Im Jahr 1952 hielt der Fotograf Ralph E. Gray am Rande des Salmon-Challis National Forest in Idaho an, um ein Foto für eine National Geographic-Reportage zu machen. Mit geschultem Auge positionierte er das gelbe Auto, auf dessen Dach ein leuchtend rotes Kanu geschnallt war, und platzierte seine Familie darum herum: Zwei Mädchen in roten Jacken sitzen links oben auf einem Zaun. Sein Sohn spielt im Vordergrund und scheint die Kamera gar nicht zu bemerken. Rechts ist Grays Frau zu sehen, die ihre Hand auf ein Schild legt, das auf den Wald hinweist. Sie blickt in die Ferne. Die Aufnahme ist mehr als nur ein Foto – sie ist eine Einladung, ihn und all die anderen Fotografen und Fotografinnen des 1888 gegründeten Magazins auf ihren Reisen und Abenteuern zu begleiten. 

Der Bildband National Geographic. The United States of America zeigt auf eindrucksvolle Weise, warum National Geographic für viele Amerikaner und Amerikanerinnen des frühen 20. Jahrhunderts solch große Bedeutung hatte – das Magazin wurde als Möglichkeit wahrgenommen, in eine Welt zu blicken, die nur wenige von ihnen tatsächlich bereisen konnten. Am einflussreichsten und farbenprächtigsten präsentierte sich das Magazin in der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg.  Die Amerikaner und Amerikanerinnen hatten gerade die Entbehrungen der Weltwirtschaftskrise und die Opfer des Krieges ertragen, sie verbrachten unzählige Arbeitsstunden in Fabriken und auf Bauernhöfen und es fehlte vielerorts an Konsumgütern, die wir heute als selbstverständlich empfinden. Auch die Mobilität war durch schlechte Straßen, mangelnde Freizeit und begrenzte finanzielle Mittel noch stark eingeschränkt. Magazine wie National Geographic boten somit viele kleine Chancen, dem Alltag für einige Stunden zu entfliehen. 

»There was an excitement about photographing in the U.S. It was a period of great expansion«, zitiert Fotoredakteur David Walker den mittlerweile pensionierten Fotografen Bruce Dale, der 1964 zu National Geographic kam, in seinem einleitenden Text. Thematisch konzentrierte man sich in der Redaktion über viele Jahrzehnte hinweg vor allem auf die Schönheit der amerikanischen Landschaft. So gab es unter anderem unzählige Reportagen, die sich mit der Pracht amerikanischer Nationalparks beschäftigten.  

Der mehr als 700 Bilder umfassende Band zeigt ein Land im Wandel und ist zudem auch Zeugnis einer Kunstform, die sich von Jahrzehnt zu Jahrzehnt verändert und weiterentwickelt hat – von den frühen Autochrom-Aufnahmen der Zwanziger- und Dreißigerjahre über Kodachrome-Bilder aus der Mitte des vergangenen Jahrhunderts bis hin zur schärfer gezeichneten Reportage-Fotografie der Siebziger- und Achtzigerjahre und schließlich zu den digitalen Bildern der späten Neunzigerjahren und der Gegenwart.  

Bei genauerer Betrachtung des Buches wird zudem deutlich, dass vor allem zwischen 1970 und 1980 junge Fotografen und Fotografinnen auf den Markt drängten, denen die Werte des Magazins zu konservativ waren. Sie empfanden die teils idealisierende Ästhetik als überholt und waren daran interessiert, auch die Schattenseiten des Lebens in den USA festzuhalten. Nach und nach fanden Bilder von Umweltverschmutzung, Armut, städtischem Verfall und anderen sozialen Missständen ihren Weg in das Magazin.

So ist der im TASCHEN Verlag erschienene Bildband sowohl eine Reise durch die Zeit als auch ein Roadtrip durch ein riesiges, vor Vielfalt strotzendes Land. Jedem Bundesstaat ist ein eigenes Kapitel gewidmet, das in zahlreichen Bildern und detaillierten Bildunterschriften dessen Entwicklung nachzeichnet. Vorworte zu allen Kapiteln und ein einleitender Essay des Fotoredakteurs David Walker komplettieren das Buch. National Geographic. The United States of America ist sowohl eine Hommage an das weltweit führende Fotomagazin wie auch eine Würdigung der Geschichte der Vereinigten Staaten – in ihrer ganzen kaleidoskopischen Vielfalt. [SW]

National Geographic. The United States of America
Hardcover, 27 x 37.4 cm, 792 Seiten
taschen.com

Schlegelmilchs Begegnung mit Ferrari begann beim 1000-Kilometer-Rennen auf dem Nürburgring im Jahr 1962. Mit einer Kamera und drei Objektiven war er ursprünglich für die Abschlussarbeit seines Fotografiestudiums angereist. Im Fahrerlager traf er auf konzentrierte Fahrer, Mechaniker über geöffneten Motorhauben und den Geruch von Öl, Benzin und verbranntem Rizinusöl. Unter allen Herstellern zog ihn Ferrari besonders an. Die roten Sportwagen, ihre hochdrehenden Zwölfzylinder und die Persönlichkeiten hinter dem Steuer wurden zu Motiven, die ihn über Jahrzehnte begleiten sollten.

Aus dieser ersten Begegnung entwickelte sich eine jahrzehntelange fotografische Auseinandersetzung mit dem internationalen Motorsport. Der Band folgt Schlegelmilchs Arbeit chronologisch – vom Nürburgring über über Le Mans, Monza und Brands Hatch bis zur Targa Florio, nach Spa-Francorchamps und Watkins Glen. Tabellen, Streckenskizzen und knappe Berichte ordnen jedes Kapitel, während die Fotografien das Geschehen aus nächster Nähe öffnen. Sie zeigen Starts, Boxenstopps, Reparaturen und Unfälle ebenso wie die ruhigen Momente dazwischen – im Fahrerlager, an der Box oder unmittelbar vor dem Start. Schlegelmilch interessierte die Verbindung von Mensch und Maschine bis an die Grenze der Leistungsfähigkeit, die Freude über einen Sieg und die Verzweiflung einer Niederlage. Seine Bilder, schreibt er in seinem Vorwort, sollten Emotionen im richtigen Moment und am richtigen Ort festhalten, als »pictures for eternity«.

Diese Nähe bestimmt die stärksten Aufnahmen. Fahrer tragen offene Helme, Mechaniker arbeiten mit ölverschmierten Händen, Zuschauer:innen stehen unmittelbar an der Strecke. Geschwindigkeit wird über Körper, Gesichter, Bewegungsunschärfe und die räumliche Enge der Rennstrecken erfahrbar. Der belgische Rennfahrer und Sportwagenweltmeister von 1972 Jacky Ickx, der Schlegelmilch seit mehr als fünf Jahrzehnten kennt, erinnert sich im Vorwort an einen Fotografen, der stets am richtigen Ort gewesen sei und unablässig nach dem vollkommenen Bild gesucht habe.

Zugleich dokumentiert der 372 Seiten starke Band eine Phase tiefgreifender Veränderungen im Motorsport. Ende der 1960er-Jahre rückte das Thema Sicherheit stärker in den Vordergrund. Leitplanken und andere Schutzmaßnahmen vergrößerten den Abstand zwischen Fotografen und Strecke, geschlossene Helme verdeckten zunehmend die Gesichter der Fahrer. Ende 1973 zog sich Ferrari als Werksteam aus dem internationalen Sportwagenrennsport zurück und konzentrierte sich auf die Formel 1. Mit dieser Entwicklung veränderte sich auch die Bildsprache des Motorsports – und jene unmittelbare Nähe, die Schlegelmilchs frühe Fotografien prägt, wurde zunehmend seltener.

Das visuelle Konzept des großformatigen Bandes greift diese Bildwelt konsequent auf. Schwarze Seiten bilden den Hintergrund für Schwarz-Weiß-Fotografien und leuchtende Farbbilder. Schmale Typografie in Rot und Gelb nimmt Anleihen bei historischen Startnummern, Rennplakaten und Programmheften. Streckenpläne, Rennergebnisse und Bildlegenden wurden ebenso in das Layout integriert und ordnen so die Fotografien, ohne ihnen die Aufmerksamkeit zu nehmen.

Ferrari. Sports Car Racing, limitierte »Collectors Edition«, dokumentiert damit eindrucksvoll eine Epoche, in der sich Fotografen noch unmittelbar zwischen Fahrerlager, Boxengasse und Rennstrecke bewegen konnten. Gerade diese Nähe verleiht Schlegelmilchs Aufnahmen ihre besondere Intensität. Sie zeigen Ferrari auf dem Höhepunkt seines Sportwagenengagements und halten zugleich eine Zeit fest, in der sich der Motorsport grundlegend veränderte. [Red.]

Ferrari. Sports Car Racing
limitierte »Collector’s Edition«,
mit graviertem Buchständer aus Acrylglas
356 Seiten, 34,4 x 40,8 cm
taschen.com

»Alle wahre Naturwissenschaft ist Philosophie und alle wahre Philosophie ist Naturwissenschaft«, formulierte Haeckel und benannte damit den anspruchsvollen philosophischen und klaren naturwissenschaftlichen Anspruch, der sein gesamtes Werk durchzieht. Die Logik der Natur, die er als zusammenhängendes System begriff, dessen Formen aus Evolution und Verwandtschaft hervorgehen, war sein bevorzugtes Experimentierfeld. In seinem einleitenden Essay »Ernst Haeckel: Kunstformen des Lebens« beschreibt der Zoologe und Autor Rainer Willmann Haeckel als eine zentrale Figur des 19. Jahrhunderts, die Darwins Gedanken aufgriff, popularisierte und in ein eigenes, visuell geprägtes Weltbild übersetzte. Seine Tafeln sollten Zusammenhänge verständlich und sichtbar machen und jenes »ungläubige Staunen ob der Schönheit von Naturobjekten« auslösen, das Willmann als ihre anhaltende Wirkung beschreibt. 

Der 1834 in Potsdam geborene Haeckel studierte Medizin und Naturwissenschaften, wobei sich glaubhaft behaupten lässt, dass seine Ambition kaum der ärztlichen Laufbahn galt. Seine Sprechstunde legte er auf fünf bis sechs Uhr morgens und hielt sich damit den übrigen Tag für zoologische Studien frei. Prägend für ihn wurde eine Reise nach Italien, wo er 1859 im Golf von Messina Radiolarien untersuchte. Die winzigen Einzeller mit ihren geometrisch aufgebauten Skeletten zeichnete er, wie er seiner Verlobten Anna Sethe schrieb, mit »mathematischer Treue«. Bereits in diesen Arbeiten zeigte sich jene Verbindung aus Präzision, Systematik und kompositorischem Gespür, die seine späteren Tafelwerke bestimmte. 

Der 688 Seiten starke Band führt mit 450 Reproduktionen durch Haeckels Monografien über besagte Radiolarien, Siphonophoren, Kalkschwämme, Korallen, Medusen und Tiefseeorganismen bis zu den zwischen 1899 und 1904 erschienenen Kunstformen der Natur. Die Reproduktionen zeigen seine genaue Erfassung und bewusste Ordnung der Strukturen. Symmetrien werden betont, Körper isoliert, Farbwerte geklärt, einzelne Formen zu ornamentalen Gruppen zusammengestellt. Wissenschaftliche Illustration und künstlerische Komposition lassen sich dabei kaum trennen. Das hält die Bilder bis heute wirksam, auch dort, wo seine Forschung überholt ist.

Julia Voss verfolgt in ihrem Essay »Ernst Haeckel und die Evolution der modernen Kunst« die erstaunliche Karriere dieser Motive. Haeckels Meereswesen verließen, wie sie schreibt, die Buchseiten und fanden ihren Weg auf europäische Fassaden, Plätze, Bühnenvorhänge und Gemälde. Seine Formen wurden von Künstlern und Gestaltern wie René Binet, Émile Gallé, Gustav Klimt, Edvard Munch, Max Ernst und Wassily Kandinsky aufgegriffen – eine für wissenschaftliche Darstellungen ungewöhnlich hohe Reichweite. Im Internet, so Voss, seien sie schließlich »viral« geworden.

Die von Voss herausgearbeitete Nähe zu Hilma af Klint (1862–1944) gibt auch Haeckel’s Werk einen indirekten Aktualitätsbezug. Die schwedische Zeitgenossin Haeckels und Pionierin der abstrakten Malerei blieb zu Lebzeiten weitgehend verkannt und wird heute als wegweisende Künstlerin der frühen Abstraktion gefeiert. Aktuell zeigt das Grand Palais in Paris mit Hilma af Klint. Paintings for the Temple (1906–1915) die erste große Einzelausstellung der schwedischen Künstlerin in Frankreich. Voss führt beide über ihr gemeinsames Interesse an Entwicklung, Zellteilung und der Wandelbarkeit organischer Formen zusammen.Während Haeckel das Lebendige als Ergebnis eines langen Evolutionsprozesses verstand, richtete af Klint den Blick auf das futuristische Potenzial des Wandels und auf Formen, die erst noch entstehen könnten.

In ihrem 1907 entstandenen Gemälde »Gruppe IV, Nr. 9. Die zehn Größten, hohes Alter«, einer großformatigen Temperaarbeit auf Papier, montiert auf Leinwand, entfaltet sich vor fleischfarbenem Grund eine Folge aus Wachstum, Teilung und Transformation. Zellartige Gebilde entwickeln sich zu zwei rotierenden Figuren. Die Nähe zu Haeckels Embryonen und organischen Grundformen liegt laut Voss weniger in einer direkten Übernahme als in einem gemeinsamen Denken in Entwicklung, Verwandlung und inneren Gesetzmäßigkeiten.

Auch als Gegenstand setzt der Band diese Idee des Systems fort. Der Einband des Hardcovers mit Schuber wirkt wie eine naturkundliche Tafel: Organismen schweben auf hellem Grund, fremdartig und präzise. Im Inneren wechseln großformatige Bildtafeln, historische Fotografien, Manuskriptseiten und Essays. Seine physische Präsenz entspricht dem Anspruch, die Vielfalt des Lebens nicht auf ein berühmtes Motiv zu reduzieren.

Doch auch schwerwiegende Widersprüche gehören zu Haeckels Geschichte. Entsprechend bleibt der Blick auf ihn als Wissenschaftler und interpretierenden Denker kritisch. Willmann benennt seine wissenschaftlichen Irrtümer, seine rassistischen Hierarchisierungen und seine späteren nationalistischen Äußerungen als Tatsachen und ohne Beschönigung. Dem brillanten Beobachter stand ein Denker mit erheblichen blinden Flecken gegenüber. Diese Erkenntnis mindert die formale Kraft seines Werks nicht, verhindert jedoch eine rein ästhetische Verehrung. 

The Art and Science of Ernst Haeckel zeigt einen Forscher, der die Natur durch Zeichnung zu verstehen suchte und dabei Bilder schuf, die weit über die Biologie und die wissenschaftliche Illustration hinauswirkten. Ihre visuelle Strahlkraft ist bis heute spürbar. Der umfassende Publikation aus dem Hause TASCHEN öffnet ein Archiv des Sehens, gefüllt mit Schönheit, Erkenntnis, Irrtum und Nachleben [Red.]

The Art and Science of Ernst Haeckel
Hardcover im Schuber, 24.3 x 30.4 cm, 688 Seiten
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Den ersten analytischen Zugang bietet Uli Siggs Essay »An Outsized Appetite for Risk«. Der Schweizer Sammler und langjährige Beobachter der chinesischen Kunstszene beschreibt Ai Weiwei als Künstler, der bewusst Risiken eingeht – ästhetisch wie politisch. Sigg zeichnet nach, wie Ai Weiwei von den frühen Jahren im New Yorker East Village bis zu seinen international bekannten Installationen eine Praxis entwickelte, in der Kunst als soziale Situation verstanden wird. Projekte wie »Fairytale« auf der Documenta 12, bei dem 1.001 Menschen aus China nach Kassel eingeladen wurden, zeigen exemplarisch, wie Ai Weiwei Begegnungen zwischen Menschen, Kulturen und politischen Realitäten selbst zum Material seiner Kunst macht.

Das Buch wird getragen von tiefblickenden essayistischen Zugängen und einer chronologisch aufgebauten Kapitelstruktur, die Ai Weiweis Entwicklung über mehrere Jahrzehnte nachzeichnet: von den Jahren 1983–1993 in New York über die Rückkehr nach Beijing (1993–1999) bis zu den politischen und künstlerischen Projekten der 2000er Jahre. Die Stationen markieren biografische Phasen, sowie auch die zunehmende Verflechtung von Kunst, öffentlicher Debatte und politischer Realität im Werk Ai Weiweis.

An diese historische Einordnung schließt Roger M. Buergels Essay »The Mediator’s Ways« an, der Ai Weiweis Praxis aus kunsthistorischer Perspektive interpretiert. Buergel beschreibt den Künstler als Vermittler zwischen kulturellen Systemen, historischen Materialien und politischen Kontexten. Ein Beispiel ist die Installation »Template«, die 2007 auf der Documenta 12  in Kassel gezeigt wurde. Die aus historischen Tür- und Fensterrahmen errichtete Struktur stürzte während eines Sturms teilweise ein – ein Ereignis, das Ai Weiwei nicht als Scheitern verstand, sondern als Teil des Werkes akzeptierte. Für Buergel zeigt sich hier ein zentrales Prinzip von Ai Weiweis Praxis: Kunst bleibt ein offener Prozess, der Zufall, Zeit und gesellschaftliche Dynamik einschließt.

Die späteren Kapitel des Bandes folgen Ai Weiweis Arbeit durch die politisch besonders aufgeladenen Jahre nach 2008 – von seiner Recherche zu den Opfern des Sichuan-Erdbebens über seine Inhaftierung 2011 bis zu internationalen Ausstellungen und filmischen Projekten. An diesem Punkt setzt Alfred Weidingers Essay »Against the Walls—Ai Weiwei and the Right to Visibility« ein, der sich vor allem auf die Arbeiten seit den 2010er Jahren konzentriert. Weidinger zeigt, wie Ai Weiwei nach seiner Haft eine neue Phase seiner Praxis entwickelte, in der Fragen von Sichtbarkeit, Kontrolle und Öffentlichkeit zentral wurden. Projekte wie »@Large« auf Alcatraz, Installationen wie »Law of the Journey« oder die groß angelegte Intervention »Good Fences Make Good Neighbors« in New York verdeutlichen, wie Ai Weiwei globale Themen wie Migration, Überwachung und politische Freiheit in räumliche und visuelle Strukturen übersetzt.

Weidinger hebt dabei besonders hervor, wie Ai Weiwei neue Medien und digitale Plattformen in seine künstlerische Praxis integriert. Fotografie, Film und soziale Medien werden zu Instrumenten, mit denen politische Realität dokumentiert und zugleich künstlerisch reflektiert wird. Werke wie der Film »Human Flow« oder Bildserien aus Flüchtlingslagern zeigen, wie eng sich persönliche Beobachtung, dokumentarische Praxis und politische Intervention miteinander verschränken.

Entstanden ist eine Publikation aus dem Hause TASCHEN, überdimensioniert nicht nur in ihrer äußeren Gestalt, sondern auch in inhaltlichem Umfang und Tiefe. Abseits klassisch abgeschlossener Monografien versteht sie sich als komplexes Porträt eines Künstlers und lässt zugleich Raum für eine Zukunft, in der sich sein Werk – biografisch, kunsthistorisch und politisch – kontinuierlich weiterentwickelt. Ein Werk, das mit Weitblick Ai Weiweis Positionen sichtbar macht: Kunst als Medium, das individuelle Erfahrung, historische Erinnerung und globale Konflikte zur Erscheinung bringt. [Red.]

Ai Weiwei. Updated Edition
25 x 33.4 cm, 4.03 kg, 736 Seiten
taschen.com

]]> https://chapter.digital/architecture-modern-marragan-von-lake-verea/ Wed, 11 Mar 2026 08:50:41 +0000 https://chapter.digital/?p=10023580 Die fotografischen Arbeiten in Modern Barragán, dem Buch des multidisziplinären mexikanischen Künstlerinnen-Duos Lake Verea, gehen weit über eine klassische Architekturdokumentation hinaus. Die 240-seitige Publikation aus dem Hatje Cantz Verlag versammelt fotografische und essayistische Arbeiten, die aus einer fast zwei Jahrzehnte dauernden Auseinandersetzung mit dem Werk des mexikanischen Architekten Luis Barragán hervorgegangen sind. Seit 2006 besuchen die Künstlerinnen Francisca Rivero-Lake Cortina und Carla Verea Hernández wiederholt Barragáns Wohnhaus und Studio in Mexiko-Stadt – ein ikonischer Ort der modernen Architektur – und versuchen, sich dem Architekten über dessen Räume auf ihre eigene Weise anzunähern. 

Modern Barragán von Lake Verea versteht sich als persönliche Hommage an Luis Barragán (1902–1988), Pritzker-Preisträger und einer der bedeutendsten Architekten des 20. Jahrhunderts. Bekannt wurde der Mexikaner für seine reduzierte und zugleich poetische Architektur, in der Licht, Farbe, Wasser und Landschaft zentrale Rollen spielen. Seine Gebäude verbinden modernistische Klarheit mit traditionellen mexikanischen Elementen, wobei sein privates Wohnhaus und zugleich sein Atelier, die Casa Barragán in Mexiko-Stadt, als exemplarisches Beispiel für seinen Stil gilt. Heute ist das Haus als Museo Casa Luis Barragán zugänglich und gehört seit 2004 zum UNESCO-Weltkulturerbe.

Die Fotografien zeigen die Architektur des weitgehend im Originalzustand erhaltenen Gebäudes, das bis heute zahlreiche Möbel, Objekte und Materialien aus Barragáns eigener Zeit bewahrt, mitsamt ihren oft unbemerkten intimen Details und Spuren eines gelebten Lebens. Während ihrer Aufenthalte in der Casa Barragán setzten sich die Künstlerinnen bewusst körperlich und emotional mit dem Ort auseinander: Sie »saßen auf seinen Stühlen, öffneten seine Schränke, lauschten der Stille und küssten sich im verwunschenen Garten«, wie es im Buch heißt. So entsteht eine ungewöhnliche Perspektive auf Barragáns Werk – weniger analytisch als vielmehr erfahrungsbasiert, beinahe performativ.

Nach einer einleitenden Reflexion über das Projekt selbst gliedert sich das Buch in mehrere Kapitel und fotografische Serien, die jeweils unterschiedliche Aspekte des Hauses und seines kulturellen Kontextes beleuchten und dabei verschiedene Annäherungen an Barragáns Architektur eröffnen. Schon der Einstieg – The Staircase That Made Us Fall in Love with Him – zeigt, wie stark einzelne architektonische Elemente zum Ausgangspunkt der Erzählung werden. Die ikonische Treppe – eigentlich ein funktionales Bauteil im Haus – wird als skulpturale Erfahrung beschrieben, die Bewegung, Körper und Raum miteinander verbindet.

Ein anderes Kapitel verfolgt eine beinahe biografische Perspektive: Portrait of the Architect Through His Cadillac. Hier wird Barragáns Cadillac aus dem Jahr 1957 als eine Art Zeitkapsel gelesen, deren Formen und Materialien Hinweise auf Persönlichkeit, Epoche und Mythos des Architekten geben. Das Auto erscheint dabei als Erweiterung seines Charakters – elegant, monumental und voller symbolischer Bedeutungen.

Weitere Kapitel widmen sich konkreten materiellen und räumlichen Details des Hauses. In His House with the Original Materials and Colors wird etwa der Blick auf Oberflächen, Möbel und Objekte gelenkt, die noch aus Barragáns eigener Zeit stammen. Durch genaue Beobachtungen und fotografische Studien entsteht ein Eindruck davon, wie stark Farbe, Textur und Materialität zum Gesamterlebnis seiner Architektur beitragen.

Besonders eindrucksvoll ist die Serie Wild Nights, die das Haus in völliger Dunkelheit erkundet. Die Künstlerinnen fotografieren hier mit Blitzlicht oder unter Mond- und Straßenlicht und verwandeln bekannte Räume in unerwartete, abstrakt wirkende Bildräume. Diese Methode knüpft an ihr langfristiges Interesse an Licht und Wahrnehmung an. Atmosphärisch neu interpretiert, blickt man auf Architektur abseits einer rein dokumentarischen Perspektive. Die Fotografien zeigen das Haus bei Tag, bei Nacht, im Mondlicht oder während eines Gewitters; teilweise werden sogar Wände und Böden mit Aluminium abgerieben, um ihre Texturen sichtbar zu machen. 

Es ist eine Verbindung aus persönlich geprägter dokumentarischer Recherche, künstlerischer Intervention und unmittelbarer Erfahrung, die das Projekt prägt. Entstanden ist eine vielschichtige Annäherung an Erinnerung, Wahrnehmung und Nähe. Die Publikation zeigt Barragáns Architektur als historisches Meisterwerk, zugleich aber auch als lebendigen Ort, der immer wieder neu gelesen werden kann – durch die Perspektive zeitgenössischer Künstlerinnen ebenso wie durch die Erfahrungen der Besucher:innen, die sich auf dieses Haus einlassen. [Red.]

Lake Verea: Modern Barragán
Herausgegeben von Lake Verea
240 Seiten, 210mm x 250mm
240 Abbildungen
hatjecantz.com

]]> https://chapter.digital/design-vitra-anatomy-of-a-design-company-buch/ Mon, 23 Feb 2026 15:37:26 +0000 https://chapter.digital/?p=10023427 Der Schweizer Möbelhersteller Vitra trägt seit Jahrzehnten maßgeblich zur Entwicklung und Verbreitung modernen Designs bei. Der Weg dorthin war jedoch kein linear inszenierter Markenaufbau, sondern das Ergebnis unternehmerischer Entscheidungen, kultureller Neugier und langfristiger Überzeugungen. Ausgehend von einer Ladenbaufirma entwickelten Willi und Erika Fehlbaum das Unternehmen schrittweise zu einem international agierenden Möbelhersteller. Die vom Phaidon Verlag herausgegebene Chronik Vitra – Anatomy of a Design Company zeichnet diese Entwicklung auf Grundlage bislang unveröffentlichter Gespräche und umfangreichen Archivmaterials nach.

DER ANFANG

Ein Schlüsselmoment in Vitras Gründungsgeschichte war Willi Fehlbaums Begegnung mit den Entwürfen von Charles und Ray Eames in den 1950er-Jahren. Während eines Aufenthalts in New York entdeckte er im Herman-Miller-Showroom die neuartigen Fiberglass Chairs von Charles und Ray Eames und war besonders von der technischen »shock mount«-Verbindung beeindruckt. Herman Miller, einer der prägenden US-Möbelhersteller der Nachkriegsmoderne, hielt die internationalen Produktionsrechte an diesen Entwürfen. Fehlbaum nahm daher Kontakt mit dem Unternehmen auf, um eine Lizenzvereinbarung für Europa zu initiieren. In der Folge übernahm Vitra die Fertigung und Distribution ausgewählter Entwürfe von Charles und Ray Eames sowie von George Nelson in Europa.

In fortwährende Produktion: Die vollständige Bandbreite der Entwürfe von Charles und Ray Eames.

Nelson, eine der prägenden Figuren des amerikanischen Mid-Century Modern, war seit 1945 Design Director bei Herman Miller und bestimmte in dieser Funktion über Jahrzehnte die gestalterische Ausrichtung des Unternehmens. In dieser Funktion prägte er das Designprogramm maßgeblich und arbeitete unter anderem mit Charles und Ray Eames sowie Isamu Noguchi zusammen. Für Vitra bedeutete die Partnerschaft mit Herman Miller einen entscheidenden Schritt vom regionalen Betrieb hin zu einem international agierenden Designhersteller.

Nachdem die Partnerschaft mit Herman Miller 1984 einvernehmlich beendet wurde, sicherte sich Vitra die Rechte zur Produktion und Distribution der Entwürfe von Charles und Ray Eames, George Nelson und Alexander Girard in Europa und dem Nahen Osten. Girard, Architekt und Designer mit ausgeprägtem Gespür für Farbe, Textil und visuelle Identität, prägte als Leiter der Textilabteilung von Herman Miller ab den 1950er-Jahren die emotionale und grafische Dimension des amerikanischen Modernismus.
Mit der Übernahme der Rechte begann für Vitra eine Phase, in der sich das Unternehmen zunehmend als eigenständige Marke positionierte und sein Profil über die Rolle des reinen Lizenzproduzenten hinaus schärfte.

DER NEUANFANG

Ein verheerender Brand im Jahr 1981, der große Teile des Werks in Weil am Rhein zerstörte, markierte paradoxerweise einen Neuanfang für das Unternehmen. In der Folge entstand der Vitra Campus – ein Ensemble internationaler Architektur, das 1989 mit Frank Gehrys Vitra Design Museum einen ersten Höhepunkt fand. Das Museum war von Beginn an nicht als klassisches Firmenmuseum gedacht, sondern als eigenständige Institution, die sich bewusst von rein markenbezogenen Ausstellungskonzepten absetzt. Sammlung, Forschung und öffentliche Vermittlung wurden integraler Bestandteil der Unternehmensidentität.

In den Zeiten, als Vitra noch über eine eigene freiwillige Feuerwehr verfügte, wurde Zaha Hadid beauftragt, ein Gebäude zu entwerfen, das die Feuerwehrfahrzeuge aufnehmen und zugleich soziale Einrichtungen für die Feuerwehr bereitstellen sollte.

Parallel dazu entwickelte Vitra neue inhaltliche Formate. Mit der Vitra Edition, zu der unter anderem Frank Gehry, Shiro Kuramata und Ron Arad beitrugen, wurde Design explizit als kulturelle Praxis positioniert. Die Zusammenarbeit mit Jean Prouvé führte nicht nur zur Wiederaufnahme historischer Entwürfe wie der Cité von 1930 – dem ältesten noch produzierten Stuhl im Sortiment –, sondern auch zu einer Neubewertung konstruktiver Prinzipien des 20. Jahrhunderts. Spätere Projekte wie das von Ronan und Erwan Bouroullec entwickelte Joyn-System (2002), inspiriert vom gemeinschaftlichen Bauernhaustisch, zeigten, wie stark Vitra auf gesellschaftliche Veränderungen im Arbeitsumfeld reagierte.

DIE TRANSFORMATION

Mit dem Eintritt der Kinder der Gründerfamilie in die Unternehmensführung setzte eine weitere Phase der Transformation ein. Rolf Fehlbaum, Sohn von Willi und Erika Fehlbaum und seit den 1970er-Jahren prägende Figur an der Spitze des Unternehmens, entwickelte Vitra strategisch und kulturell weiter und initiierte 1989 das Vitra Design Museum. Seine Tochter Nora Fehlbaum übernahm später die CEO-Position und steht für eine neue Generation in der Führung. Die Übernahme von Artek wird im Buch als strategisch weitreichend beschrieben; zugleich formuliert sie eine neue Priorität: »our generation’s fingerprint is the environmental strategy«. Nachhaltigkeit wird damit explizit Teil der unternehmerischen Mission, ebenso wie die Öffnung hin zu einem breiteren Publikum und neuen digitalen Formaten.

Das vollständige Vitra-Produktsortiment, 2007 außerhalb von Frank Gehrys Museumsgebäude präsentiert.

Besonders bemerkenswert ist auch die Reflexion über Sammlung und kulturelle Verantwortung: Rolf Fehlbaum betont, dass Museen häufig Neues und Revolutionäres bewahren – auch wenn manche dieser Entwürfe am Markt zunächst als »Flops« galten. Die Sammlung wird als lebendiger Organismus verstanden, gestützt durch bedeutende Archive wie jene von Eames, Prouvé oder Verner Panton.

DIE VITRA-WELT

Nicht zuletzt widmet sich das Buch ausführlich der visuellen Identität des Unternehmens. Eine Marke, heißt es, entstehe nicht durch künstliche Imagebildung, sondern entwickle sich organisch aus inhärenten Werten und seinem Handeln. Entsprechend verbindet Vitra seit Jahrzehnten Produktentwicklung mit Formaten wie der Publikationsreihe »Workspirit«, das Interviews, Architektur und Design zusammenführt. Der 2019 erschienene »Atlas of Furniture Design« mit über 1000 Seiten verdeutlicht diese Verbindung von Forschung, Gestaltung und Narrativ; bemerkenswert ist dabei die Prädisposition, Bilder höher zu gewichten als Worte.

Vitra – Anatomy of a Design Company ist damit weit mehr als die Geschichte eines Unternehmens. Zahlreiche historisch wertvolle Archivbilder, neu aufbereitete Dokumente und persönliche Stimmen machen die Entwicklung von Vitra vom regionalen Betrieb zur international vernetzten Designmarke nachvollziehbar. Auf 410 Seiten und mit insgesamt 300 Farb- sowie 100 Schwarzweißabbildungen verknüpft die Publikation Industrie-, Architektur- und Kulturgeschichte zu einem vielschichtigen Panorama des modernen Designs, gezeichnet von Vitra. [Red.]

Vitra – The Anatomy of a Design Company
Herausgegeben von Phaidon
Hardcover, 270mm x 215mm, 401 Seiten
vitra.com

Der Zeitpunkt ist bewusst gewählt. Angesichts des Klimawandels, begrenzter Ressourcen und wachsender Urbanisierung ist nachhaltiges Wohnen längst kein Nischenthema mehr, sondern eine zentrale architektonische Fragestellung. »Sustainable Living« versammelt 63 Wohnhäuser aus unterschiedlichsten Regionen der Welt und zeigt, wie Architektinnen und Architekten auf klimatische, soziale und ökologische Bedingungen reagieren – universellen Lösungen müssen ortsspezifischen Strategien weichen.

Jedes Projekt wird als eigenständiges Kapitel vorgestellt und öffnet, im wörtlichen wie im übertragenen Sinn, Türen und Fenster zu neuen Denkweisen des Bauens. Die Bandbreite reicht von kostengünstigen Bambuskonstruktionen in Hanoi, die auf Überschwemmungen reagieren, über ein Wohnhaus aus lokalem Fels und Schiefer in einem japanischen Wald bis hin zu einem würfelförmigen Ziegelbau in Ahmedabad, der durch passive Kühlung der Hitze trotzt. Auch temporäre Lösungen finden ihren Platz, etwa eine ausrollbare Notunterkunft in einem venezianischen Garten oder ein Passivhaus, das sich unter den Baumkronen Australiens in die Landschaft einfügt.

Was diese Projekte verbindet, ist ein gemeinsamer Anspruch: Architektur über ihren gesamten Lebenszyklus hinweg zu denken. »Homes for Our Time. Sustainable Living« legt besonderes Augenmerk auf energieeffiziente Gebäudehüllen, ressourcenschonende Konstruktionen sowie den Einsatz recycelter und biologisch abbaubarer Materialien. Ebenso zentral sind Entwürfe, die auf natürliche Elemente wie Sonne, Wind und Regen reagieren und diese gezielt in das architektonische Konzept integrieren.

Zu den vorgestellten Architekt:innen zählen international bekannte Namen wie Norman Foster oder Snøhetta, aber ebenso wie weniger bekannte Büros, die mit lokalen Materialien und handwerklichen Techniken arbeiten. Gerade diese Mischung macht den Band überzeugend: Nachhaltigkeit erscheint als vielseitige Praxis, die sich an unterschiedliche Budgets, Kulturen und klimatische Bedingungen anpassen lässt.

Visuell bleibt »Sustainable Living« der »Homes for Our Time« Reihe treu. Hochwertige Fotografien zeigen die Häuser eingebettet in ihre jeweilige Umgebung, ergänzt durch sachkundige Kommentare und kurze biografische Porträts der beteiligten Architekt:innen. Der Ton bleibt dokumentarisch und analytisch, ohne moralischen Zeigefinger, und macht deutlich, dass nachhaltige Architektur keine Frage des Stils ist: »Homes for Our Time. Sustainable Living« versteht Nachhaltigkeit nicht als Trend oder ästhetische Kategorie. Es ist eine Denkweise, die Privilegien und Konventionen hinterfragt und neue Möglichkeiten eröffnet. Der Band lädt dazu ein, Wohnen neu zu betrachten – leichter, bewusster und mit einem geschärften Blick für die Verantwortung, die Architektur, verantwortungsvoll ausgelegt, gegenüber Umwelt und Gesellschaft trägt. [Red.] 

Homes for Our Time. Sustainable Living
Hardcover, 24.6 x 37.2 cm, 3.90 kg, 496 Seiten
taschen.com

Die Frage, was Luxus heutzutage bedeutet, beantworten auffallend viele Menschen mit dem folgenden Begriff: Zeit. In der Regel ist damit jene physikalische Größe gemeint, die die Abfolge von Ereignissen misst – das Aufeinanderfolgen von Augenblicken, Stunden, Tagen, Wochen und Monaten. Ikonische und technisch innovative Armbanduhren sind daher im doppelten Sinne ein Luxusgut. Sie besitzen die Kraft, diese messbare und zugleich subjektive Größe auf besondere Weise Gestalt annehmen zu lassen. Außerdem bilden sie ein analoges Gegengewicht zu unserer durchdigitalisierten Gegenwart. 

»Let’s be honest: In a world dominated by digital technology, nobody needs a mechanical watch anymore. Just like we don’t need Impressionist paintings or handmade Italian convertibles with V12 engines sculpted by Pininfarina. But need is the wrong word. What we seek is emotion—something no mass-produced gadget could ever give. These mechanical marvels connect us to a time when artistry came before efficiency, when things were made to be beautiful, meaningful, and lasting«, schreibt Aurel Bacs, Senior Consultant at Phillips in Association with Bacs & Russo, in seinem Vorwort zum zweibändigen TASCHEN-Bildband Ultimate Collector Watches. Das von Charlotte und Peter Fiell kuratierte und gestaltete Kompendium widmet sich der Geschichte der mechanischen Uhrmacherkunst – mit all ihren Zäsuren, Neuerungen, Durchbrüchen und Entwicklungen. 

Der erste Band beginnt mit einem Ausflug in die Geschichte der Zeitmessung, die eng mit der Entwicklung der Uhrmacherei verbunden ist. Wasseruhren, Sonnenuhren, mittelalterliche Turmuhren und schließlich Taschenuhren spielten auf dem Weg zur Armbanduhr maßgebliche Rollen. Die erste moderne Armbanduhr bildete sich ab dem späten 19. Jahrhundert heraus. »The earliest known mention of  the noun ›wristwatch‹—a very logical and straightforward contraction, it has to be said—is attributed to Robert Baden-Powell, the founder of the Boy Scouts and Girl Guides, in his writings in 1897. This came a whole five years after the making of the 1892 Louis Brandt & Frère Minute Repeater, which is the first timepiece featured in our selection, as presented over the coming pages, of 100 of the world’s most collectable wristwatches«, schreiben Charlotte und Peter Fiell in ihrer Einleitung. 

Zwei Jahre arbeiteten sie daran, die insgesamt hundert Armbanduhren umfassende Liste zusammenzustellen. »To give a sense of the selection-honing process, there were over 30 different iterations of our master inclusions list, but from experience we knew that that is what it takes when working on such an ambitious collecting-focused project.«

Den Mittelpunkt des zweiteiligen Kompendiums bilden ebenjene hundert außergewöhnlichsten Uhren der Geschichte, die mit viel Liebe und Aufwand aus unterschiedlichen Perspektiven fotografiert wurden. Darüber hinaus wird auch die Entstehungsgeschichte der jeweiligen Armbanduhr genau beleuchtet. Man begegnet ikonischen Uhren wie der Cartier Tank oder der legendären Rolex Daytona Paul Newman, aber auch seltenen Werken unabhängiger Uhrmacher, Prototypen und Einzelanfertigungen. Rare Vintage-Chronographen von Patek Philippe, Rolex und Vacheron Constantin werden ebenso unter die Lupe genommen wie aktuelle Luxusmodelle. Mit dem Chronomètre Contemporain wurde auch eine Uhr des jungen Uhrmachers Rexhep Rexhepi, der als neuer Liebling der Schweizer Uhrmacherszene gilt, in die Liste aufgenommen. Interviews mit Persönlichkeiten der internationalen Sammlerszene runden den Ausflug in die Welt der legendärsten Armbanduhren ab. 

Ultimate Collector Watches ist nicht einfach nur ein Nachschlagewerk, sondern ein Buch, das der Verbindung von Kunst und Handwerk ein eindrucksvolles Denkmal setzen möchte. Es wird deutlich, warum mechanische Uhren in der digitalen Welt einen besonderen Platz einnehmen, vielleicht sogar eine Renaissance erleben. Sie erinnern ihre Besitzer und Besitzerinnen immer wieder daran, dass Zeit ein Luxusgut ist, auf das man achten sollte. [Red.]

Ultimate Collector Watches
Hardcover, 2 Bände im Schuber, 28.1 x 36 cm, 960 Seiten
taschen.com

Über 750 Skizzen, Zeichnungen, Modelle und technische Pläne dokumentieren Andos Entstehungsprozess über fünf Jahrzehnte hinweg – von seinen Anfängen in den 1970er Jahren bis hin zu den jüngsten Projekten. Dabei geht es nicht nur um das Darstellen von Objekten oder Orten, sondern um das Stellen von Fragen. Welche Spuren hinterlässt der Mensch in der Natur? Wie verändern sich Materialien im Lauf der Zeit? Und was bleibt sichtbar, wenn wir das Offensichtliche beiseite- und unser Augenmerk auf das Verborgene richten?

»Tadao Ando. Skizzen, Zeichnungen und Architektur« nimmt uns mit auf eine stille Reise durch Formen, Materialien und Wahrnehmungsräume. Besonders aufschlussreich sind jene Kapitel, in denen die grafische Darstellung als Mittel architektonischer Reflexion selbst in den Fokus rückt: Wie verändert sich unser Blick durch die Wahl der Linie oder des Materials? Welche Rolle spielt das Licht, wenn Architektur skizziert wird? Und wie sehr bestimmt Materialität unsere Wahrnehmung von Raum? Wer hier eine schnelle Antwort sucht, wird sie kaum finden – schließlich befindet man sich mit der Skizze am Beginn eines Prozesses, der sich erst im fortschreitenden Stadium verdichtet. Es geht also vor allem darum, Erwartungen beiseitezulegen und sich auf Andos Vorschläge einzulassen – eine in das Werk eingebaute Übung in Hingabe.

Am Ende bleibt kein definierter Plot, keine klare Schlussfolgerung; das Buch endet im offenen Feld der Möglichkeiten. Es fordert uns heraus, über Architektur, Denken und Leben nachzudenken – nicht als fertige Konzepte, sondern als fluide Erfahrungen in Beziehung zu Raum, Zeit, Material und denselben Umwelten, die wir formen und von denen wir geformt werden. In diesem Sinne ist »Tadao Ando. Skizzen, Zeichnungen und Architektur« nicht nur ein Bildband – es ist eine Einladung zur erneuten Wahrnehmung: ein stiller Appell zum Hinsehen und Begreifen.

Für Sammler:innen und Liebhaber:innen bietet das Buch zusätzlich eine sinnliche Komponente: Der Einband, die Typografie und das haptische Erlebnis harmonieren im ästhetischen Selbstverständnis. Es ist ein Objekt, das seinen Inhalt nicht nur trägt, sondern in sich trägt. Wer sich auf diese Art von Literatur einlässt, wird mit einem Werk belohnt, das stärker im Bewusstsein nachhallt als viele schnelle Veröffentlichungen – und das im besten Sinne des Wortes: nachhaltig. [DM]

Tadao Ando. Skizzen, Zeichnungen und Architektur
Hardcover, 28 x 33.7 cm, 4.49 kg, 594 Seiten
Tadao Ando. Skizzen, Zeichnungen und Architektur

»In 1921, Elsie de Wolfe, the world’s first professional interior decorator, stood before a New York courtroom, suing a client for unpaid services. When the judge asked her to define her profession, she famously replied, ›I create beauty‹«, so beginnt die Einleitung zu »Making Space«, das 250 der einflussreichsten Interior Designerinnen in einem Band versammelt. Nicht alle in dem Buch porträtierten Frauen sind so bekannt wie Elsie de Wolfe oder ihre Kollegin Rose Uniacke. Doch auch vergessenen, weniger bekannten und aufstrebenden Designerinnen wird in dem aufmerksam gestalteten Band Raum gegeben.

Elsie de Wolfe, Tea House, Planting Fields, Oyster Bay, NY, USA, 1916

»Making Space« zeigt, dass die Gestaltung des Innenraums zwar schon Anfang des 20. Jahrhunderts in weiblicher Hand lag, es jedoch erstaunlich lange dauerte, bis dieser auch als Ort kreativen Ausdrucks anerkannt wurde. Zuvor galt: Frauen kümmern sich um den Innenraum, um ihre Haushaltspflichten möglichst gut erfüllen zu können. Erst nach und nach wurde Interior Design als eigenständige Profession anerkannt – und nicht mehr nur als Hobby oder als Erweiterung unbezahlter Hausarbeit betrachtet.

Dorothy Draper, Greenbrier Hotel, White Sulphur Springs, WV, USA, 1948

Das Buch verweist allerdings auch darauf, dass viele der frühen Designerinnen aus privilegierten Verhältnissen stammten. Dazu gehörte unter anderem Dorothy Draper, deren elektrisierende Innenausstattung für das Greenbrier Hotel in West Virginia von 1946 durch einen schwarz-weißen Schachbrettboden, türkis-weiß gestreifte Wände und eine Tapete mit überdimensionalen magentafarbenen Rhododendren geprägt war.

Laura Ashley, Artist’s studio featuring the Bloomsbury Room collection, London, UK, 1987

Die bekannte walisische Dekorateurin und Textildesignerin Laura Ashley baute ein globales Imperium auf, das auf ihrer Identität als Mutter und Hausfrau beruhte. Ihre charakteristischen Blumenmuster wirkten feminin auf eine heute als altmodisch geltende Weise, verbargen jedoch eine andere Facette ihrer Persönlichkeit – nämlich die einer gewieften Geschäftsfrau, die ebenso Unternehmerin wie Trendsetterin war.

Ana Milena Hernández Palacios home and studio, near Valencia, Spain, 2023

Mit der Moderne veränderte sich auch das Interior Design auf klar erkennbare Weise. Obwohl es im Rückblick vielleicht so wirkt, fanden längst nicht alle Designerinnen und Designer Gefallen an den industriellen Materialien des Maschinenzeitalters. Erwähnenswert ist dabei, dass es sich vor allem um Materialien handelte, die traditionell mit Vorstellungen von Männlichkeit assoziiert wurden. Eileen Grays weicher, komfortabler Bibendum-Sessel (1926) kann in diesem Zusammenhang als feministische Antwort auf die schlanken Designs der Moderne gelesen werden.

Xiang Li, Loong Swim Club, Suzhou, China, 2019

In »Making Space« werden 250 solcher Geschichten erzählt – jede auf ihre Weise einzigartig. Fotografien, auf denen die gestalterischen Handschriften der Designerinnen klar erkennbar sind, ergänzen die biografischen Texte. Sowohl die Bilder als auch die Kurzbiografien zeigen, wie Frauen über Jahrzehnte Räume erobert und gestaltet haben – und auf welch entscheidende Weise sie dazu beitrugen, dass der Beruf des Interior Designers überhaupt als solcher anerkannt wurde. Darüber hinaus macht »Making Space« deutlich, dass der Innenraum niemals neutral ist: Er wird immer von den Menschen geprägt, die ihn gestalten und bewohnen. [SW]

Making Space. Interior Design by Women.
Hardcover, 29 cm x 25 cm, 288 Seiten
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In seiner kurzen Biografie über Francisco de Goya fasste Javier Goya die Eckpfeiler des künstlerische Schaffen seines Vaters folgendermaßen zusammen: »Als bewundernder Betrachter von Velázquez und Rembrant [sic], studierte er nichts anderes als die Natur, die er zu seiner Meisterin erklärte.«

Wie sich diese Einflüsse auf das druckgrafische Werk des spanischen Künstlers auswirkten, zeigt der neue im TASCHEN-Verlag erschienene Bildband »Goya. The Complete Prints«. Auf 600 Seiten entführt der Band seine Leser:innen in die Welt des 1828 verstorbenen Malers und Grafikers. Die Sammlung umfasst insgesamt 287 Radierungen und Lithografien, also Goyas gesamtes druckgrafisches Werk. Auch Ausgaben, die unter seiner direkten Aufsicht entstanden, sowie Zustandsdrucke aus nicht veröffentlichten Serien befinden sich darunter. Dadurch wird sowohl die Experimentierfreude des Künstlers deutlich, als auch seine Kontrolle über den Druckprozess. Neben detaillierten Kommentaren zu jeder Druckgrafik beinhaltet der Band auch tiefgehende Essays von Anna Reuter und José Manuel Matilla, die seit vielen Jahren zu Goya forschen.

»Goya. The Complete Prints« verdeutlicht auf eindrucksvolle Weise, warum Francisco de Goya zu den innovativsten Malern und Grafikern des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts zählt. Seine Radierungen und Lithografien gelten als Meisterwerke der modernen Druckgrafik und ebneten den Weg für viele Künstler und Künstlerinnen, die ihm Jahre und Jahrzehnte später nachfolgten. Goyas künstlerisches Erbe ist auch in der Kunst der Gegenwart noch gut nachweisbar.

Die Karriere des Spaniers, der 1746 in Aragón zur Welt kam, nahm rasch Fahrt auf: Unmittelbar nach seiner Ausbildung wurde Goya zum ersten Hofmaler Karls IV. ernannt. In seinen berühmten Serien wie unter anderem den satirischen »Caprichos« oder den albtraumhaften »Disparates«, befasste er sich mit den großen Umbrüchen seiner Zeit. Mit den hellen wie auch den dunklen Momenten, die damit einhergingen. Immer wieder stellte er das Individuum dem Aberglauben oder der herrschenden Macht gegenüber. Sein Werk ist keines, das die Welt nur darstellt, sondern eines, das sie mit sezierendem Blick beschreibt – das Risse, Spannungen und Ängste offenlegen möchte.

Goya war zudem ein Intellektueller, der von der Kunst und der Kultur seiner Zeit geprägt und mit den ideologischen Debatten der Epoche bestens vertraut war. Anfangs fühlte er sich den Ideen der Aufklärung verpflichtet, später entwickelte er darüber hinausgehende und persönlichere Positionen. Er ließ sich jedoch nicht nur von der bildenden Kunst, sondern auch von der Literatur inspirieren. Aufgrund seiner Taubheit, die ihn seit den 1790er-Jahren beeinflusste, wurde das geschriebene Wort immer wichtiger für ihn, um sich über Ideen und neue Entwicklungen zu informieren. 

Selbst gegen Ende seiner Karriere war Goya noch von seinem stark ausgeprägten Lernwillen beeinflusst. Dieser kommt unter anderem in der in Bordeaux angefertigten Zeichnung »Ich lerne weiter« zum Ausdruck, wie José Manuel Matilla in seinem Essay bereits zu Beginn des Bildbands festhält. Francisco de Goya war »ein unabhängiger Künstler, der sich bei seiner Arbeit von Vernunft und Kritik an der Ignoranz leiten ließ, ständig experimentierte und gleichzeitig nach dem geeignetsten Weg suchte, seinen Ideen Ausdruck zu verleihen.« [SW]

Goya. The Complete Prints
Hardcover im Schuber, 24.3 x 30.4 cm, 3.78 kg, 600 Seiten
taschen.com

Im Vorwort zum Buch »All-American Ads of the 2000s« bezeichnet Steven Heller, Mitbegründer und Co-Vorsitzender des MFA-Design-Programms an der School of Visual Arts in New York, die Nullerjahre als den Zeitraum, an dem der kreative Niedergang der Werbeindustrie begann. Laut Heller stellt dieser Zeitabschnitt ein letztes Aufbäumen dar, bevor sich Werbung, wie wir sie kannten, medienübergreifend in etwas »anderes« verwandelte. Form, Inhalt, Verbreitung und Wahrnehmung wurden langsam, aber nachhaltig, von der ersten großen Social-Media-Welle und den Vorboten künstlicher Intelligenz verändert. Geschmäcker und Gewohnheiten wurden flatterhafter, Werbekund:innen und deren Agenturen und sahen sich gezwungen, sich auf unerprobte neue Märkte zu konzentrieren – es war nicht die ideale Zeit um auch noch kreative Risiken einzugehen. Plötzlich ging es nicht mehr nur um einzelne Werbesujets für Produkt XY, sondern um stringentes Branding, produktfokussierte Kampagnen und eine klar definierte Corporate Identity – kurz: Es ging um die große Idee.

Während traditionelle Print- und TV-Werbung zunehmend an Bedeutung verlor, experimentierten Marken mit neuen visuellen Codes, digitalen Formaten und interaktiven Erzählweisen. Ein herausragendes Beispiel für diese neue, ganzheitlich ausgelegte Kreativität ist der Siegeszug von iPod und iPhone – sowohl kommerziell als auch gestalterisch. Laut Heller gehört die TBWA\Chiat\Day-Kampagne für Apple zu den progressivsten Meilensteinen in der Werbewelt der Nullerjahre.

In einem Jahrzehnt, in dem die Welt online ging, mussten Kampagnen auf einmal plattformübergreifend funktionieren, flexibel reagieren und gleichzeitig persönlich wirken. Ein Blick ins Buch beweist, wie schwierig sich das oft gestaltete – im wahrsten Sinne des Wortes. Man könnte vorsichtig sagen: Es gab oft noch viel Luft nach oben. Der große Sprung in der Technik erforderte einen neuen Umgang mit Werbung – wobei der Begriff »Werbung« in seiner klassischen Bedeutung definitiv zu kurz greift, zumal der Umfang der Maßnahmen einen immer größeren Rahmen annahm, nicht zuletzt wegen des Siegeszugs der sozialen Medien, die Marken auf ein neues Niveau der Interaktion mit ihren Käufer:innen drängten. Die Ansprüche wurden individueller, fragmentierter, intimer, worin auch der Bruch mit der alten Werbewelt spürbar wurde: Die »große Idee« musste sich plötzlich in viele kleine Narrative aufteilen.

Verbraucher:innen verlangten zunehmend nach personalisierten Erfahrungen und positiver Ethik. Marken wie Whole Foods verstanden diesen Zeitgeist früh und inszenierten sich als verantwortungsbewusste, transparente Alternativen zum konventionellen Lebensmittelhandel. In der Modebranche reagierten Labels wie Calvin Klein mit einer neuen Formsprache auf das zunehmend visuelle Internetzeitalter: Provokative Ästhetik wurde zum Markenzeichen, während der klassische Slogan in den Hintergrund trat.

Die Werbewelt der Nullerjahre in Amerika war geprägt von einem Spannungsverhältnis: dem Wunsch nach Beständigkeit auf der einen und der Notwendigkeit zur radikalen Erneuerung auf der anderen Seite. »All-American Ads of the 2000s« dokumentiert diese Übergangszeit mit nostalgischem Blick, zeigt aber auch, wie stark sich die Branche im Umbruch befand – zwischen ikonischen Einzelkampagnen und dem beginnenden Verlust kollektiver Werbeästhetik. [DM] 

All-American Ads of the 2000s
Jim Heimann
Hardcover, 19,6 x 25,5 cm, 2,08 kg, 640 Seiten
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»Während dieser Jahre hat sich sicherlich mein Gefühl für Kontraste ebenso wie die Idee einer starken Kamerapräsenz entwickelt«, nähert sich Ralph Gibson seiner eigenen Arbeit in einem am 16. Januar 1999 verfassten Statement zu seiner Serie San Francisco – und nimmt dabei insbesondere Bezug auf den Einfluss und die Arbeit seines Vaters, der als Regieassistent bei Hitchcock tätig war und den er häufig bei Dreharbeiten besuchte. Ein erster Schritt in Richtung der visuellen Entdeckungen, die er bereits als junger Fotograf machen sollte.

Schon früh zeichnet sich Gibsons Werk durch ein intuitives Wechselspiel zwischen Realität und Poetik aus – Banales wird dabei zum ästhetischen Ereignis stilisiert. Es handelt sich nicht um bloße Momentaufnahmen, sondern um sehr persönliche, visuell verdichtete Eindrücke.
In diesem Sinn gliedert sich auch das Buch in Serien, denn hinter jeder steckt für Gibson eine Philosophie. Ein Ansatz, zu dem ihn Dorothea Lange führte, bei der er ab 1960 als Assistent tätig war. Lange gilt als Begründerin der Dokumentarfotografie, und Gibson beschreibt sie als eine Person weniger Worte, aber umso größerer Beobachtungsgabe – beispielsweise wenn sie Gibsons Arbeiten mit den Worten kritisiert: »Das Problem ist, dass du keinen Ausgangspunkt hast.« Erst als er an der Serie The Somnambulist arbeitete, habe er schließlich die Weisheit ihrer Mahnung erkannt.

»Seitdem habe ich immer von einem Ausgangspunkt aus gearbeitet. Jede Fotografie hängt mit einem Thema, das zur Diskussion steht, mit seiner Serie, einem Buch zusammen«, sagt er und erklärt seinen Zugang mit den Worten: „So bleiben unendlich viele Möglichkeiten, aber das Chaos lässt nach.«
Ungeachtet der Motive – seine Bilder sind geprägt von Ausschnitten, Fragmenten und Zwischenräumen. Ob er sich mit architektonischen Details, typografischen Fragmenten oder der weiblichen Silhouette auseinandersetzt – das Zusammenspiel von Licht, Form und Andeutung verleiht seinen Bildern eine formale Klarheit. Auch seine späteren Serien in Farbe bleiben dieser Haltung treu. Ob es sich um Fassaden, Spiegelungen, urbane Strukturen oder surreal anmutende Detailstudien handelt – Gibson bedient sich des Visuellen als Ausdruck jenseits des Benennbaren.

Ralph Gibson. Photographs 1960–2024 ist mehr als eine Retrospektive oder ein Streifzug durch das Werk eines Fotografen. Gibsons introspektive Bildsprache – reduziert, grafisch, poetisch – nimmt uns mit an die Orte und in die Situationen, die ihm im Laufe seines Lebens begegnet sind – oder er ihnen. Und wem das nicht reicht, kann dem Fotografen persönlich begegnen, wenn er sein Buch am Samstag, 28. Juni, um 12 Uhr im Kölner TASCHEN Store (Neumarkt 3, 50667 Köln) signiert. Um Anmeldung wird gebeten – RSVP.

Ralph Gibson. Photographs 1960–2024
Hardcover, 21 x 27.5 cm, 2.65 kg, 552 Seiten
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»In the past winter, I thought my 10-years-old daughter how to identify Mars in the night sky«, schreibt Margaret Weitekamp, Vorsitzende der Abteilung für Weltraumgeschichte am Smithsonian’s National Air and Space Museum in ihrem Vorwort zu »Mars. Photographs from the NASA Archives«. Mit diesem ersten Satz lokalisiert sie die Quelle menschlicher Sehnsucht, Neugier, Fantasie und Forschungsgeist.

Die Identität des Planeten Mars ist facettenreich und reicht von einem weit entfernten Rätsel zu einem greifbaren Territorium, geprägt von vielen fass- und unfassbaren Geschichten dazwischen. Je nach Perspektive und Vorstellungsgabe mit der man zum sogenannten »Roten Planeten« blickt, strahlt er etwas anderes zurück. Aus diesem Wissen heraus und mit dem Anspruch auf Vollständigkeit zum gegenwärtigen Zeitpunkt, findet der Planet Betrachtung durch die Linsen der Planetenforschung, Geschichtsforschung, Wissenschaft, Technik und sogar Dichtung.

Auch als Gegenstand zahlreicher Si-Fi-Romane und -Filme beflügelt der Mars wie kein anderer grenzenlose utopische und dystopische Fantasien zugleich. Daran änderte sich auch (fast) nichts, nachdem die Wissenschaft immer mehr, teils kuriose, Vorstellungen von der Marslandschaft auflöste und durch konkrete Belege in Form von fotografischen Aufnahmen ersetzte.

Das 340 Seiten umfassende Buch versammelt die frühesten Nahaufnahmen des Mars, die 1964 das Raumfahrzeug Mariner 4 machte – die ersten Bilder von einem anderen Planeten überhaupt – und hunderte hochaktuelle Fotos aus den umfangreichen Archiven der NASA. Und so beeindruckend die Schärfe der Aufnahmen der NASA auch sein mag, man kommt nicht drum herum, die inhärente Abstraktion der Fotografien instinktiv mit einem bewussten Blinzeln abschütteln zu wollen. Dies liegt nicht nur an der eingeschriebenen emotionalen Vorstellung des Mars, sondern auch an der Herausforderung – und ein bisschen auch dem Unwillen –, etwas so Unfassbares zu relativieren. Die verklärt romantische Vorstellung von einem unberührten Ort, der alle Möglichkeiten bereithält und es ermöglicht, sich gleichzeitig klein und groß zu fühlen, verhält sich ähnlich der menschlichen Vorstellung von Himmel und Hölle, wobei diese fantastischen Orte noch niemand mit einem bloßen Fingerzeig identifizieren konnte.

In sechs Jahrzehnten bahnbrechender Forschungsmissionen hat die NASA die Geheimnisse des roten Planeten nach und nach enthüllt und eine Welt offenbart, die unserer gar nicht so unähnlich ist, einst vermutlich auch einmal belebt war und mit einer potenziellen Bewohnbarkeit in hoffnungsvoller Sicht. NASA-Luftbilder späterer Orbitermissionen zeigen faszinierende uralte Flussbetten, polare Eiskappen, Staubwinde, riesige Canyons und hoch aufragende Vulkane in einer unendlich abwechslungsreichen Landschaft. NASA-Rover dienen in den vergangenen 25 Jahren als technische Erweiterungen der Menschheit – sie bohren Löcher, suchen nach Spuren von Wasser und lassen uns mit ihren Bildern über die Bergzüge und die fantastischen Sonnenuntergänge sinnieren.

Mit »Mars. Photographs from the NASA Archives« gibt Taschen einen Bildband heraus, der verschiedene Zugänge und Sichtweisen im Hinblick auf den Mars ermöglicht. Doch mit welcher Intention man auch immer hinauf in den Himmel blicken mag, fest steht, was Menschen überhaupt hinaufsehen lässt, ist die universelle Sehnsucht nach einem unbestimmten Freiheitsgefühl und die idealisierte Vorstellung davon, wie es wäre, Grenzen des Bekannten und sich selbst zu überwinden. [DM] 

Mars. Photographs from the NASA Archives
Hardcover mit Ausklappseiten, 30.0 x 30.0 cm, 340 Seiten
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Autor Andreas Marks, ein international anerkannter Experte für japanische Kunst, insbesondere für die Ukiyo-e-Druckgrafik, schreibt einleitend, es habe, trotz bemühter Schätzungen, de facto niemand den ernsthaften Versuch unternommen, die erhaltenen Werke Hokusais zu zählen. Nicht nur die außerordentliche Produktivität des Künstlers, sondern unter anderem auch das große Problem der Zuschreibung stellten große Hürden dar. Er selbst habe während der Recherche zu diesem kolossalen Sammelwerk versucht, Malereien, Drucke und Zeichnungen mit zweifelhaften Signaturen oder Siegeln auszuschließen, oder auch Werke, die von seinen Schülern im Stil des Meisters ausgeführt sein könnten. »Mit diesen Regeln im Sinn und unter der Vorgabe, mehrblättrige Drucke als ein Werk zu zählen darüber hinaus jede einzelne Buchillustration zu zählen, die ich finden konnte, gelang es mir, fast 7.200 Arbeiten zu dokumentieren, die Hokusai mit Gewissheit zugeschrieben werden können. Eine Auswahl von knapp 800 dieser Arbeiten wird im vorliegenden Buch präsentiert«, fasst Marks zusammen und entlässt die Leser:innen in Hokusais Welt – zu deren Greifbarkeit, Erlebbarkeit und zu deren Verständnis er eine Anleitung in Form einer faszinierend detailreichen Monografie auf 722 Seiten bereitstellt. 

Strukturiert in Lebens- und Schaffensphasen führt das Buch durch das Leben und Wirken des großen japanischen Künstlers. Hokusai (1760-1849) war ein japanischer Maler und Holzschnittkünstler der Edo-Zeit (1603-1868), der vor allem durch seine ikonische Serie »36 Ansichten des Berges Fuji« bekannt wurde. Sein bekanntestes Werk daraus, »Die große Welle von Kanagawa«, zeigt eine riesige Welle vor dem Berg Fuji – im März 2023 wurde ein Abzug seines weltberühmten Holzschnitts für 2,76 Millionen US-Dollar versteigert. Als Meister der Ukiyo-e-Druckgrafik beeinflusste er sowohl die japanische als auch die westliche Kunst tiefgehend, insbesondere in der Impressionismus-Bewegung.

In abgesteckten Abschnitten zusammengetragen führt das Kunstbuch durch Hokusais Leben und Wirken, wobei die inhaltliche Tiefe und Qualität tatsächlich mehr an einen wissenschaftlichen Werkband erinnert, wäre da nicht der Fokus auf großformatige, farbige Reproduktionen, welcher die Zugänglichkeit zu einem derlei anspruchsvollen (Lebens-)Werk erleichtert.
Unter den Kapitelnamen »Die Anfange einer Künstlerkarriere (1779-1794)«, »Die Welt der privaten Dichtungen (1795-1798)«, »Die Rückkehr zu kommerziellen Publikationen (1798-1813)«, »Ein außergewöhnlicher Buchillustrator (1814-1819)«, »Die Erschaffung eines Vermächtnisses (1820« und »Die letzten Jahre (1834-1849)« wird man hineingesogen in die unübertroffene Vielfalt von Themen und Techniken: Landschaften wie den Kirifuri Wasserfall neben großformatige Karten von den Überlandstraßen Tōkaidō und Kisokaidō oder von der Halbinsel Bōsō; doppelseitige Abbildungen aus illustrierten Büchern, darunter sinnliche, fantasievolle Erotik (shunga) und Zeichenanleitungen wie die fünfzehnbändigen Hokusai manga; und schließlich Tierdarstellungen wie etwa Holzschnittserien zum Thema Vögel und Blumen oder späte Rollbilder auf Seide von Enten im fließenden Wasser oder einem schwebenden Tiger im Schnee. 

»The (almost) complete HOKUSAI« ist ein beispielloses Werk zwischen ästhetisch-visuellem Genuss und akademisch-wissenschaftlicher Tragweite, das selbst im beeindruckenden Bestand des Kölner Kunstbuchverlags seinesgleichen sucht. Es überschreitet die Grenzen eines herkömmlichen Kunstbuches, stellt zugleich eine Sammlung historischen Materials und eine Hommage an die Leidenschaft zur Kunst dar. Es ist ein Band mit dem TASCHEN ein souveränes Bekenntnis zu höchst möglicher Qualität am Kunstbuchmarkt ab- und vorlegt. [DM]

Hokusai
Hardcover, mit Lesebändchen, 29 x 39.5 cm, 6.18 kg, 722 Seiten
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Der dritte Band der Reihe »Homes for Our Time« präsentiert 59 zeitgenössische Projekte in 25 Ländern, von den USA bis Japan, begleitet von immersiven Fotografien, die eine emotionale Ebene räumlicher Erfahrung ermöglichen, und illustriert unterschiedliche Stile, von minimalistischen und funktionalen Ansätzen bis hin zu opulenter Architektur und kunstvoller Innengestaltung. Auffällig bleibt dabei aber, dass den Entwicklungen – trotz einzigartiger Konzepte und kreativer Ansätze in der (Raum-) Gestaltung – letztlich fast immer die Natur als zeitloses Vorbild dient. 

Egal auf welchem technologischen Niveau sich die Umsetzung bewegt – wenn es darum geht, harmonische Lebensräume zu schaffen, scheint es so, als würden Architekt:innen und Designer:innen sich an drei zentralen, naturverbundenen Ansätzen orientieren. Einer davon ist der nahtlose Übergang und die Verbindung zwischen Innenraum und Landschaft, also Häuser, die sich zur Natur hin öffnen. Definitiv kein neuer Gedanke, aber einer, der sich bewährt hat. Blickt man nach Los Angeles, so haben Ausnahmearchitekten wie Richard Neutra ab Mitte des 20. Jahrhunderts Gestaltungsideen gefördert, die nicht nur eine tiefere Verbindung zur Natur ermöglichen, sondern auch ein Gefühl der Weite und Freiheit in die Wohnräume holen sollten.

In genau dieser langen Tradition steht auch ein zeitgenössisches Wohnbeispiel, das sich auch gleich auf den ersten Seiten von »Homes for Our Time 3« findet: Das Projekt Arkell (Beverly Hills, Los Angeles, 2022) von Miguel Ángel Aragonés und Rafael Aragonés. Gebaut auf einem leicht abfallenden Hang, öffnet sich das Haus durch die offene Raumgestaltung und die großzügigen Fensterfronten nach außen und gibt den Blick auf die atemberaubende, berühmte Landschaft der Umgebung frei, wobei das Hauptdach mit einem weitläufigen Dachgarten begrünt ist. 

Anders als bei seinen Mid-Century-Vorbildern aber spielen hier neben dem natürlichen Licht auch die Möglichkeiten moderner Lichtkonzepte eine tragende Rolle – das Markenzeichen des Aragonés Vater-und-Sohn-Duos. Die Hervorhebung und Beeinflussung der (Raum-) Wahrnehmung in der Architektur durch innovative Lichttechnologien und -regie wurde selten so konsequent und eindringlich in Bauten, die als Wohnraum dienen, umgesetzt. Im intimen Rahmen des eigenen Zuhauses verwandelt hier die farbige, gezielte Lichtführung vermeintlich alltägliche Orte in transformative und meditative Erlebnisräume. 

 Einen Schritt weiter geht der Wunsch nachhaltige und inspirierende Lebensräume zu schaffen, die nicht lediglich in Verbindung, sondern im tiefen Einklang mit der Natur stehen.
„Ausgangspunkt war die Erkenntnis, dass sich Architektur dem Gelände anpassen sollte und nicht umgekehrt“, heißt es seitens des Architekturstudios Tetro – gegründet 2008 von Carlos Maia, Débpra Mendes und Igor Macedo – im Buch zitiert und vorgestellt mit ihrem Projekt Açucena House (Nova Lima, Brasilien, 2021). 

Die ungewöhnliche Form des Hauses, das sich im Atlantischen Regenwald, dem zweitgrößten Tropenwald Brasiliens, befindet, ist zum Teil auf das bewusste Bemühen zurückzuführen, die vorgefundene Natur vor Ort zu erhalten, indem beim Bau beispielsweise keine Bäume gefällt wurden. Dünne schwarze Trägersäulen fügen sich visuell nahtlos in das Waldgebiet ein. Sie dienen vor allem dem Zweck, das Haus vom Boden abzuheben und so die Auswirkungen auf das Ökosystem zu minimieren.

Fast schon als Mission kann jene moderne Architektur angesehen werden, die mittels hochentwickelter technologischer Möglichkeiten nachhaltige und beispiellose Lebensräume schafft. Diese stehen dann nicht mehr nur in bloßer Verbindung oder harmonischem Einklang, sondern in enger Partnerschaft mit der Natur. Ein herausragendes Beispiel hierfür ist das im Buch vorgestellte Forschungsprojekt TECLA – Technology and Clay (Ravenna, Italien, 2021) von Mario Cucinella.

Es gilt als das erste ökologisch nachhaltige Haus, das in 3-D aus Roherde – einer Mischung aus lokalem Boden, Wasser und Naturfasern aus Reis – gedruckt wurde, heißt es seitens Cucinella im Begleittext. So spartanisch der Prototyp auch auf den ersten Blick anmutet, der Anspruch an die technischen Möglichkeiten verhält sich scheinbar proportional zum Wunsch und der Sehnsucht nach Naturnähe. Dank modernster Drucktechniken und Materialien gilt der Bau als nahezu emissionsfrei. Und als wäre das nicht durchdacht genug, entlehnt sich die Form der Architektur landestypischen Bauweisen – mit dem Ziel, das strukturelle Gleichgewicht zu erhalten. 

»Homes for Our Time 3 – Contemporary Houses Around the World« ist eine Studie zeitgenössischen Wohnens, welche die Wünsche moderner Menschen reflektiert. Dazu gehört nicht nur, wie man vielleicht auf den ersten Blick meinen möchte, die Befriedigung des ästhetischen Empfindens, sondern, wie Band 3 der Reihe auch klar zeigt, der scheinbar universelle Anspruch nach Ruhe und Zuflucht, den Menschen seit jeher über die Verbindung und den Zugang zur Natur gesucht und gefunden haben. [DM] 

Homes for Our Time. Contemporary Houses around the World. Vol. 3
Hardcover, 24.6 x 37.2 cm, 3.84 kg, 488 Seiten
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Seit seiner Gründung im Jahr 1980 unter der Leitung von Benedikt Taschen gilt der Kölner Taschen Verlag als maßgeblich für die Entstehung des Kults um das sogenannte Coffee Table Book und dessen Aufstieg zum Sammelobjekt. Nicht zuletzt als formschöne Schnittstelle zwischen Kunst und Wissen, bieten die überdimensionierten XXL-Bände des Kunstbuchverlags einen ästhetischen und inhaltlichen Rahmen für ein breites Spektrum an kulturell und intellektuell herausragenden Themen und Persönlichkeiten. 

In diesem Sinne widmet sich die nun erschienene Monografie des 1951 in Spanien geborenen und in der Schweiz lebenden Architekten, Ingenieurs und Künstlers Santiago Calatrava einer beeindruckenden Bandbreite menschlichen Schaffens, die Genregrenzen durchbricht, ein Netz über altes Wissen in neuer Ausführung spannt und die Kraft des persönlichen Ausdrucks bündelt.

Obwohl er vor allem als Architekt bekannt ist, lassen seine spektakulären Bauwerke einen bei genauem Hinsehen auf eine tiefe, inhärente kreative Ader stoßen. Calatrava ist Bildhauer, Maler, Möbeldesigner und Bühnenbilder – um nur einige seiner Betätigungsfelder zu nennen. Das Buch umfasst alle Bereiche seines Schaffens und ist ein Testament für ein unnachahmliches Talent, die Verbindung von Raum und Form in den unterschiedlichsten Maßstäben zu realisieren, und beweist vor allem Calatravas Fähigkeit, die stets nicht wegzudenkende Voraussetzung für sein Schaffen ist – der locker gespannte rote Faden, der die erste mit der letzten Seite verbindet.

Seine architektonischen Konzepte leben von überwältigender (Raum-)Wirkung und emotionaler Tiefe. Ein Beispiel dafür stellt der spektakuläre U-Bahnhof am World Trade Center, der »World Trade Center Transportation Hub«, dar. Die dramatisch futuristische Ästhetik des Baus mit seinem markanten Dach, das mit seinen strahlenförmigen Rippen an die Flügelknochen eines sich, wie man vermuten könnte, erhebenden Vogels erinnert, schafft Calatrava nicht bloß die Überdachung eines funktionalen Verkehrsknotenpunktes, sondern auch eine monumentale skulpturale Komposition. Das innovative, symbolische Potenzial der Architektur verkörpert eine neue Ära des Wiederaufbaus und symbolisiert den Übergang von Zerstörung zu Neubeginn am Ground Zero.

Calatravas Baukunst lebt aber nicht nur von monumentaler Erhabenheit. Seine Gebäude entspringen einer überlegenen technologischen Raffinesse, ergänzt durch die menschlich-künstlerische Sensibilität für Werkstoffe, und treiben die Möglichkeiten moderner Materialien und deren Verwendung auf die Spitze technischer Möglichkeiten.

Ob das »Museum of Tomorrow« in Rio de Janeiro (2015) oder sein jüngstes Projekt, der »Pavillon der Vereinigten Arabischen Emirate« für die Expo 2020 in Dubai, die »St. Nicholas Greek Church« am Ground Zero (2022) in New York oder die Skulptur »Constellation« im River Point Park (2017) in Chicago – Calatravas unverkennbare Handschrift zeichnet sich stets durch aerodynamische Eleganz ursprünglich organischer Formen aus sowie sein sensibles Gespür für das Zusammenspiel von Ästhetik und Struktur. 

Ästhetik und Struktur sind auch die Stichworte in Bezug auf die umfassende Werkschau »Calatrava. Complete Works 1979–Today« – eine penibel zusammengetragene Sammlung, die die einzigartige kreative Vision des Universalkünstlers anhand detaillierter Einträge, Fotografien und Aquarellskizzen erkundet. Auch erhältlich als limitierte Art Edition von 300 Exemplaren mit zwei signierten Lithografien von Santiago Calatrava und einer maßgefertigten Box. [DM]

Calatrava. Complete Works 1979–Today
Hardcover, auf zwei verschiedenen Papiersorten gedruckt
30.8 x 39 cm, 6.79 kg, 688 Seiten
taschen.com

Seine Rolle als Architekt versteht der in Tokio geborene Shigeru Ban als weit umfangreicher als das bloße Schaffen von Trägerstrukturen. Papier und Karton versinnbildlichen als grundlegende Konstruktionsmaterialien seiner Bauten nicht nur den fortschrittlichen Einsatz moderner Fertigungs- und Gestaltungsmöglichkeiten, sondern stehen auch für ein erweitertes soziales Bewusstsein, sowie eine ressourcenschonende Bauausführung. Die daraus entstandenen Bauwerke stehen symbolisch für die Achtsamkeit mit der Ban sich seinen Projekten nähert und deren Gestaltung und Umsetzung er mit viel Gespür für den individuellen sozialen und kulturellen Kontext ableitet.

Bans einzigartiger, lösungsorientierter Herangehensweise und unverwechselbarer Handschrift widmet TASCHEN nun eine Monografie mit dem Titel »Shigeru Ban. Complete Works 1985 – Today«, die sich dem Werk des Pritzker-Preisträgers sowohl über persönliche Anekdoten als auch wissenschaftliche Fragestellungen nähert.

Wie es Umfang und Format des monumentalen Bandes bereits vermuten lassen, findet die Erfolgsgeschichte des Ausnahmearchitekten, der als Symbolfigur der japanischen Architektur gilt, hier ihren angemessenen Rahmen.
»Es war der Anfang der Papierarchitektur«, beschreibt Ban darin eines seiner sehr frühen Projekte aus dem Jahr 1986 und bezieht sich damit auf die Gestaltung der Architektur für eine Ausstellung in Tokio, welche sich dem Werk des finnischen Architekten und Möbeldesigner Alvar Aalto widmete. Als kostengünstigere Alternative zu Aaltos Lieblingsmaterial Holz kamen Papierröhren – »Paper Tubes« – zum Einsatz, welche Ban gleichzeitig als die unverkennbaren Strukturelemente seiner Arbeit etablierte, als die Nutzung von ökologisch verträglichen Baumaterialen noch als progressiv bezeichnet werden konnte.

Im Kontext von radikal Neuem steht auch sein als Architekturexperiment geltendes Curtain Wall House – entstanden zwischen den Jahren 1993 und 1995 in Tokio – bei dem Ban das Konzept der Wände eines Hauses hinterfragt. Um der Konstruktion ihre Schwere zu nehmen, greift er in der Ausführung daher neben schmalen Säulen auch auf gläserne Türen und Vorhänge zurück, die sich gänzlich zur Stadt hin öffnen oder schließen lassen.

Auf die Spitze getrieben wird seine frühe Auseinandersetzung mit der Bedeutung von Wänden im Jahr 1997 mit der Umsetzung des Projektes »The Wall-less house« in Nagano, Japan. Dem Konzept liegt die Vision eines »universal floors« zugrunde, ein die fehlenden Wände ausgleichender, durchgehender Boden, der alle Räume miteinander verbindet. Diese Bauweise entspricht auch der Auffassung Bans, dass eine starke Trägerstruktur nicht an das verwendete Material gebunden ist, sondern an eine ausgeklügelte Konstruktion.

Seine Flexibilität als Architekt und Haltung als Mensch beweist Shigeru Ban aber vor allem mit seinen Bauten in Katastrophengebieten, wo Wände als schutzgebende Strukturen eine überaus essenzielle Rolle spielen. Als von besonderer Bedeutung erwiesen sich seine kostengünstigen und umweltschonenden »Paper Tube Structures« in den Hilfsprojekten der von ihm 1995 gegründeten NGO Voluntary Architects Network, deren Anliegen es war, temporäre Häuser und Hütten für Erdbebenopfer in Kobe (Japan), Bürgerkriegsflüchtlinge in Ruanda (Ostafrika) sowie Tsunami-Opfer in Sri Lanka zu errichten. Von 1995 bis 2000 arbeitete Shigeru Ban als Berater der UN Flüchtlingskommission.

Als Beispiel sind hier die sogenannten »Paper Log Houses« zu nennen. Diese dienten nach dem verheerenden Erdbeben in Kobe als Notunterkünfte – gebaut aus Bierkisten, Sandsäcken, Sperrholz, Pappröhren, wasserfestem Klebeband und Stahlstäben. Als temporäres Gemeindezentrum wurde zudem die »Paper Church« errichte, die den Bewohner:innen auch Zuflucht im spirituellen Sinn ermöglichte.

Seine konstruktiven Experimente unter Verwendung von ungewöhnlichen Werkstoffen waren es auch, die seine unverwechselbaren Hauptwerke hervorbrachten, wie das Centre Pompidou-Metz, des Swatch/Omega Campus in der Schweiz, ein zweistöckiges Penthouse auf dem Dach eines 140 Jahre alten New Yorker Wahrzeichens Cast Iron House sowie La Seine Musicale, ein in den Masterplan Jean Nouvels integrierten Konzertsaal auf der Ile Séguin in Frankreich.

Mit seiner Monografie »Shigeru Ban. Complete Works 1985 – Today« versammelt TASCHEN Bans Lebenswerk bis dato in einem rahmensprengenden Band auf eindrucksvollen 696 Papierseiten und holt den Geist seiner Arbeit im Übertragenen Sinn in die Flasche zurück. [DM]

Auch erhältlich als Art Edition, limitiert auf 200 Exemplare mit einem signierten Kunstdruck Shigeru Bans und einem maßgefertigten 3D-Lasercut-Cover aus Holz.

Shigeru Ban. Complete Works 1985 – Today
Hardcover, 30.8 x 39 cm, 6.85 kg, 696 Seiten, € 200
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Selten passiert es, dass eine kreative Ader zu einem Fluss von Inspiration anschwillt, doch im Fall des in Sydney geborenen Designers Marc Newson könnte man sogar von einem reißenden Gewässer sprechen. Seine Handschrift hat er bereits in die unterschiedlichsten Bereichen einfließen lassen –  von Möbeln, Luxusgütern und Technologie bis hin zu Schiffs-, Automobil- und Luftfahrtdesign.

Als Aktualisierung der ersten Monografie Newsons, die 2012 veröffentlicht wurde, macht es sich das kürzlich erschienenen Buch »Marc Newson. Works 84-24« zur großen Aufgabe seinen Arbeiten der letzten 40 Jahre einen würdigen Rahmen zu geben. In Zusammenarbeit mit Alison Castle widmet sich der großformatige, 496 Seiten umfassende und fünf Kilogramm schwere Band der ausführlichen Dokumentation seiner Projekte – jedes wird von visuell eindrucksvoll inszenierten Fotos und einem ausführlichen Text begleitet, die Entwurf und Prozess dokumentieren.

Marc Newson studierte Bildende Kunst an der University of Sydney und begann seine Karriere mit der Herstellung von Möbeln und Zeitmessern in einer Werkstatt in der australischen Metropole. Zu seinen ersten Entwürfen gehören die Super Guppy Lamp (1987), Pod of Drawers (1987) und der Embryo Chair, von denen Letzterer seit seiner Entstehung im Jahr 1988 bis heute produziert wird. 

In seiner Monografie wird der Embryo Chair stilistisch gesehen als ein wichtiger Durchbruch beschrieben, da er zum ersten Mal einen unverkennbaren Stil definierte, der Newson viel Presse und Anerkennung einbrachte. »So many qualities of that chair laid down the DNA for much of what I was to do after that. It’s probably one of the most recognizable things that I’ve done and one of«, erklärt Newson. 

Im Alter von 25 Jahren entwarf Newson die Lockheed Lounge (1988), eine genietete Chaiselongue aus Aluminium, die wohl zu einem der ikonischsten zeitgenössischen Designwerke geworden ist. Was er damals nicht wusste – rund 30 Jahre später würde dieser bei Auktionen vier Weltrekordpreise für ein Werk eines lebenden Designers erzielen.

Zu seinen weiteren Kunden zählen namhafte Unternehmen wie Louis Vuitton, Montblanc, Hermès, Nike, Dom Pérignon, Jaeger-LeCoultre und Ferrari, um nur einige zu nennen.

Für Montblanc gestaltet er im Jahr 2015 einen Stift – den Montblanc M –, der, laut Newson, einfach, ikonisch, super funktional, einfach in der Nutzung und unprätentiös sein sollte. Montblanc sei, laut ihm, eine maskuline Marke, die vor allem Männer anspräche. Dies nahm er als Gelegenheit wahr, ein erfrischendes, modernes, geschlechtsneutrales Produkt in ihrer Produktpalette einzuführen.

In welchen Ausmaßen sich Newsons Denken und Wirken bewegt, soll der Sprung zu seiner Berufung als Creative Director der nationalen Fluggesellschaft Australiens Qantas Airways (2005-2015) verdeutlichen. Nicht nur zeichnet er für die Gestaltung der Qantas Airport Lounges verantwortlich, er übernahm auch die gesamte Innenausstattung des A380 im Jahr 2008 und schließlich des A330 im Jahr 2014. 

Seine umfassende Monografie »Marc Newson. Works 84-24« ist ein Testament für seine Fähigkeit präzise und flexibel in jeglichem Maßstab – von Stift, über Auto bis Flugzeug – zu denken und lässt beim Lesen auf eine inhärente, nie versiegende Schöpfungsquelle schließen, die Newson als Designer scheinbar mühelos zu verschiedenen Ufern fließen lässt. [DM]

Marc Newson. Works 84-24 Hardcover
29.2 x 39 cm, 5 kg, 496 Seiten, € 150
taschen.com

Chapter  Was hat dich nach Brooklyn Heights geführt?

Robert Rieger  In den letzten zwei Jahren war ich beruflich öfters in New York und habe dort dann noch Zeit privat verbracht. Brooklyn Heights stand natürlich auch auf der Liste der Orte, die ich unbedingt sehen musste. Es hat mich unheimlich fasziniert aus dem lauten und hektischen New Yorker Leben plötzlich in diesen ruhigen, wie auch aus der Zeit gefallenen, Distrikt zu kommen. Es war mir wichtig, diese gefühlte Zeitreise mit den Fotografien zu transportieren, weswegen ich bewusst viele Hinweise auf die heutige Zeit – Autos, CCTV-Kameras oder Klimaanlagen – aus der Komposition entfernt habe.

Chapter  Was macht es für dich spannend in einem Setting zu fotografieren, das Elemente deiner visuellen Handschrift bereits in sich trägt?

Robert Rieger  Es ist wahrscheinlich bei vielen Fotografen so, dass sie sich in Themen einarbeiten, die sich auch visuell in ihre Bildsprache einfügen. Aber weniger komplex macht dies das Fotografieren auch nicht, denn der Umgang mit Licht und Styling sind gerade im öffentlichen Raum nicht immer einfach. Man muss um Autos, Passanten und Werbetafeln arbeiten und natürlich auch die Bewohner respektieren. In Bezug auf Licht ist es entweder erforderlich sehr präzise zu planen, wann man fotografiert, oder man muss Glück mit dem gewünschten Licht haben.

Chapter  Welchen Stellenwert misst du als Fotograf klassischen Medien – Bildbänden und Print aller Art – persönlich bei?

Robert Rieger  Für mich ist es äußerst faszinierend mit dem Medium Buch zu arbeiten, da ich wenig analog fotografiere und im digitalen Zeitalter aufgewachsen bin. Umso wichtiger ist es für mich, jedes noch so kleine Detail zu berücksichtigen – angefangen bei der Kuratierung der Arbeiten bis hin zum Geruch und zur Haptik des Papiers. Ein entscheidender Punkt ist natürlich auch, dass anders als im Digitalen, etwaige Fehler nicht mehr korrigiert werden können. Gerade darin liegt, wie ich finde, ein besonderer Reiz.

Chapter  Da der Konsum von Bildern meist im digitalen Rahmen stattfindet, denkst du, dass Bildbände nach wie vor die Macht haben, den abgebildeten Arbeiten eine größere Wertschätzung  zu verleihen? 

Robert Rieger  Bildbände erfahren mehr denn je Wertschätzung – gerade dadurch, dass wir so viele Fotografien auf Displays betrachten, ist Rezeption auf Papier ein ganz anderes Erlebnis. Für mich war es wichtig mit dem Designer Maximilian Mauracher ein schönes Cover zu entwickeln, damit das Buch sich in Räumen als ästhetisches Objekt inszenieren lässt.

Façades of Brooklyn Heights von Robert Rieger, Hardcover, Hrsg. POOL Publishing

]]> https://chapter.digital/windscreen/ Sun, 05 Nov 2023 18:39:09 +0000 https://chapter.digital/?p=10015858 ERSCHIENEN IN CHAPTER №VIII »ELEMENTS« – SOMMER 2023

Inwieweit kann ein Blick in den Innenraum eines Fahrzeugs den Einfluss von Sprache, Religion, Wirtschaft, Politik und andere Wertsysteme im Privatleben der Besitzer:innen sichtbar machen? Der US-amerikanische Fotograf und Künstler Phil Jung hat mit seiner Kamera durch die Windschutzscheiben geparkter Autos geblickt und diese sonst selten so transparente Grenze zwischen öffentlichem und privatem Raum zum Thema seiner Bildreihe »Windscreen« gemacht.

 »I see this group of images as a contemporary look at our social landscape through the windshields, or windscreens, of parked cars. I am fascinated by how these unique personal spaces can be rendered in a photographic image. A car’s interior defines the line between public and private space. While peering into these spaces I wonder if the interior, often littered with personal articles, can describe the way language, religion, economy, government and other cultural phenomena play a role in the owner’s life. The largest challenge of the project is taking something as iconic as the automobile and adding something new to a conversation that has been going on since its inception. The gasoline-powered vehicles that were introduced in 1896 represented freedom, hope, exploration and independence – quintessentially American ideals. By 1947, when the photographer Wright Morris made his image of an aging Model T, those early ideals had already begun to deteriorate. Like Morris’s pictures, »Windscreen« is about a culture that is disappearing. When combing through neighborhoods for cars, I look first for the way light enters a car and renders color. If I find nothing inside its cabin that tells something about its owner, I move on. Above all, the car needs to be drivable or just recently taken off the road. If a car sits for too long uninhabited, it loses something. The composite of this space reflects who we are, where we come from and, possibly, where we are going.«

»Windscreen« von Phil Jung, erschienen bei TBW Books, 2022.

Der britische Innenarchitekt Jake Arnold, aktuell in Los Angeles lebend, gründete sein eigenes Designstudio Jake Arnold mit einer klaren Vision: Durch sorgfältig kuratierte Designobjekte möchte er Leichtigkeit, Luxus, Wohlbefinden und Komfort in das Leben seiner Klient:innen bringen. Bekannt für seinen eindrucksvollen und dabei dennoch »lebensnahen« Stil, erhebt die von ihm kreierte Inneneinrichtung stets den Anspruch die Menschen, die den Raum einnehmen, widerzuspiegeln. Laut ihm, steht die Transformation und Entdeckung von Emotionen stets im Mittelpunkt seiner Kreationen.

In Jake Arnold: Redefining Comfort präsentiert Jake Arnold neun vollständig realisierte Projekte – von weitläufigen Anwesen in Kalifornien bis hin zu Küstenhäusern in Florida. Mit einer Mischung aus inspirierenden Fotos und informativen Texten gelingt es Jake Arnold dabei seine Arbeit und den Designprozess erlebbar zu machen. So verknüpft er jedes Projekt mit einem Schlüsselwert seiner Designphilosophie, der den einzigartigen Charakter der Projekte definiert.

Während diese Werte zwischen den Kapiteln eingehend erforscht werden, belegen Skizzen, Materialproben und bevorzugte Ressourcen den jeweiligen Schaffensprozess. Seine modernen Räume überwinden Zeit und Trends, indem er die Traditionen seiner britischen Herkunft mit dem entspannten Luxus des zeitgenössischen, kalifornischen Lebensstils vereint. Großen Wert legt er dabei vor allem auf Funktionalität, Nachhaltigkeit und persönlichen Ausdruck in der Gestaltung. [SL]

Redefining Comfort, Jake Arnold, 2023. Erschienen im Rizzoli Verlag.

Obwohl der gebürtige Ire ursprünglich Film studierte, experimentiert Simon Watson seit jeher auch mit anderen Kunstformen, bis er schließlich über die Malerei bei der Fotografie landete. Nach »The Lives of Others« und »Portrait of a House« dokumentiert und porträtiert sein neuester Bildband »Afternoon at Palazzo Altemps« die eindrucksvolle Sammlung antiker Kunst des Palazzo, die auf Kardinal Markus Sittich von Hohenems zurückgeht. 

In den 1980er Jahren kam der Bau in den Besitz des italienischen Kulturministeriums und wurde nach langjähriger Restaurierung für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Genau zu dieser Zeit wohnte Watson in einem vom Palazzo unweit entfernten Apartment und so wurde das Museum für ihn zu einem häufig aufgesuchten Ort, die Statuen zu altbekannten Figuren. Als er im Juni 2021 im Rahmen eines Projektes Rom wieder besuchte, verbrachte Watson einen Nachmittag im Palazzo Altemps und hielt das eindrückliche Gebäude sowie seine umfangreichen Sammlungen fotografisch fest. Die im Buch abgedruckten Bilder entstanden alle an diesem Nachmittag, wie er näher ausführt: »Auch wenn ich an diesem Nachmittag nur drei oder vier Stunden dort verbracht habe, und die hier abgedruckten Fotografien alle in dieser Zeitspanne entstanden sind, so ist diese Arbeit dennoch eine Zusammenführung der vielen Besuche und Beobachtungen, die ich über lange Zeit gemacht habe. Es war nicht meine Intention, ein Buch daraus zu machen, aber zurück im Studio fanden die Figuren ihren Weg aus meinem Archiv auf die Seiten dieser Monografie.« [LM]

Afternoon at Palazzo Altemps, Simon Watson. Erschienen bei Dürer Editions.

Bereits im Alter von neun Jahren begann Colin King aus gefundenen Objekten Stillleben zu arrangieren und sie fotografisch festzuhalten. Ein Spiel, das seine Fortsetzung bis in die Gegenwart gefunden hat. Dank seines ausgeprägten Gespürs dafür Gegenstände und Räumlichkeiten miteinander in Bezug zu setzen, kann er heute auf zahlreiche richtungsweisende Projekte zurückblicken, bei denen er als Stylist und Produzent tätig war. Seine Arbeit beschreibt er wie folgt: »Meine Rolle als Stylist ist es, die Essenz eines Raumes herauszuarbeiten – alles aufzunehmen und zu erkennen, wie sich die Stimmung am besten bildlich übersetzen lässt. Ich versuche, Aufmerksamkeit auf unentdeckte Möglichkeiten zu lenken und neue Harmonien aus Formen zu kreieren, ohne dabei den Fokus des Gesamtraumes zu verlieren.«

Im seinem demnächst erscheinenden Buch »Arranging Things« teilt er neben Anekdoten auch poetische anmutende Gedankengänge, erläutert seinen Arbeitsprozess und zeigt wie man mit einzelnen Elementen ein atmosphärisches Ganzes schafft. Visuell erzählt wird seine Philosophie von zahlreichen Projektbildern – darunter auch Colin Kings eigener Wohnraum in New York. Jedes der acht Kapitel widmet sich einer bestimmten Art des Sehens und zeigt verschiedene Aspekte, die, laut ihm, für eine harmonische Raumgestaltung ausschlaggebend sind.

Objekte, aber auch Elemente wie Licht und Farbe, lassen sich als Bausteine in der Gesamtkomposition denken, die Spannungen und Harmonien erzeugen können. Eine wichtige Rolle spielen auch in Beziehung zueinander gesetzte Proportionen, Formen und Materialien. Er plädiert unter anderem für mehr Mut zum leeren Raum, um das Auge auf Raumelemente zu lenken und diese skulptural für sich stehen zu lassen.

Im Vordergrund seiner Arbeiten steht der Gedanke das eigene Verständnis von Schönheit durch die Auseinandersetzungen mit bereits Vorhandenen zu kultivieren. So wird das in Szene setzen von Gegenstände aus der Natur als wichtiger Teil von Kings künstlerischer Praxis beschrieben. Gefundene Steine oder Äste dienen dann als dekorative Elemente, wobei er erklärt: »Es geht darum, gewöhnliche Objekte zu schätzen und die Dinge durch Kontext und Komposition anders zu sehen.« Im letzten Kapitel, unter dem Titel »Signs of Life«, bringt er schließlich auf den Punkt, was für ihn als wesentlicher Aspekt des Einrichtens gilt: das Hervorheben – nicht das Verstecken – alltäglicher Imperfektionen und die Menschlichkeit eines Raumes. King stellt dabei fest: »Die besten Räume fühlen sich unerforscht an, die besten Bilder voyeuristisch«. [LM]

Arranging Things, Colin King und Sam Cochran, 2023. Erscheint im Rizzoli Verlag.

»Malen ist viel zu schwierig. Die Dinge, die ich zeigen möchte, sind mechanisch. Maschinen haben weniger Probleme. Ich wäre gerne eine Maschine, Sie nicht auch?«, lautet ein bekanntes Zitat von Andy Warhol. Obwohl die Aussage – wie für Warhol typisch – mit einem Augenzwinkern daherkommt, sagt sie doch viel über das Kunstverständnis des Pop-Art-Königs aus. So bewegte er sich mit seiner Arbeit stets an der Grenzlinie zwischen serieller Reproduktion und subjektivem Ausdruck. Das Serielle und das Individuelle begegnen sich auch in dem von ihm gestalteten BMW Art Car von 1979. Er bemalte die Oberfläche eines BMW M1 und konzentrierte sich dabei vor allem auf den Aspekt der Geschwindigkeit. »Ich habe versucht, Geschwindigkeit bildlich darzustellen. Wenn ein Auto wirklich schnell fährt, verschwimmen alle Linien und Farben«, so Warhol über sein Art Car. Schnelligkeit spielte auch bei der Gestaltung des Autos eine große Rolle: Nach nur einer halben Stunde hatte Warhol sein Werk vollendet – noch bevor sich die Filmcrew, die die Aktion dokumentieren sollte, in der Werkstatt eingefunden hatte. 

Andy Warhol, BMW M1, Art Car von 1979

Andy Warhols Art Car ist jedoch nur ein Beispiel für die Verschmelzung von Kunst und Maschine, die sich beim deutschen Automobilhersteller in den sogenannten »BMW Art Cars« ausdrückt. Ins Leben gerufen wurde die Reihe vom französischen Auktionator, Kunstliebhaber und Hobby-Rennfahrer Hervé Poulain. Er träumte 1975 davon, das 24-Stunden-Rennen von Le Mans in einem von einem Künstler gestalteten Rennwagen zu fahren. Sein Wunsch ging in Erfüllung und Poulain tatsächlich in einem Supersportwagen mit künstlerischem Anspruch in Le Mans an den Start. Das Auto: ein vom US-amerikanischen Bildhauer Alexander Calder bemalter BMW 3.0 CSL.

Alexander Calder, BMW Art Car (Artist’s Proof), 1975 / 2021

Seither sind 18 weitere BMW Art Cars entstanden, deren Entstehungsgeschichten im Bildband »BMW Art Cars« versammelt wurden. Zu den Künstlern und Künstlerinnen, die seit 1975 Art Cars gestalteten, gehören unter anderem Roy Liechtenstein, Frank Stella, Robert Rauschenberg, Jenny Holzer, David Hockney und Jeff Koons. Die Künstler und Künstlerinnen haben bei der Umsetzung ihrer Ideen stets freie Hand. Nimmt das Auto an einem Rennen teil, dürfen Aerodynamik und Gewicht allerdings nicht beeinträchtigt werden. So unterschiedlich die Autos auch aussehen, ist ihnen eine Sache dennoch stets gemein: Das Design des jeweiligen Automobils hatte immer deutlich sichtbaren Einfluss auf die kreative Gestaltung der Oberfläche. »Was die Signifikanz dieser Reihe zukünftig ausmachen wird, ist auch die sich konstant verändernde Wahrnehmung des Zusammenspiels von Design und Kunst«, schreibt Thomas Girst, Leiter des internationalen Kulturengagements der BMW Group, in seinem einleitenden Essay zum Bildband. 

Der amerikanische Künstler John Baldessari enthüllt seine Design Studie für das 19. BMW Design Car.

Den größten Bruch in der Art-Car-Reihe stellt für Thomas Girst Olafur Eliassons »Your Mobile Expectations: BMW H2R Project« aus dem Jahr 2007 dar. Der dänisch-isländische Künstler schuf sein Werk auf der Grundlage eines ihm überlassenen, rein mit Wasserstoff betriebenen Prototyps, des BMW H2R. Girst schreibt: »Der Künstler ersetzte die Außenhülle durch eine komplexe wie feingliedrige Haut aus zwei übereinanderliegenden, spiegelnden Metallschalen, die netzartig die Karosserie umhüllen und mit mehreren Eisschichten überzogen sind«. Daher konnte das von ihm gestaltete Art Car auch nur in einem Kühlraum bei etwas minus zehn Grad Celsius gezeigt werden. Über sein außergewöhnliches Projekt sagte Eliasson unter anderem: »Durch das Zusammenführen von Kunst, Design, sozialen und umweltspezifischen Aspekten hoffe ich, einen Beitrag dazu zu leisten, unser Denken, unser Fühlen und unsere Erfahrungen, die mit dem Auto verbunden sind, zu verändern und das Auto in Bezug zur Zeit und zum Raum, in der beziehungsweise in dem wir leben, zu setzen«. Zu seinem Projekt gehört auch ein Buch, das denselben Titel trägt wie das Art Car, und das als integrativer Bestandteil des Kunstprojekts zu verstehen ist. 

Nachdem 1975 das erste BMW Art Car in Le Mans präsentiert worden war, hoffte Hervé Poulain nicht nur, dass weitere Modelle folgen würden, er glaubte fest daran. »Schließlich hatte das Projekt einen einzigartigen kommunikativen Wert«, bringt es der Rennfahrer und Kunstliebhaber auf den Punkt. Auf Thomas Girsts Frage, welches Art Car ihm das liebste ein, antwortet er: »Und wenn ich Sie nun frage, welches Ihrer Kinder Ihnen das liebste ist? Die vier Art Cars, die ich fahren durfte, sind meine legitimen Töchter und jedes hatte seinen eigenen Charme und seine eigene Rennhistorie«. Wer sich selbst – wenn auch nur auf Papier – ein Bild machen möchte, dem sei der Band »BMW Art Cars« ans Herz gelegt.

BMW Art Cars, Thomas Girst (Hg.),  2018. Erschienen im Hatje Cantz Verlag.

Als Julia Boorstin 13 Jahre alt war, sagte ihre Mutter zu ihr, dass es nicht mehr lange dauern würde bis Frauen dieselben Chancen und Karrieremöglichkeiten haben wie ihre männlichen Kollegen. Alle Türen würden ihr offenstehen, dafür hätten Frauen wie Gloria Steinem und viele andere hart gekämpft. Boorstin quittierte ihre Aussagen damals mit einem Augenrollen, erkannte in ihnen eine Selbstverständlichkeit, die sich einige Jahre später als falsch herausstellen sollte. Ihre eigenen Erfahrungen als Journalistin in unterschiedlichen amerikanischen Medienhäusern (unter anderem: eine Kollegin, die ihr erklärte, sie solle bei der Happy Hour nach der Arbeit immer zwei Drinks hinter ihren männlichen Kollegen bleiben) wie auch die Erlebnisse und Geschichten anderer Frauen zeigten immer deutlicher, dass der Kampf, von dem ihre Mutter damals gesprochen hatte, noch lange nicht vorbei ist. Statt erneut mit den Augen zu rollen oder gar den Kopf in den Sand zu stecken, entschloss sich Boorstin dazu, zu handeln. 

Im Laufe der folgenden zwei Jahrzehnte, in denen sie als Fernsehreporterin und Schöpferin der CNBC-Serie »Disruptor 50« Tausende von Führungskräften interviewte und zusätzlich Studien wälzte, erkannte sie, dass die Utopie der Gleichberechtigung der Geschlechter nicht länger ein Hirngespinst sein sollte. All die gewonnen Erkenntnisse bündelte sie in ihrem Buch »When Women Lead«, das die Geschichten von mehr als 60 weiblichen Führungskräften mit aktuellen Studienergebnissen verschmilzt. »Erfolgreiche Unternehmerinnen wie Gregg Renfrew (CEO von »Beautycounter«) und ihre persönlichen und beruflichen Qualitäten aufzuzählen, schien mehr als mehr als genug Material für ein Buch zu sein«, schreibt Boorstin. Trotzdem reichte es ihr nicht. 

Sie setzt fort: »Als ich die Interviews führte, merkte ich jedoch, dass ich bessere Instrumente brauchte, um ihre Erfolge zu verstehen. Während ich diese unglaublichen Frauen interviewte, suchte ich auch nach Daten und Forschungsergebnissen, die mir dabei helfen könnten, ihre Ansätze zu kategorisieren und zu verstehen, warum sie funktioniert haben. Dann wollte ich herausfinden, ob diese Merkmale eher bei Frauen zu finden waren. Die Geschichten, die ich hörte, überschnitten sich schließlich mit den Studien, die ich las.« Die Verbindung des biographischen Materials, das sie in unzähligen Interviews sammelte, mit den von ihr recherchierten Studienergebnissen, gab Julia Boorstin Hoffnung, dass auf diese Weise neue Bilder von (weiblichen) Führungskräften entstehen könnten, die nichts mit den gängigen Klischees von finster dreinschauenden Anzugträgern oder Start-up-Gründern in hippen Kapuzenpullis zu tun haben. 

»Ich habe festgestellt, dass Frauen eine Reihe von Qualitäten besitzen. die mit wichtigen Führungsqualitäten korrelieren. Sie haben die Tendenz, bei ihrer Risikobewertung mehr auf Daten zu achten. Sie sind auch eher bereit, verschiedene Perspektiven in die Entscheidungsfindung einzubeziehen und sind daher besser in der Lage, sich in KollegInnen und KundInnen einzufühlen. Sie sind oft verletzlich und bereit, Erwartungen zu ignorieren und die Dinge auf ihre eigene Weise zu tun«, schreibt Boorstin. Am allermeisten beeindruckte sie jedoch, wie es vielen der Frauen, mit denen sie im Zuge der Arbeit an ihrem Buch gesprochen hat, gelungen ist, Kummer und Sorge in Mut zu verwandeln. »Es hat mich beeindruckt, dass Frauen viel rauflustiger, flexibler, dickhäutiger und innovativer sein mussten als ihre männlichen Kollegen  – und wie sich das in den Unternehmen, die sie aufgebaut haben, widerspiegelte.«

Insgesamt sprach Julia Boorstin für ihr Buch, das in drei große Teile gegliedert ist, mit 120 Frauen (darunter auch einige Männer). Nicht alle fanden ihren Weg in ihre umfassende Abhandlung. Zu den Frauen, die in »When Women Lead« vorkommen, gehören unter anderem Katrina Lake, Gwyneth Paltrow, Jenn Hyman, Whitney Wolfe Herd, Lena Waithe, Shivani Siroya, Julia Collins und viele andere. »Ich hoffe, dass die hier vorgestellten Strategien Ressource und Anhaltspunkt für alle Menschen sein können, die nach Wegen suchen, um im Geschäftsleben erfolgreich zu sein – unabhängig von ihrem Geschlecht«, so Boorstin.

      When Women Lead, Julia Boorstin, 2022. Erschienen bei Yellow Kite Books.

Schon vor Jahrhunderten waren nahe der Wohngebäude gelegene Stallungen für Zug- und Reittiere Teil des menschlichen Domizils. Pferde und Esel wurden damals vor die Kutschen gespannt, aus denen sich später die ersten Karosserien entwickelten. Und obgleich sich die Form und Art der Fortbewegungsmittel laufend veränderte, gab es stets eine entsprechende Parklösung, welche sich idealerweise in der Nähe des Hauses befand. So entstanden über die Epochen hinweg passende Nebengebäude, um die jeweiligen Fortbewegungsmittel geeignet abzustellen. In Städten, wo die Dichte an Menschen und somit auch Fahrzeugen größer ist, hat sich mit der Errichtung von Parkhäusern und Tiefgaragen sogar ein ganzer Architekturzweig entwickelt.

Da das Automobil neben einem reinen Fortbewegungsmittel aber unter anderem auch ein Liebhaberobjekt ist, das bei manchen Autoenthusiasten als automobiler Teil der Familie angesehen wird, der nicht einfach nur »geparkt« werden will, gibt es natürlich auch hier die entsprechenden architektonischen Niederschläge. Wenn eine starke emotionale Verbindung zum Fahrzeug besteht, scheint es fast natürlich, dass so auch der dafür vorgesehene Stellplatz physisch wie auch optisch immer näher zum Wohnraum rückt. Die Garage wird folglich nicht als ein rein funktionaler, sondern auch als ganzheitlich zu planender Raum und Teil des Hauses angesehen.

Haus & Auto führt uns auf rund 300 Seiten einmal um den Globus und präsentiert eine vielseitige Selektion außergewöhnlicher Häuser und ihrer Garagen. Anhand von 44 spektakulären Gebäuden zeichnet der Band nach, wie sich die Garage im Laufe der Zeit von einem rein funktionalen Raum hin zu einem Ort der Präsentation und der Freude entwickelt hat und gewährt uns einen Einblick wie Architektur- und AutoenthusiastInnen rund um die Welt ihre mobilen Mitbewohner gebettet haben. [MS]

Haus & Auto, Andreas K. Vetter, 2022. Erschienen bei Callwey.

 »It is not possible to always design the same. How to be different in each different place – that is the most important work and duty of the architect to find out«, fasst Nouvel die Herausforderungen seines Berufes zusammen. Eine Sichtweise, die ihm zahlreiche Projekte in amerikanischen und europäischen Metropolen bis hin zum Persischen Golf eingebracht hat. Zu seinen bekanntesten Arbeiten zählen dabei die Fondation Cartier in Paris, der Torre Glòries in Barcelona, das Kultur- und Kongresszentrum Luzern, der Louvre Abu Dhabi oder der Torre Rosewood des Luxushotels Cidade Matarazzo in São Paulo.

Louvre Abu Dhabi, 2006 – 2017

In einem Gespräch mit Autor Philip Jodidio beschreibt der Architekt seinen Stil so: »Although I have said that I have no style, I do – it is a matter of the permanence of an intellectual attitude. I don’t think you can take a building of mine and put it anywhere other than where it is, and that is not the case for many architects. In each case, there is an element of history that is engaged in a building. It is a matter of care, or even love, for a place and for people. Each time, the result is to some extent unpredictable.«

Sein internationaler Durchbruch gelang Nouvel mit dem Bau des Institut du Monde Arabe in den Achtzigerjahren in Paris. Dieses Gebäude sollte gleichzeitig auch das erste zahlreicher Bauwerke werden, die den Architekten nachhaltig mit dem arabischen Kulturraum verbinden würde. Denn bis heute arbeitet Nouvel wiederholt an anspruchsvollen Projekten im Mittleren und Nahen Osten. So folgte nach der Fertigstellung des Doha-Towers 2012 und der Eröffnung des bereits erwähnten Louvre Abu Dhabi im Jahr 2017, 2019 die Eröffnung des National Museum of Qatar, ebenfalls in Doha. Aktuell arbeitet der Architekt am Bau des Sharaan Desert Resorts in der saudi-arabischen Wüste. Ein weiteres außergewöhnliches und äußerst ortspezifisches Projekt, bei dem das geplante Luxusresort, direkt in einen Felsen geschlagen wird. »I decided to put the entire program into the stone, as opposed to creating buildings alongside them. We are making holes in the stone with vegetal and other motifs. There is a willful ambiguity between what already existed and what was formed by history and the wind. It is an integral part of this project. It might not be evident where geology ends, and architecture begins«, so Nouvel über das Projekt, dessen Fertigstellung für das Jahr 2024 vorgesehen ist.

Die Neuauflage der Monografie Jean Nouvel by Jean Nouvel, erschienen im Taschen Verlag und durch 25 aktuelle Projekte ergänzt, dokumentiert das facettenreiche Lebenswerk des Pritzker-Preisträgers. Knapp 800 Seiten gewähren einen umfassenden Einblick in die Arbeit und den schier endlosen Ideenreichtum jenes Architekten, der sich durch seine Werke stets neu zu erfinden scheint. [MS]

Sharaan Desert Resort, Al-’Ula, Saudi Arabia 2018 – ongoing

Cidade Matarazzo – Torre Rosewood, São Paulo (Brazil) 2012 – 2022

Jean Nouvel by Jean Nouvel. 1981 – 2022, 784 Seiten Erschienen im Taschen Verlag.

»We are a product of our environment. The spaces we inhabit and the objects we live with influence the way we feel, think, and behave, while they create the framework for our lives to unfold within.« Mit diesem Leitgedanken lädt der rund 300 Seiten umfassende Band zu einer visuell entschleunigten Reise um die Welt ein. Eine Reise, die uns von Belgien über Sri Lanka bis zurück nach Dänemark führt, wo das Studio seine Wurzeln hat. Acht Kapitel, welche in die thematischen Schwerpunkte Nature, Senses, Space, Essence, Light, Colour, Story und Time unterteilt sind, bilden dabei die einzelnen Stationen und sind gleichzeitig untrennbar von der menschenbezogenen Designphilosophie von Norm Architects. 

»Guided by the body and mind rather than by trends and technology, we aim to create designs that not only look good but also feel good. It’s about accommodating people through empathic design, rather than treating them as mere spectators of an aesthetic creation.« Ein Ansatz welcher von dem Studio unter anderem durch die Wahl natürlicher Materialien, einer ruhigen sowie zeitlosen Farbpalette und harmonischen Raumkonzepten erzielt wird. In dem Bemühen, unsere gebaute Umwelt ganzheitlich zu betrachten, wird in dem Band ansprechende Fotografie mit begleitenden Essays aus den Bereichen Design, Philosophie, Psychologie, Biologie und Anthropologie kombiniert.

Soft Minimal ist neben einem ästhetischen Nachschlagewerk und einer Inspirationsquelle auch Plädoyer für eine an den Sinnen orientierte Gestaltung von Räumen und Objekten, die unsere Lebensqualität konkret definieren. [MS]

Soft Minimal. A Sensory Approach to Architecture and Design, Norm Architechts. Erschienen im gestalten Verlag, 2022.

Die Art, wie wir uns bewegen, leben und arbeiten, hat sich in den letzten Jahrzehnten radikal gewandelt. Mit der stetig wachsenden Weltbevölkerung und ihren Bedürfnissen, welche sich beschleunigt durch Technologie rasant verändern, entwickelt sich auch unser Raumbedarf immer schneller. Dies verlangt nach zukunftsweisenden Architekturkonzepten, die auf die Herausforderungen unserer Zeit reagieren. Immer mehr ArchitektInnen finden mit der Weiterentwicklung und Umverwendung bestehender Gebäude außergewöhnliche Wege, diesem Bedarf nachzukommen und gleichzeitig nachhaltig zu agieren.

Welch wichtige Rolle die Vorgeschichte eines Gebäudes bei seiner Umverwendung spielen kann, zeigt sich zum Beispiel beim Umbau einer ehemaligen Gin-Destillerie in Mailand durch OMA, die in die neuen Räumlichkeiten der Fondazione Prada transformiert und 2015 als solche eröffnet wurde. Durch die Kombination bestehender Gebäude mit neu hinzugefügten Einheiten wurde in den Räumen der Fondazione eine inspirierende Atmosphäre geschaffen, die dem oft repetitiven Ambiente von Kunstausstellungsräumen entgegenwirkt, neue Reaktionen provoziert und so den kreativen Austausch fördern kann.

Eine Reformierung bestehender architektonischer Strukturen kann jedoch auch dafür sorgen, das Gebäude wieder in Einklang mit ihrem Umfeld kommen. So wurde ein ehemaliges Kraftwerk im Herzen Madrids mit seinen robusten Backsteinmauern durch Herzog & de Meuron wieder auf Augenhöhe mit den eleganten Nachbarschaftsgebäuden des Paseo del Prado und des Königlichen Botanischen Gartens gebracht. Durch die bauliche Ergänzung und die Umwandlung des ehemaligen Kraftwerks, in das Kunst- und Kulturcenter der Fundación La Caixa in Madrid, ist es gelungen, das Gebäude in die Umgebung zu integrieren, eine visuelle Verbindung zur umliegenden Architektur zu schaffen und gleichzeitig das industrielle Erbe der Stadt zu würdigen.

In Spaniens nordafrikanischer Enklave Mellila hat die durch Ángel Verdasco Arquitectos durchgeführte Neuausrichtung einer ehemaligen Markthalle zu einer Wiederzusammenführung der lokalen Bevölkerung geführt. Als die Markthalle, welche durch ihre ursprüngliche Funktion auch als Treffpunkt verschiedener Glaubensgemeinschaften der Stadt fungierte, 2003 geschlossen wurde, führte dies zu einem Bruch des lokalen Zusammenhalts. Durch die Wiedereröffnung des Gebäudes als Musikakademie, Sprachschule und Bildungseinrichtung für Erwachsende konnte dieser für die lokale Bevölkerung bedeutende Raum des Zusammenseins wieder und weiterhin als Zentrum interkulturellen Austausches genutzt werden.

Auf 256 Seiten wird in Building for Change anhand zahlreicher Beispiele der unglaubliche Ideenreichtum unserer Zeit demonstriert. Gleichzeitig wird verdeutlicht, welche Bedeutung innovative Architektur nicht nur im Hinblick auf eine nachhaltigere Zukunft hat, sondern auch, wie entscheidend sie unsere kulturellen und räumlichen Erfahrungen der Gegenwart prägt. [MS]

Building for Change. The Architecture of Creative Reuse, 2022. Erschienen im gestalten Verlag.

Die künstlerische Strömung auf Cape Cod begann mit den sogenannten »Brahmin Bohemians«, einer Gruppierung an Kreativen, welche dort ihrer nonkonformistischen Lebensweise auch architektonisch Ausdruck verlieh. In diesem Zusammenhang entstand unter anderem das außergewöhnliche Studio von Jack Phillips, welches er 1938 erbaute. Das trapezförmige Gebäude mit Zedernholzverkleidung war an der Front mit übergroßen Fensterflächen ausgestattet und offenbarte den Blick auf das Wasser. Durch die leicht konkave Neigung des Daches fügte es sich nahtlos in die umliegenden Dünen ein.  

Wenige Jahre darauf traf der Autodidakt Phillips auf die Bauhaus Künstler Walter Gropius und Marcel Breuer, was die Geburtsstunde einer interkulturellen Gemeinschaft und der Verbreitung moderner Bauten markierte. So gestaltete etwa Serge Chermayeff ein Studio, das durch seine Farbgebung zum Blickfang der Halbinsel wurde. Die Fassade des rechteckigen Baus dominierten rechteckige Fenster und Paneele, welche in Primärfarben gestrichen und durch X-förmige Streben gebrochen wurden. Chermayeff erschuf damit ein modulares System, welches sich, ganz im Sinne der Bauhausphilosophie, individuell erweitern und umgestalten ließ. 

Ati Gropius Johansen, Adoptivtochter von Walter Gropius, erinnert sich an die Zeit auf Cape Cod: »Es war eine Gemeinschaft gleichgesinnter AvantgardistInnen, eine authentische Lebensform und eine Spielwiese für kreative Köpfe.« Etwa 100 Häuser der künstlerischen Gruppierung befanden sich in den 1970er Jahren auf Cape Cod, welche diese entfesselte Kreativität auf unterschiedliche Weise widerspiegelten. Von aufwendigen Konstruktionen bis hin zu minimalistischen Betonbauten bietet die Bucht somit eine wahre Spurensuche spätmoderner Architekturformen. 

Nach siebenjähriger Recherche präsentieren Christine Cipriani und Peter McMahon mit Cape Cod Modern eine detailreiche Studie dieser kulturellen Entwicklung. Ausgestattet mit über 200 Archivbildern, Fotografien von Raimund Koch und Zeichnungen von Thomas Dalmas zeigt das Buch einen umfassenden Einblick in die architektonischen Besonderheiten von Cape Cod und lässt sowohl in die künstlerischen Strömungen dieser Zeit als auch in die Lebenswelten der bedeutendsten ArchitektInnen eintauchen. [LM]

Cape Cod Modern. Mid-Century Architecture and Community on the Outer Cape von Christine Cipriani und Peter McMahon, Hardcover, 220 x 260 mm, 272 Seiten. Erschienen im Metropolis Verlag.

Wenn es nach dem frühen Logo-Pionier und Grafiker Fritz Helmuth Ehmcke geht, sind Logos die Wahrzeichen einer Ware. Sie halten bildlich fest, wofür eine Marke steht – was sie auszeichnet. Und doch sind sie alles andere als in Stein gemeißelt, wie Jens Müllers umfangreicher Bildband Logo Beginnings zeigt. Wer sich beispielsweise das Logo des deutschen Autoherstellers Opel ansieht, wird schnell bemerken, dass es zwar einige Kontinuitäten gibt, sich gestalterisch über die Jahrzehnte jedoch viel getan hat. Während Ende der Zwanzigerjahre ein Hauch von Bauhaus und Neuer Typografie die Werbekommunikation von Opel prägte, rückte Anfang der Achtziger das Thema Corporate Design stärker in den Fokus. Ergänzend zum Logo wurde ein grafisches Element, bestehend aus drei abgeschrägten Flächen eingeführt. Das Opel-Logo selbst wurde in den 2000er-Jahren, gemäß dem damals vorherrschenden Trend, mit allerlei Effekten versehen, die 2017 wieder zur Gänze verschwanden. Die etwa 160-jährige Logogeschichte von Opel stünde, so Müller, fast exemplarisch für die Entwicklung der europäischen Industrialisierung. 

Warenzeichen als Wahrzeichen

Bei anderen berühmten globalen Marken wie Ford, Rolex, Lufthansa oder Louis Vuitton hat sich das Logo hingegen nur marginal bzw. gar nicht verändert. Jens Müller versammelt in seinem Buch mehr als 6.000 Logos von der Mitte des 19. Jahrhunderts bis 1940. Anfangs noch deutlich figurativer, entwickelten sich im Laufe der Zeit immer abstraktere Gestaltungsweisen. Bei jenen Logos, die große Wellen der Veränderung durchlaufen haben und anhand derer sich gestalterische Trends der letzten Jahrzehnte gut nachzeichnen lassen, bildet Müller auch aktuellere Markenzeichen ab. Gegliedert ist Müllers Logo-Katalog in vier übergeordnete Design-Rubriken: »Figürlich«, »Form«, »Effekt« und »Typografisch«.

»Logobücher wie dieses hier dokumentieren seit vielen Jahrzehnten die Entwicklung dieses Bereiches. Sie konservieren ein nur schwer zu archivierendes Medium, regen zu neuer Gestaltung an und liefern den Kontext zu Entwürfen, die im Alltag weitgehend unkommentiert blieben«, schreibt Müller. Die vielleicht erste Publikation, die sich mit diesem Bereich beschäftigte, stammt aus dem Jahr 1921. Der deutsche Grafikdesigner Fritz Helmuth Ehmcke, selbst ein bedeutender Pionier in der Frühgeschichte des Logos, stellte unter der Überschrift »Wahrzeichen – Warenzeichen« eine Sonderausgabe der Designzeitschrift Das Plakat zusammen, die etwas später auch in Buchform herausgegeben wurde. In Jens Müllers Bildband findet sich ein vollständiger Nachdruck dieses ersten modernen Logobuchs. 

Der Logo-Detektiv 

Das erste in den USA registrierte Logo wurde für den Farbenhersteller Averill entworfen und stammt aus dem Jahr 1870. Es zeigt die Silhouette der Stadt Chicago in Verbindung mit einem Adler, der einen Pinsel im Schnabel hält und von einer Banderole mit den Begriffen »Durable, Beautiful, Economical« umrahmt wird. Das erste in Europa registrierte Zeichen war 1875 dagegen schlicht ein rotes Dreieck, das für die britische Brauerei Bass stand. Es sei kein Zufall, dass um das Jahr 1970 sowohl die USA als auch westeuropäische Länder wie Großbritannien erste Gesetze zum Schutz von Markenzeichen einführten, erläutert Jens Müller. Aus der Möglichkeit größerer Warenverbreitung »erwuchsen neuartige Konkurrenzsituationen, die eine Kennzeichnung und Unterscheidbarkeit von anderen Anbietern gleicher Produkte notwendig machten«. Allein in Deutschland waren Anfang der 1910er-Jahre bereits über 150.000 Warenzeichen eingetragen und gesetzlich geschützt. Bei dieser Logo-Fülle und dem damit einhergehenden Umfang des Bildbands, ist es alles andere als verwunderlich, dass Jens Müller bereits als »Logo-Detektiv« bezeichnet wurde. 

»Logo Beginnings« ist 2022 im Taschen Verlag erschienen. 

Das 2016 fertiggestellte Sumida Hokusai Museum in Tokyo ist dem bedeutenden japanischen Maler Katsushika Hokusai (1760–1849) gewidmet. Der Bau wurde von Architektin Kazuyo Sejima entworfen.

Die Metabolisten

Mit den experimentellen Kontruktionen der Expo ’70 in Osaka betraten die Metabolisten die Weltbühne und läuteten eine neue Ära ein. Ins Leben gerufen in den 1960er Jahren von einer Gruppe junger japanischer Architekten sollten ihre Bauten sich – wie ein Organismus – den Anforderungen des menschlichen Wohnraums anpassen. Ihre Entwürfe waren tief in der japanischen Bautradition verwurzelt, welcher sie, laut Gründungsmitglied Kisho Kurokawa, »eine neue Ästhetik, die auf Bewegung basiert entgegenstellen«. Seitdem fällt Japan eine Schlüsselposition in der globalen Architektur zu. 

Tadao Andō & die zeitgenössische japanische Architektur

Als einer der weltweit renommiertesten zeitgenössischen Architekten gilt der 1941 in Osaka geborene Tadao Andō. Obwohl er selbst nie Architektur studierte, scheint es umso bemerkenswerter, dass der Autodidakt der einzige Architekt ist, der die vier wichtigsten internationalen Preise seiner Branche gewonnen hat: den Pritzker-Preis, den Praemium Imperiale, den Carlsberg Architektur-Preis und den Kyoto Preis.

Mit meisterhaften Konstruktionen verhalf Tadao Andō der japanischen Baukunst zu weiterem internationalen Renommee.

Nachhaltigkeit 

In der Folge bereiteten Architekten wie Shigeru Ban (Mount Fuji World Heritage Center), Kazuyo Sejima (Museum für Kunst des 21. Jahrhunderts in Kanazawa) und Kengo Kuma (Nationalstadion von Tokio, ursprünglich geplant für die Olympischen Spiele 2020) den Weg für nachhaltigere Ansätze.

Mit seinem im Jahr 2010 in Yusuhara, Kôchi, Japan entstandenen Projekt schafft Kengo Kuma ein Bauwerk im Einklang mit der Umwelt, Bautraditionen und verfügbaren Ressourcen. 

Mit eindrucksvollen Bildern, Originalgrundrissen, technischen Zeichnungen sowie konzeptionellen Beschreibungen und Kurzbiografien zeichnet Contemporary Japanese Architecture von Philip Jodidio die jüngsten Entwicklungen in der japanischen Baukunst nach. Alle 39 Architekten und Architektinnen mit insgesamt 55 vorgestellten Projekten zeichnen sich durch eine schier endlose Suche nach Formen aus, mit denen sie auf ihre Umgebung reagieren, anstatt Häuser am Reißbrett zu entwerfen. Ein ausführlicher Essay zeichnet die Bauszene von den Metabolisten bis heute nach und verdeutlicht, dass ein Zusammenspiel von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft das Fundament zeitgenössischer japanischer Baukunst bildet, wie es in keinem anderem Land möglich wäre. Erschienen im TASCHEN Verlag.

Contemporary Japanese Architecture von Philip Jodidio
Hardcover, 24,6 x 37,2 cm, 448 Seiten