem Glanz der opulenten Inneneinrichtung um die Wette strahlt. [AD]

Verantwortlich für das Design: Jonathan Adler.

Lieblingsmöbel: Die im Garten ums Lagerfeuer gruppierten Butterfly Chairs.

Absolut dekadent: Zum Frühstück wird für 1000 Dollar (plus Mehrwertsteuer) ein Omelett mit Hummer und 300 Gramm Sevruga Kaviar angeboten.

Überhaupt nicht dekadent: Die Anfänge des Hotels – ursprünglich wurde das Haus als erste kalifornische Dependance der Holiday Inn Gruppe erbaut.