»I made a drawing that consisted of a single line«, erinnert sich Peter Schreyer, Chief Design Officer bei Kia Motors, im Buch Roots and Wings, kürzlich erschienen im gestalten Verlag, das die Entstehung seiner 15 eindrucksvollsten Entwürfe beleuchtet. Er fügt hinzu: »Then a phrase came to my mind – I don’t know if I’d heard it somewhere else before or not – and I wrote it on the drawing: ›Simplicity of the Straight line‹.« Diese im Buch abgebildete Zeichnung präsentierte er damals, kurz nach seinem Einstieg bei Kia im Jahr 2006, dem damaligen Präsidenten der Kia Motors Corporation Euisun Chung. »It was intended to act as a symbol of my way of thinking and as a statement of what I wanted to achieve at Kia«, so der vielfach ausgezeichnete Designer, der eine Bilderbuchkarriere im VW-Konzern hinlegte, bevor er kurzerhand die Chance ergriff, die Marke Kia gestalterisch umzukrempeln.

Es wäre also naheliegend, dieses von ihm entwickelte Credo auch auf seine Karriere umzulegen und relativ frei mit »Alles lief wie am Schnürchen« zu übersetzen. Doch so einfach ist die Sache nicht, wie Roots and Wings mit vielen Bildern und Geschichten aus dem Leben und Schaffen des Designers zeigt. Eines liest man aus den Texten aber auf jeden Fall heraus – nämlich die Geradlinigkeit, Klarheit und Bodenständigkeit, die den 1953 in Bad Reichenhall geborenen Automobildesigner zu einem der besten seines Fachs machen.

Das neue Gesicht, das er der Marke Kia gab, markiert einen dieser Umbrüche, der zum damaligen Zeitpunkt – Schreyer hatte damals gerade die Position des VW-Konzerndesignchefs inne – auch für viel Unverständnis in der Branche sorgte. 2007 präsentierte er die neue gestalterische Ausrichtung mit dem »Kia Kee Concept«, der als erstes Auto die für die Marke typisch gewordene Front – die sogenannte »Tiger Nose« – aufwies. »We wanted to create a frontal element so strong, that you wouldn’t even need the Kia Badge as an identifier«, so Schreyer. Und es gelang ihm.

Die Tigernase ist jedoch nur einer vieler Fußabdrücke, die Peter Schreyer bisher im Automobildesign hinterlassen hat. Mit dem Audi A2, dem Audi TT oder dem VW Beetle prägte er auch andere Marken nachhaltig. Dafür verlieh ihm das Royal College of Art, wo er auch studierte, 2007 die Ehrendoktorwürde. Damit ist Schreyer nach Sergio Pininfarina und Giorgetto Giugiaro erst der dritte Automobildesigner, dem diese Auszeichnung zuteilwurde. Für Roots and Wings hat Schreyer erstmals eine Liste seiner fünf wichtigsten Designprinzipien formuliert.

Was es sonst noch über Peter Schreyer zu erzählen gibt? Sehr viel. Sehr, sehr viel sogar. Unter anderem, dass er im Alter von vier Jahren bereits Autos malte oder, dass er in den 1980er Jahren bei Audi Schlittenrennen organisierte, bei dem die wichtigsten Automobildesigner dieser Zeit mitmachten. Und natürlich darf auch seine Liebe für die Kunst der Dadaisten nicht unerwähnt bleiben. In Roots and Wings werden nicht nur sehr bilderreich, sondern auch mithilfe vieler Geschichten und Anekdoten sämtliche Aspekte einer beeindruckenden Karriere ausgeleuchtet. Erschienen im gestalten Verlag.

Roots and Wings. Peter Schreyer: Designer, Artist and Visionary von gestalten, Hardcover, 21 x 26 cm, 208 Seiten

Es ist keine Übertreibung zu behaupten, dass das Tantris zu seiner Eröffnung 1971, also vor exakt einem halben Jahrhundert, die Haute Cuisine nach Deutschland gebracht und seitdem immer wieder maßgebende Akzente für Deutschlands Spitzengastronomie gesetzt hat. 

1973 erkochte Eckart Witzigmann für das Tantris den ersten Michelin-Stern Deutschlands, zwei Jahre später kam dann die Auszeichnung mit dem zweiten Stern. Auch diese Ehre wurde keinem anderen deutschen Restaurant zuvor zu Teil. Als Witzigmann dann 1980 den ersten deutschen dritten Stern erhielt, war er zwar bereits in seinem eigenen Restaurant, dem Aubergine, doch nur ein Jahr später erkochte Heinz Winkler, Witzigmanns Nachfolger, drei Sterne fürs Tantris. Mit seinen damals 31 Jahren hält er bis heute den Rekord als jüngster Drei-Sterne-Koch Deutschlands. 

Unter Winklers Nachfolger Heinz Haas wurde das Tantris dann endgültig zu einer Institution, auch wenn ihm der dritte Michelin-Stern verwehrt blieb. Mit durchgehend zwei Sternen während seiner Verweildauer von stolzen 29 Jahren, bis zum letzten Jahr, war das Haus auch unter seiner Regide stets in der Gastrobibel vertreten.

Seit Oktober ist das Tantris nach zehnmonatiger Renovierung wieder eröffnet, unter dem Überbegriff  Tantris Maison Culinaire befinden sich hier nun das Menü-Restaurant Tantris, das neu geschaffene A-la-carte-Restaurant Tantris DNA und die Bar Tantris. 

Dass man auch weiterhin vorhat, ganz oben in der Gastro-Liga mitzuspielen, zeigt ein Blick auf die Vita der neuen Köche. Im Tantris DNA interpretiert Küchenchefin Virginie Protat, die ihr Handwerk am Institut Paul Bocuse gelernt hat, Klassiker des Restaurants aus den vorherigen fünf Jahrzehnten. Fürs Menü-Restaurant wurde Benjamin Chmura gewonnen, der zuvor in der französischen Institution Troisgros tätig war und ebenfalls am Institut Bocuse lernte. 

Doch nicht nur kulinarisch, sondern auch architektonisch war und ist das Tantris von Anfang an einzigartig. Der Architekt Justus Dahinden entwarf im Auftrag des Bauunternehmers Fritz Eichbauer ein brutalistisch-sakral anmutendes Gebäude, das heute noch einen avantgardistischen Fremdkörper im beschaulichen, gut-bürgerlichen Münchner Stadtteil Schwabing darstellt. Begrüßt wird der Gast im Tantris zuallererst von zwei beflügelten Betonskulpturen des Schweizer Künstlers Bruno Weber.

Im Inneren ist das Haus optisch eine Mischung aus Märchenwald auf Steroiden und Edelkabarett. Die vorherrschenden Farben sind neben dem grauen Sichtbeton Hummerrot und Trüffelschwarz. Besonders reizvoll ist neben dem Spiel mit den beiden Signaturfarben auch der Umgang mit Materialien und ihrer Beschaffenheit. Roten geometrischen Klarlacklampen von Verner Panton stehen beispielsweise organisch geformte Samtstühle in der gleichen Farbe gegenüber. 

Die gerade abgeschlossene neueste Renovierung wurde nach allen Auflagen des Denkmalschutzes, unter dem das Gebäude steht, durchgeführt und dadurch die Identität des Hauses trotz sanfter Erneuerungen gewahrt. Zum Glück, denn so markant das Tantris seine Geburtsstunde in den frühen Siebzigerjahren auch offenbart, so zeitlos ist es doch in seinem Dasein als Gesamtkunstwerk. 

Genau wie in der Küche wird dabei auch im Design auf sämtliche Details geachtet. Das Porzellan des Hauses stammt von der Münchner Manufaktur Nymphenburg, die Gläser von Riedel und selbst das Papier für Speise- und Getränkekarten ist Qualitätsware von der Büttenpapierfabrik Gmund am Tegernsee.

Das Tantris wurde als Ort geschaffen, an dem Haute-Cuisine mit allen Sinnen zelebriert wird, also auch mit den Augen. Dass dabei in diverser Hinsicht auch ein bisschen Exzentrik zugelassen wurde, macht das Erlebnis hier zu essen bis heute zu etwas ganz Besonderem. [AD]

Tantris Maison Culinaire, Johann-Fichte-Str. 7, 80805 München
tantris.de

Fritz und Grete Tugendhat vertrauten dem deutsch-amerikanischen Architekten bei der Planung des Hauses vollkommen und ließen ihm auch bei der Gestaltung der Innenräume freie Hand. In der Villa Tugendhat wurde die Idee separater Räume zugunsten eines großen Wohnzimmers in der Mitte des Hauses aufgegeben. Die großzügige Verwendung von Glas führt dabei zu einer spektakulären Verschmelzung von Innenraum und Natur. Das Design des Hauses war ganzheitlich – von seiner Stahlkonstruktion, die als Teil der Einrichtung behandelt wurde, bis hin zu den Lichtschaltern und Möbelstücken.

Mit der Villa Tugendhat wurde ein Bauwerk geschaffen, welches im Spannungsfeld der Zeit verschiedene Seiten der Geschichte bezeugte und so auch sozialgeschichtlich von großer Bedeutung ist. Ein Gesamtkunstwerk, das seit 1938 von Zweckentfremdung und Zerstörung bedroht wurde und dennoch allen Katastrophen der Zeit trotzte. Nach umfangreicher Restaurierung wurde es im Jahr 2012 der Öffentlichkeit übergeben.

Das Buch Haus Tugendhat. Ludwig Mies van der Rohe, erschienen im Birkhäuser Verlag, beschreibt die architektonische, gestalterische, historische und politische Bedeutung des Hauses aus verschiedenen Perspektiven und baut auf der 1988 erschienenen Monographie von Daniela Hammer-Tugendhat und Wolf Tegethoff auf. In dem umfangreichen Band beleuchten sie die privaten, historischen, architekturtheoretischen und konservatorischen Aspekte dieses besonderen Hauses. [Red.]

Haus Tugendhat. Ludwig Mies van der Rohe von Daniela Hammer-Tugendhat, Ivo Hammer, Wolf Tegethoff, Hardcover, 272 Seiten

]]> https://chapter.digital/bewegte-zeiten/ Tue, 09 Nov 2021 12:19:48 +0000 https://chapter.digital/?p=10007083 Das Buch The Current. New Wheels for the Post-Petrol Age widmet sich der Frage, wie Mobilität in Zukunft aussehen könnte. Wobei hier eigentlich der Plural verwendet werden müsste, denn wie der im gestalten Verlag erschienene Bildband zeigt, ist eines jetzt schon sicher: Der Vielfalt der Formen sind kaum Grenzen gesetzt. 

Die große Frage, wie denn nun fortzufahren ist, beschäftigt die Menschheit momentan auf einer Vielzahl von Ebenen. Und in vielen Bereichen lautet die Antwort: »Auf keinen Fall so wie bisher. Schließlich haben wir nur diesen einen Planeten«. Das Buch The Current. New Wheels for the Post-Petrol Age beantwortet diese Frage, in dem es den Begriff »fortfahren« wortwörtlich nimmt – und auf bilderreiche Weise untersucht. Gleichzeitig bleibt die anfangs angedeutete Bedeutungsebene erhalten, denn jede Antwort auf die Frage, wie wir uns im »Post-Petrol Age« fortbewegen möchten, kann ein Puzzleteil im Kampf gegen den Klimawandel sein. Das vom Kolumnisten und Motorrad-Experten Paul d’Orléans mitherausgegebene Buch beginnt mit einer ausführlichen Rückschau auf bisherige Vorstöße in Sachen Elektromobilität und stellt gleichzeitig eines klar: Electricity is modernity. Das war nicht nur bei der Erfindung der elektrischen Glühbirne so, sondern das trifft auch auf unsere heute Zeit zu – vor allem dann, wenn es um die Mobilität der Zukunft geht. 

Neu gewonnener Gestaltungsspielraum

Dabei beschränkt sich The Current nicht auf das Automobil, sondern legt den Fokus ebenso auf Motorräder, Fahrräder und Fahrzeuge, die sich nicht eindeutig einer dieser Kategorien zuordnen lassen. Als Verbindungsstücke zwischen den einzelnen Fahrzeugen scheinen vor allem zwei Dinge zu fungieren: visionäres Denken und außergewöhnliche Gestaltung. So wird beim Durchblättern des Buches schnell klar, dass mit dem Umstieg auf eine andere Antriebsform auch ein neu gewonnener Gestaltungsspielraum für die Designerinnen und Designer einhergeht. Zum Beispiel beim Motorrad E-Raw des Herstellers Essence Motorcycles, das die Absenz des Tanks auf besondere Weise in Szene setzt. Oder auf sehr viel futuristischere Weise beim Concept Car Lo Res Car der Schuhmarke United Nude, das Anleihen am ikonischen Lamborghini Countach nimmt. Aber auch Lamborghini selbst ist in The Current vertreten. Und zwar mit dem hyperfuturistischen Konzeptfahrzeug Terzo Millennio, entworfen von Designchef Mitja Borkert.

To infinity and beyond

Auf der anderen Seite der Skala, aber nicht weniger spektakulär: Die Motorräder Gloria von Jambon-Beurre Motorcycle, die mit personalisierten Designlösungen und einem coolen Exterieur mit den großen Marken mithalten möchten. Der Prototype 9 der Marke Infiniti zitiert den 1965 gebauten Rennwagen R380 der Marke Prince, die ein Jahr später von Nissan übernommen wurde. »The sketch of a ›lost‹ Nissan mono-poste racer was intended as a thought Experiment, but when Albaisa (Alfonso Albaisa, Vice President of Global Design Nissan, Anm.) shared it with his colleagues, the idea proved so compelling to Infiniti’s design team they conspired to have it built«, kann in The Current nachgelesen werden.  Bei den hier erwähnten Beispielen handelt es sich selbstverständlich nur um einige wenige visionäre Fahrzeuge, die in diesem bildstarken Buch versammelt wurden. Erschienen im gestalten Verlag. 

The Current, New Wheels for the Post-Petrol-Age von gestalten und Paul d’Orléans, Hardcover, 21 x 26 cm, 208 Seiten

]]> https://chapter.digital/meister-der-harmonien/ Thu, 04 Nov 2021 15:25:48 +0000 https://chapter.digital/?p=10006990 Axel Vervoordt sammelt und handelt mit Kunst und Antiquitäten. Er richtet die Häuser einer illustren und oftmals berühmten Klientel ein und designt selbst Möbel. Den Begriff des Dekorateurs mag er nicht. Chapter sprach mit dem Ästheten, der es wie kein anderer schafft, mit sanften Tönen und ruhigen Formen sensationelle Räume zu gestalten, die in ihrer Zurückhaltung mehr Aufmerksamkeit auf sich ziehen als so manch aufdringlich lautes Design.

Zu Gunsten der universellen Harmonie ist es unumgänglich beim Einrichten des eigenen Hauses auf ein alle Aspekte berücksichtigendes Gesamtkonzept zu setzen, schließlich sollen im besten Falle Architektur, Einrichtung und Kunst, zusammen mit dem Umfeld eine Einheit bilden. Genau diese Feinsinnigkeit ist es, die allen Realisationen Axel Vervoordts inne zu wohnen scheint. »Der Aspekt der Universalität hat mich immer inspiriert und ist das, was ich bei all meinen Aktivitäten als Ziel habe: Ich möchte Räume schaffen, die meine Kunden und Kundinnen lieben und in denen sie ihr gesamtes Leben lang leben möchten. Architektur und Kunst sind dabei meine Werkzeuge.« Und insbesondere der Kunst kommt dabei eine besondere Rolle zu, betont Vervoordt: »Viele meiner Kunden und Kundinnen entdecken sich selbst durch die Kunst, die ich ihnen vermittle.« Durch diese Art des Arbeitens, wird das Haus vom reinen Wohnort zum in vielerlei Hinsicht erfüllenden Lebensraum erhoben.

Beim Betrachten von Vervoordts Werk, kommt man nicht umhin festzustellen, wie zeitlos sein Schaffen ist. Auf den ersten Blick ist es kaum möglich, den verschiedenen Projekten eine Jahreszahl zuzuordnen. Sie alle wirken immer zeitlos modern, auch wenn seine Realisationen mehr als fünf Jahrzehnte umfassen. Wie ein roter Faden zieht sich dabei durch nahezu alle von ihm gestalteten Häuser und Wohnungen das von Vervoordt so geliebte japanische »Wabi-Sabi« Konzept, bei dem Einfachheit und Reduzierung im Vordergrund stehen, um so die Schönheit und Eleganz von Naturmaterialien in den Vordergrund zu stellen. 

Vervoordts 2010 erschienenes Buch Wabi-Inspirations veranschaulicht mit welcher Perfektion und Mühelosigkeit der Belgier dieses Konzept in seinen Arbeiten interpretiert und ihm gleichzeitig seine ganz eigene Handschrift verleiht. Bereits in den hochwertigen Fotografien schaffen es die Farben seiner Räume eine warme Tiefe auszustrahlen, die den Betrachter spüren lässt, dass Harmonie bei Vervoordt nicht nur eine leere Verkaufsphrase ist. Die Liebe zum Minimalismus bedeutet bei Vervoordt nicht, dass er nur puristische Lofts gestaltet. Besonders anschaulich ist dies in seinem neuesten Bildband Portraits of Interiors. 

Er selbst lebt in einem Schloss aus dem 18. Jahrhundert mit mittelalterlichen Wurzeln. »Ich liebe alle Stile und Epochen, solange sie echt und ehrlich sind. Ich empfinde es als Ehre in meinem Haus mit seiner Vergangenheit leben zu dürfen, es im bestmöglichen Zustand zu erhalten, um es dann irgendwann an die nächste Generation zu übergeben.« Im Kontrast dazu stehen seine Galerien und Büros nahe Antwerpen, die im neu belebten Industriegebiet Kanaal am Ufer des Albert Kanals liegen. »Ich schätze diese Gegend genauso. Gemeinsam mit dem Schloss bilden beide Orte mein Yin und Yang.« 

Trotz all dem Minimalismus – Vervoordt, das ist Luxus. Sämtliche seiner Möbel werden in einem Workshop von spezialisierten Handwerkern gefertigt. Dementsprechend ehrlich ist auch Vervoordts Antwort auf die Frage, ob es ihn reizen würde Dinge zu einem niedrigeren Preis zu kreieren, um einer breiteren Masse zugänglich zu werden . »Unser Ansatz, recycelten Materialien ein neues Leben zu geben, bedeutet, dass es sich bei jedem Stück um ein Unikat handelt, was unsere Kunden und Kundinnen sehr schätzen. Es erfordert aber auch eine geschickte Herstellung und teilweise sehr zeitaufwändige Handarbeit. Daher fürchte ich, dass es unmöglich ist, eine breitere Zielgruppe zu erreichen.«  

Die Kundenliste von Vervoordt liest sich dabei wie das Who is Who aus Wirtschaftsprominenz und Showbusiness. Bill Gates, Calvin Klein, Kanye West und Kim Kardashian sind nur einige der klangvollen Namen auf der Liste derer, die sich als privaten Rückzugsort einen luxuriösen Vervoordt-Kokon gönnen. Es ist wohl nicht zuletzt Vervoordts Einfühlsamkeit, die ihn bei dieser Klientel so beliebt macht. »Für Menschen mit einer prall gefüllten Agenda und einem extrem hektischen Alltag ist ein Rückzugsort, an dem sie ein einfaches, stressfreies Familienleben genießen können, besonders wichtig. Für mich beginnt die Arbeit immer damit den Menschen, für den ich ein Heim schaffen soll, kennenzulernen. Wie sieht sein Leben aus und welcher Lebensraum passt zu ihm? Wo wird dieser Mensch glücklich sein?«

Dabei sieht Vervoordt seine geschaffenen Räume mehr als Rahmen für seine Bewohner und Bewohnerinnen, um sich selbst dort zu finden. »Unsere Arbeit soll im besten Fall eine Inspirationsquelle sein, die Idee von Dekoration ist nicht einfach nur zu dekorieren.«

Eine besondere Rolle kommen bei dem belgischen Schöngeist auch sogenannten »Objets Trouvés«, also Fundstücken zu. »Man muss einfach nur die Augen öffnen, seinem Instinkt und seinem Herzen folgen, so kann jeder seine ganz eigenen Dekorationsobjekte finden.« Ein Ratschlag, dem man auch mit kleinem Geldbeutel gut folgen kann. 

Ähnlich zurückhaltend, wie sein Interior Design ist auch Vervoordts Zugang zur Kunst. »Ich habe meinen Kunden und Kundinnen nie gesagt, dass sie nach den Big Names suchen sollen. Mein Rat ist immer gewesen, nach der intrinsischen Qualität eines Kunstwerks zu suchen. Rubens beispielsweise hat keines seiner Gemälde signiert, die Qualität allein sprach und spricht bereits für sich.« Die neueren Entwicklungen auf dem Kunstmarkt sieht Vervoordt dementsprechend auch nicht ohne Vorbehalte. »Kunst als reine Investitionsform zu betrachten ist gefährlich. Sie ist schließlich dazu da, um Emotionen auszudrücken. Dementsprechend muss auch eine innere, gefühlte Verbindung zum Kunstwerk bestehen, wenn man es kauft.«

Man merkt, der Gedanke der Universalität ist bei Vervoordt mehr als nur ein ästhetisches Konzept, es ist ein ganzheitliches Lebensprinzip. [AD]

Wabi Inspirations und Portraits of Interior sind direkt bestellbar bei:

axel-vervoordt.com/books

An der Schnittstelle von Tradition und Zukunftsträchtigem bewegt sich auch Adrian van Hoydoonk (Head of BMW Group Design) – und zwar nicht nur, wenn er beim Concorso d’Eleganza von einem Fahrzeug zum nächsten spaziert. Schließlich steckt in jedem noch so futuristisch anmutendem Concept Car immer auch einiges an Markengeschichte. »Ich liebe es, hierher zu kommen und entdecke immer noch Details, Farben und Materialien, die ich vorher nicht kannte. Das ist sehr inspirierend. Gleichzeitig wollen wir, dass das auch in Zukunft so bleibt, deshalb bringen wir seit einigen Jahren moderne Concept Cars hierher und haben eine eigene Klasse für diese Fahrzeuge eingeführt, die vom Publikum bewertet wird. Es ist natürlich auch eine Herausforderung, wenn man ein modernes Design neben diese fantastischen klassischen Autos stellt. Aber ich habe auch gelernt, dass die Leute, die ihre Oldtimer zum Concorso d‘Eleganza bringen, Mobilität so sehr lieben, dass sie es sehr begrüßen, wenn sie sehen, dass die Flamme weiterbrennt«, erzählt uns van Hoydoonk im Interview. 

In diesem Sinne zeigte die BMW Group, unter deren Schirmherrschaft der traditionsreiche Concorso d’Eleganza Villa d’Este seit 1999 stattfindet, in diesem Jahr unter anderem das Konzeptauto BMW i Vision Circular sowie das Kunstprojekt »The 8 X Jeff Koons«. 

Eine Vision von konsequenter Nachhaltigkeit: Der BMW i Vision Circular 

Gleich zum Auftakt der Veranstaltung konnte man einen Blick in die Zukunft nachhaltiger, urbaner (Premium-) Mobilität werfen. Im Park der Villa d’Este wurde der BMW i Vision Circular vorgestellt, ein Konzeptfahrzeug mit konsequenter Ausrichtung auf Nachhaltigkeit und Luxus. Das Visionsfahrzeug wurde von Grund auf nach den Prinzipien der Circular Economy gestaltet und soll eine neue Benchmark in Sachen Ressourceneffizienz in der Produktion setzen. „Im Designprozess des BMW i Vision Circular haben wir Zirkularität von Beginn an konsequent mitgedacht. Daher ist dieses Visionsfahrzeug voller innovativer Ideen, die Nachhaltigkeit mit einer neuen und inspirierenden Ästhetik verbinden – wir nennen diesen Ansatz ‚Circular Design‘, erklärte Adrian van Hooydonk. Das Fahrzeug soll damit einen wichtiger Impulsgeber für das doch sehr ambitionierte Vorhaben der BMW Group darstellen, »der nachhaltigste Hersteller für individuelle Premiummobilität« zu werden.

BMW i Vision Circular

»The 8 X Jeff Koons«: Ein Bild von einem Auto 

Im Rahmen eines exklusiven »Closed-Room-Events« konnten MedienvertreterInnen zudem einen ersten Vorab-Blick auf das Kunstprojekt »The 8 X Jeff Koons« werfen, welches seine offizielle Weltpremieren dann erst im Rahmen der Frieze Los Angeles im Februar 2022 feiern wird. Der vom renommierten amerikanischen Künstler Jeff Koons gestaltete Sportwagen ist eine Sonderedition, die Präzision, Raffinesse und Kunst miteinander verbindet. Die mehrschichtige Lackierung vereint geometrische Muster und künstlerische Elemente aus der Pop-Art in elf Farben und wird in insgesamt 285 Arbeitsstunden aufgetragen. Es ist nicht der erste BMW, der die Handschrift des Künstlers trägt – 2010 gestaltete er das BMW M3 GT2 Art Car, das am 24-Stunden-Rennen von Le Mans teilnahm. Damals wusste man noch nicht, dass sich daraus eine länger anhaltende Verbindung ergeben würden. 

»Ich habe Jeff damals etwas besser kennengelernt und festgestellt, dass er Autos liebt. Mit seinem Art Car wollte er die Emotionen, die durch die Bewegung entstehen, ausdrücken. Seitdem sind wir in Kontakt geblieben«, erinnert sich Designchef Adrian van Hooydonk im Interview mit Chapter. Das Ergebnis dieser neuerlichen Begegnung von Kunst, Automobildesign und Technik wurde nun am Comer See präsentiert. Dass die Entscheidung auf die 8er Serie gefallen ist, hat sich einfach angeboten, wie van Hoydoonk erläutert. »Wir haben nie wirklich viel darüber nachgedacht, es schien eine logische Entscheidung zu sein, dass man das Top-End-Produkt mit einer so exklusiven Serie kombiniert.«

The 8 X Jeff Koons

Der Austausch zwischen dem Künstler und dem BWM-Designteam fand dabei auf vielen verschiedenen Ebenen statt, wobei es eindeutige Berührungspunkte zwischen den beiden Welten gab. »Jeff Koons ist einer der bedeutendsten Künstler unserer Zeit, aber wenn man sich mit ihm unterhält, stellt man fest, dass viele der Werkzeuge, die er verwendet, weitgehend dieselben sind, die wir im Design einsetzen. Wir hatten also eine gute Basis, um über Kreativität, Gesellschaft, die Zukunft und all diese Dinge zu sprechen«, so van Hooydonk. Darüber hinaus empfand der BMW Group Designchef diese Gespräche als ungemein inspirierend, was vor allem an der optimistischen Zugangsweise des Künstlers lag. »Sein Optimismus und seine Leidenschaft haben mich daran erinnert, wie ich überhaupt in dieses Geschäft gekommen bin. Es begann als Hobby und plötzlich wurde es zu meinem Job. Wenn man Projekte wie dieses leitet, merkt man, dass es eigentlich etwas ganz Besonderes ist.«

Ein großer Unterschied zwischen den beiden Berufsfeldern liegt allerdings im Ausmaß der kreativen Freiheit, um die Adrian van Hooydonk Jeff Koons und andere KünstlerInnen dann doch ein wenig beneidet. Für viele KünstlerInnen sei es wiederum beeindruckend, dass von einer kreativen Arbeit Millionen Stück verkauft werden. Und schlussendlich ist es genau diese Verschmelzung von Ingenieurswissen und der Möglichkeit, etwas zu entwerfen, das weit über pure Funktionalität hinausgeht, die van Hooydonk an seinem Job so reizvoll findet. »Ich liebe diesen Job immer noch. Also möchte ich mich auch nicht beschweren.« [Red.]

Adrian van Hoydoonk (Head of BMW Group Design)

Hier finden Sie den ERSTEN TEIL UNSERES RÜCKBLICKS auf den Concorso d’Eleganza Villa d’Este 2021 mit einem Blick auf einige der diesjährigen Highlights aus den insgesamt über 50 historischen, automobilen Preziosen.

Jene exklusiven Prints, deren Stil von recht schrill bunt, bis hin zu dezentem Pastell oder Camouflage reicht, sollen dem minimalistisch modernen Grund-Design von Ucon Acrobatics einen zusätzlichen urbanen Touch verleihen. Mit nur 20 Stück pro Design wird die Kollektion Motif 2.0 als enorm verknappte Limited Edition gelauncht und ist – anknüpfend an das Konzept KünstlerInnen aus aller Welt in das Projekt miteinzubeziehen – in internationalen Stores von Tokyo bis Paris über New York, Berlin, Tel-Aviv oder London erhältlich.

Unter den bekannten kollaborierenden KünstlerInnen ist auch der österreichische Illustrator und Grafiker Francesco Ciccolella dabei. Er arbeitete unter anderem bereits für renommierte internationale Medien wie The New Yorker, die ZEIT oder den Guardian. In seinen Motiven drückt er oftmals komplexe Themen durch simple, pointierte visuelle Metaphern aus und bedient sich einer romantischen, gleichzeitig modernen Farb-Palette. 

Weitere am Projekt beteiligte KünstlerInnen sind Ada Zielińska, Emma Larrson, Grilli Type, HMD Studio, Hvass Hannibal, Jan Kaláb, Jonathan Castro Alejos, Manuel Carvalho, Marco Oggian, Mario De Meyer, My Name is Wendy, Office of Demande Spéciale, Ryan Carl, Santtu Mustonen, Simek, Takahiro Yasuda, Vasjen Katro, We are out of office und Yambo Studio.

Trotz der designtechnischen Vielfalt bleibt im Übrigen eines weiterhin gleich: der starke Fokus auf Nachhaltigkeit. Alle Exemplare der Ucon Acrobatics Kollektion Motif 2.0 werden auf ein Material gedruckt, das aus recyceltem PET besteht. [Red.]

ucon-acrobatics.com

Die Geschichte der heutigen Hotelanlage führt zurück in die »Epoche der Korinthe«. Nachdem Griechenland 1830 die Unabhängigkeit der osmanischen Herrschaft erlangte, nahm der Anbau von Korinthe beeindruckende Ausmaße an und machte die kleine, kernlose Rosinenart zu einem von Griechenlands wichtigsten Exportprodukten. Als die Nachfrage um 1910 jedoch stark zurückging, fingen die Bauern und Bäuerinnen an aus der überschüssigen Ware Wein und andere Produkte herzustellen. Erste Weinkellereien und Brennereien entstanden – darunter auch Dexamenes. 

Als Nikos Karaflos das Athener Architekturstudio K-Studio vor einigen Jahren mit der Umwandlung der stillgelegten Weinfabrik beauftragte, sollte dessen Geschichte in das Konzept des exklusiven Resorts miteinfließen. Neben der Nachhaltigkeit stand die Bewahrung des rauen Charmes industrieller Ästhetik ganz oben auf der Prioritätenliste.
In diesem Sinne wurden für den Umbau lokale HandwerkerInnen unter Vertrag genommen und bereits bestehende Elemente der historischen Anlage dem Zweck entsprechend umgebaut und revitalisiert. 

Die bevorzugte Materialpalette, welche sich größtenteils aus Sichtbeton, Stahl, Holz und technischem Glas zusammensetzt, harmoniert mit den bestehenden Strukturen und sorgt dafür, dass industrielle Architektur und modernes Design harmonisch und nahezu nahtlos ineinander übergehen. So wird beispielsweise das Erscheinungsbild des Innenhofes maßgeblich von zwei erhalten gebliebenen, stählernen Silotanks bestimmt, welche der Anlage seit jeher ihren einzigartigen Charakter verleihen. Der flache Pool, der die Tanks umgibt, reflektiert die Strahlen der warmen Mittagssonne, lockert die ehemals strenge Funktionalität des Geländes auf und verwandelt den Ort in eine Oase der Ruhe. 

Zurückhaltenden Luxus vermittelt nicht nur das schlichte Interieur, sondern auch die exklusive Anzahl von lediglich 34 Zimmern, die in den ehemaligen Weintanks untergebracht sind. Die exklusive Beachfront Villa bietet zusätzlich Platz für größere Gruppen von bis zu zehn Personen. Im hauseigenen Restaurant setzt man dem Konzept entsprechend auf regionale Küche, die sich mit ihren kulinarischen Kreationen an der Saison und Verfügbarkeit der lokalen Produkte orientiert.

Mit Dexamenes wurde ein einzigartiges Hotel geschaffen, welches durch ein ganzheitliches, nachhaltiges Konzept anspruchsvollen Reisenden die Möglichkeit bietet in einer außergewöhnlichen Umgebung zu übernachten, die örtliche Kultur und Geschichte in einer persönlichen Weise kennenzulernen und zeitgleich auf die nächste kühle Brise des scheinbar nicht enden wollenden Ionischen Meeres zu warten. [MS]

Chapter How were you introduced to the world of Digital Art and Computer Generated Imagery (CGI) ?

Ezequiel Pini I became a graphic designer in Buenos Aires, growing up in the era of the digital boom when the computer provided us all the tools to project ideas in different languages. Over time I discovered CGI, having first used it just by chance in a job. I then began investigating and ultimately learning more and more about how to use this valuable tool. Today I consider CGI the most versatile and accurate way to portray my ideas.

Chapter »What If?« explores the perceptions of time, loneliness and expectations. What was your main inspiration behind the series?

Ezequiel Pini The main inspiration comes from the title itself, the curiosity to imagine spaces and situations that human reasoning is not able to interpret. At the same time, it has an attractive aesthetic that captures the viewer’s attention and makes reasoning stand aside. We were also eager to explore the visual language of everything related to space. I think it has been a combination of both.

Chapter You divided »What If?« into three Acts – »The Journey«, »The Settlements« and »The Encounter«. What can you tell us about that?

Ezequiel Pini Indeed. The first act is called »The Journey«, we could say it is more about how the place would be as we travel to this imaginary place. We designed these space houses that represent the hope to arrive, but also our mundane life attachments, carrying memories of a previous reality. The second act is a reflection from a far distance that allows us to imagine life in another physical condition. From an external viewpoint, we fantasize about the idea of how these space houses would look. The last act is more about feelings and the experience of already living there.

Chapter Digital Design offers you a universe of seemingly endless possibilities. How do you approach new, personal projects like »What If?«?

Ezequiel Pini I like to take advantage of being able to depict our ideas regardless of the physical world’s limits. I believe this is the primary purpose of our work, through a concept or idea, to be able to portray something that looks real but as we interpret, we realize it is not.

Chapter Your creations let people have a peek into another world. What emotions do you intend to trigger with your work?

Ezequiel Pini We like to create images that can produce something for the viewer. A feeling, a smile, even discomfort or pleasure. It is not only portraying a space or idea literally because for me the image has to have something more to it. It is not easy, but sometimes we accomplish it and it feels pretty good when it happens.

Chapter Do you work exclusively on your computer or do you also sometimes use pen and paper?

Ezequiel Pini Most of our work is on the computer. From the moment I sketch a simple idea, I go straight to my digital tablet. Or even to a 3D software to quickly create simple geometric shapes as a placeholder, and by moving the camera in the program, this helps us to have a general idea of how this piece could be. Definitely, the computer has become our pen and paper and thus, I have become 100 percent digital.

Chapter What’s the secret behind combining personal, artistic visions with a client’s demand for commercial projects?

Ezequiel Pini I believe this is the basis from the start of Six N. Five. It is quite a difficult task, but eventually I managed to do it with a lot of hard work and discipline. Commercial projects have conditions and need to meet expectations. Therefore by being commissioned by a client there will always be someone ensuring that these conditions and expectations are met. This undoubtedly limits the time that we have to create, but we actually work as if we have no limits, whether in personal or artistic work. We force ourselves, with every commissioned work, to also take one to two months to execute our pending ideas and exploration projects. Without precise limits and enjoying the process itself.

Chapter Six N. Five specializes in still life visuals and videos. Could you imagine taking your practice one step further and translating your projects into a VR experience?

Ezequiel Pini Definitely! Although I believe VR is still in the early stages of becoming more popular, we have already launched a VR experience this year for our project »The Revolt«. It is a short film of a two-level house that you can explore in the first person and interact with the characters with spectacular results. But I think there is still a long way to go. [MS]

Es kommt selten vor, dass ein massiver Kran nicht als absoluter Fremdkörper aus seinem Umfeld heraussticht. Doch beim Kopenhagener Hotel The Krane, einem umgebauten und zum Hotel umfunktionierten Kohlekran kann man durchaus sagen, dass er sich harmonisch in seine Umgebung einfügt. Denn hier, im industriell geprägten Hafenviertel Nordhavn, in dem bis heute Containerschiffe an- und ablegen, neben wuchtigen Lagerhallen und Speichertürmen sowie diversen andere Kränen, wirkt der Hotelkran wie der Teil eines architektonisch fein aufeinander abgestimmten Ensembles.

Das matte Schwarz des Krans abstrahiert sein industrielles Design und verdeutlicht, dass hier nicht mehr eine aktive Maschine für den Kohleabbau steht. Die technische Silhouette kommt dank der Farbwahl nun allerdings fast noch deutlicher zum Ausdruck. Im obersten Stockwerk befindet sich im ehemaligen Motorraum des Krans das 50 Quadratmeter große Hotelzimmer. Obwohl es durch die großzügigen Dimensionen durchaus berechtigt wäre, benutzt man hier nicht den überstrapazierten Begriff Suite. Eine Vergangenheit im Kohlebau verpflichtet, und so ist hier auch das Innere vollkommen im matten Schwarz gehalten.

Trotz der puristischen, skandinavisch geprägten Einrichtung – verwendet wurden unter anderem Stoffe von Kvadrat und Elektronikgeräte von Bang & Olufsen – wird durch eine abgetönte Holzvertäfelung eine warme Atmosphäre erzeugt, die im totalen Kontrast zum Ausblick aufs rustikale Industriegebiet steht. Das Hotelzimmer, zu dem auch zwei Terrassen gehören, kann alternativ auch als Konferenzraum für bis zu sechs Personen gebucht werden.

Eine Etage niedriger befindet sich das Spa des Hotels, das aufgrund nicht vorhandener anderer Gäste ein absolut privates Wellness-Vergnügen ermöglicht. Farblich herrschen hier mit weißen Badewannen und grauen Fliesen hellere Töne als im Hotelzimmer vor. Gebucht werden können verschiedene Massagen und Gesichtsbehandlungen, im Anschluss kann man vor dem offenen Kamin entspannen und den Ausblick genießen. Denn auch hier wurde das umliegende Industriegebiet durch bodentiefe Fensterfronten bewusst als Blickfang integriert. Durch das allgegenwärtige Wasser wird der Werksatmosphäre dabei seine Schroffheit genommen.

Separiert von Hotelzimmer und Spa, im ersten Stockwerk gelegen, befindet sich noch ein Konferenzraum der den bezeichnenden Namen »The Glassbox« trägt. Durch die freiliegende Stahlstruktur ist hier am deutlichsten spürbar, dass man sich nicht in einem gewöhnlichen Hotel, sondern in einem umgebauten Kran befindet. An einer langen Tafel können bis zu 20 Personen umgeben von der Nordsee konferieren.

Servicetechnisch kann The Krane durchaus mit größeren Hotels mithalten oder sie übertrumpfen. Gäste werden vom Concierge in der Hotelrezeption im Erdgeschoss in Empfang genommen und auf Wunsch durchs Hotel geführt. Dabei gibt es eine Einführung in die Historie des Krans. Offeriert werden außerdem Frühstück, tägliche Zimmerreinigung, eine Minibar und Fahrräder. [AD]

thekrane.dk

Chapter Inwiefern hat sich das Exterieur beim aktuellen Porsche Macan verändert? Welches Designelement würden Sie an dieser Stelle gerne besonders hervorheben?

Thomas Stopka Ebenso wie bei der Sportwagen-Ikone 911 ist es uns beim Macan gelungen, Proportionen zu erschaffen, die Trends überdauern und dabei immer elegant und sportlich wirken. Optisch schärfen wir den Kompakt-SUV mit einer Reihe gezielter Veränderungen nach. Das neu gestaltete Bugteil mit einem Einleger in Exterieurfarbe verstärkt die Breitenbetonung und lässt den Macan noch satter auf der Straße stehen. Beim neuen GTS ist das Bugmittelteil ebenso wie weitere Elemente in Schwarz gehalten. Das Heck schließt nun ein markanter, besonders technisch gestalteter Diffusor nach unten hin ab. Hier und an der Front findet sich eine neue 3D-Struktur, die wahlweise auch die Sideblades ziert. Die LED-Hauptscheinwerfer mit Porsche Dynamic Light System (PDLS) und die Sport-Design-Außenspiegel sind jetzt bei allen Modellen Serie.

Chapter Welche Designelemente sind die wichtigsten, damit ein Porsche Macan sofort als solcher erkennbar ist?

Thomas Stopka Grundsätzlich unterscheiden wir in unserer Designphilosophie zwischen der sogenannten Markenidentität und Produktidentität. Die Markenidentität prägt die Zugehörigkeit zur Porsche Modellfamilie, die Produktidentität schafft die Differenzierung zwischen den unterschiedlichen Derivaten. Beim Macan ist es beispielsweise die Topografie der Fronthaube oder die 3D-Struktur, die das Modell klar von anderen Porsche-Modellen unterscheidet.

Chapter Inwiefern sind das auch jene Elemente, die »typisch Porsche« sind?

Thomas Stopka Die typischen Porsche Design-Elemente sind die nach hinten abfallende Flyline, die stark modellierten Kotflügel und die Hauben-Topografie vorne.

Chapter Hat sich die Designphilosophie von Porsche verändert, seit 2013 der erste Macan präsentiert wurde?

Thomas Stopka Grundsätzlich entwickeln wir unsere Designphilosophie anhand der bereits genannten Kriterien Markenidentität und Produktidentität kontinuierlich weiter. Neu hinzugekommen sind die Elemente, die unsere rein-elektrisch betriebenen Sportwagen visualisieren – diese haben wir mit der Einführung des Porsche Taycan präsentiert. Bezogen auf den Macan würde ich grundsätzlich auch von einer konstanten Weiterentwicklung sprechen. Für Porsche spielen die Proportionen unserer Sportwagen eine entscheidende Rolle – hier haben wir für den Macan eine generelle Form gefunden, die in dieser Fahrzeugkategorie die Porsche Design-DNA ideal verkörpert.

Chapter Hat sich dadurch möglicherweise auch die Zielgruppe verändert?

Thomas Stopka Grundsätzlich erreichen wir mit dem Macan eine für die Marke extrem wichtige Zielgruppe. Seit der Einführung des Modells in 2014 haben wir rund 600.000 Fahrzeuge dieser Baureihe weltweit verkauft. Der Kauf eines Macan ist für 80 Prozent unserer Kunden gleichzeitig der Einstieg in unsere Marke. Ein weiteres spannendes Detail: Es sind immer häufiger Frauen, die sich für einen Macan entscheiden. Baureihen-übergreifend betrachtet ist der Frauenanteil beim Macan am höchsten. Im größten Macan-Markt China liegt der Anteil weiblicher Käufer sogar bei knapp 60 Prozent. Ich denke, das zeitlose Design unserer Fahrzeuge kommt allgemein bei Kunden weltweit sehr gut an und die ideale Kombination aus Sportwagen-Genen und Alltagstauglichkeit machen ihn besonders für Neukunden interessant.

Chapter Was schätzen Sie besonders an diesem Fahrzeug?

Thomas Stopka Ich schätze am meisten, dass es sofort als ein Porsche-Produkt erkennbar ist. Dies wird unter anderem durch die sehr cleane Gesamt-Anmutung und die typische Porsche-Flyline betont.

Chapter Wohin führt Sie Ihr Weg, wenn Sie Inspiration für Ihre Designs suchen?

Thomas Stopka Wir Designer sind jeden Tag auf der Suche nach Inspirationen, die keinesfalls nur aus dem Automobil-Bereich kommen müssen. Wir schauen gerne zum Beispiel in der Architektur. Dort hat sich in den letzten Jahren sehr viel getan, besonders in Bezug auf die Materialien und Herstellungsverfahren sowie neuartige Formen. Außerdem können wir uns auch sehr stark von der Natur inspirieren lassen, hier sind sehr spannende Strukturen zu finden.

Chapter Wie würden Sie Ihren eigenen Designansatz beschreiben?

Thomas Stopka Dieter Rams ist mein Vorbild. Ein Zitat von ihm lautet: »So wenig Design wie möglich, so viel Design wie nötig.« Für mich ist es sehr wichtig, dass ein Design über eine möglichst lange Zeit aktuell bleibt. Porsche gehört zu den wenigen Automarken, die diese Philosophie konsequent verfolgen.

Chapter Was macht gutes Design für Sie aus?

Thomas Stopka Perfekte Proportionen, Zeitlosigkeit und Ehrlichkeit sind für mich die wichtigsten Kriterien.

Dreh- und Angelpunkt für die dreitägige Veranstaltung ist die Wiener Hofburg, welche auf insgesamt 7.000 Quadratmetern Platz für nationale und internationale Marken und deren Präsentationen bietet. Unter ihnen befindet sich auch wieder die großflächige Ausstellung des FORMDEPOTS. Die Kooperation die Planung, Design und Handwerk auf höchstem Niveau vereint präsentiert dort in einem eindrucksvollen Setting ihre Neuheiten und Innovationen aus den Bereichen Exterior und Interior Design, Architektur und Handwerkskunst.

Das vielschichtige und qualitativ hochwertige Repertoire an Desinglösungen, welches die Mitglieder und Markenpartner von FORMDEPOT auszeichnet und eint, setzt sich aus einem breiten Spektrum verschiedener Fachbereiche zusammen.

So stellen Sophisticated Living und Miniforms authentische und charakterstarke Möbel vor. Als Ansprechpartner für Sound und Licht Konzepte sind die Raumgestalter von Inveoo, Pro-ject Audio Systems und Molto Luce vor Ort vertreten. Kramer und Kramer, Sunsquare und Varaschin zelebrieren Outdoor Living, und der Wohlfühlfaktor und ein entspanntes Ambiente stehen im Zentrum der Produkte von Deisl, Mandl & Bauer und Agape.

Mit insgesamt 50 teilnehmenden Geschäften lädt die Messe auch zur Erkundung des Angebots im Stadtzentrum ein. Der Designguide führt die BesucherInnen durch die Innenstadt und sorgt für spannende Begegnungen zwischen historischer Architektur und hochwertigem Design. [Red.]

Im Vordergrund der Entwicklung des BMW Motorrad Concept CE 02 stand laut Edgar Heinrich, Leiter Design BMW Motorrad, die »unkomplizierte Nutzung, aber allen voran die emotionale Komponente und der Fahrspaß«. Das Design des Concept CE 02 soll ein Gefühl von jugendlicher Freiheit vermitteln und somit auch zu Menschen ab 16 Jahren sprechen, die bisher noch nicht Motorrad gefahren aber an smarter Technik interessiert sind, und neuen Mobilitätserfahrungen aufgeschlossen gegenüberstehen.

Das Concept Bike zeichnet sich durch geringe Abmessungen, ein mit etwa 120 Kilogramm relativ leichtes Gewicht, sowie einfache und verständliche Proportionen aus. Die beiden großvolumigen Räder, die als Scheibenräder ausgeführt sind, vermitteln ein Gefühl von Robustheit und unkompliziertem Fahrspaß. Aus dem puristischen Schwarz/Silber Grundkonzept des Concept CE 02 stechen weiße grafische Elemente, technoide Typografien und die petrolfarbenen Gepäckbänder, die sich gekreuzt über den schmalen Sattel strecken, ins Auge und setzen gezielt Akzente.

Auf den zweiten Blick bringt das Design hochwertige Details und technische Finessen zum Vorschein. Dazu zählen beispielsweise die zwei kleinen, transluzenten LED-Blättchen, die seitlich links und rechts an der Sitzbank hinten fixiert sind und das Rücklicht bilden oder der optisch überzeichnete Kabelstrang, der zu einem kleinen Farbdisplay am Lenker führt, welches anzeigetechnische Grundfunktionalitäten bietet. Der Bügel, an dem auch die vorderen Fußrasten montiert sind, bietet Stauraum an dem zum Beispiel das eigene Skateboard mitgenommen und als Fußablage verwendet werden kann.

Beim BMW Motorrad Concept CE 02 steht ein ausgereiftes Designkonzept im Dialog mit jugendlicher Unbeschwertheit. Durch unkomplizierte Abmessungen, die zurückhaltende Farbgestaltung sowie einen großen Fokus auf den Spaßfaktor stellt das Concept CE 02 vor allem den Fahrer oder die Fahrerin ins Zentrum. So soll trotz des vorsichtig ausgearbeiteten Erscheinungsbildes des Bikes ein gewisser Teil der Gestaltung auch seinen BesitzerInnen überlassen werden. Um eine stärkere emotionale Bindung zu dem Motorrad zu fördern, ist laut BMW Motorrad eine ergänzende Individualisierung mit Stickern oder Tapes also nicht nur denkbar, sondern sogar erwünscht. [Red.]

Chapter You frequently work with dye-sensitised solar cells. Can you tell us a little bit about this technology?

Marjan van Aubel Dye-sensitised solar cells are an invention by Michael Graetzel. While I was still a student at the Royal College of Art, I was able to work at his lab to produce these cells and learn everything about them, which was an amazing experience. The cells use the properties of colour to generate a current. A layer of titanium dioxide is printed between two sheets of glass that functions as a nanosponge layer for the dye. When a photon hits this sandwich, this triggers an electron and thus forms electricity.

Chapter What nurtured your fascination for solar design?

Marjan van Aubel I always wondered about the solar panels on rooftops – unappealing blue squares that stick out on the roof of a house and don’t really make your house look more beautiful. We live in an age in which we desperately need answers for our climate crisis. A few of the answers lie in front of us, but we don’t make use of them. Conventional energy sources play a big role in global warming, whereas solar energy can be a clean solution. The sun is all around us, almost everywhere on our planet, so why not use what we have in abundance and turn it into something useful that can bring us a step closer towards a more sustainable future. Everybody wants to live in beautiful surroundings, in public space but also at home and the offer of well-designed objects powered by the sun is small. Solar energy is still mostly connected to its technical aspects. Most people think of panels on roofs or of gigantic solar farms that are great to harvest energy, of course, but it would be even better to integrate solar in a beautiful way into our daily lives. We are surrounded by surfaces everywhere, so why not use them and design objects that add an emotional value.

Chapter In general, what would it take to make the majority of people switch to solar energy? How can solar energy be democratised?

Marjan van Aubel There are already initiatives by governments to subsidise solar energy, like the »100.000 rooftop program« in Germany that allowed citizens to install panels on the roof at a very low cost. This program was a great success and we see it in other countries too. However, not only by subsidising solar we can move towards a future in which solar becomes the major source of energy. If we integrate it into our daily lives, make it beautiful and accessible, we can democratise it on a large scale. We have to integrate it into the walls of our homes, tables, lamps, clothes and all kinds of surfaces. If solar is beautiful and if it adds value to daily life, people will want to have it. I think it would be great if in the future we would say that a house is broken if it can’t provide its own energy.

Chapter Can beautifully designed solar objects contribute towards a more sustainable life?

Marjan van Aubel Definitely! If objects are beautifully designed and easy to use, people will integrate them into their daily lives and use less conventional energy sources. Wouldn’t it be great to have furniture that doesn’t just look nice, but on which you can also charge your phone instead of plugging it into a socket? The objects and furniture become almost alive in a way and serve you in the house. I think it also nurtures curiosity for the sun, solar energy, light and the technology behind it and hence how nature works. It can become interactive and also satisfying to produce your own energy at home. Maybe that also makes people look at the world differently and makes them want to change their homes into big energy providers.

Chapter You have created windows, lamps and a table, among others, using solar technology. Can you share some insights on upcoming projects?

Marjan van Aubel Our latest project is Sunne – a solar light that brings the sun into your home. It’s a self-powered ambient lamp that can be installed in the window and brightens up the home at night. We started it as a Kickstarter project to see how interested people were in an autonomous lamp that harvests its own energy and were overwhelmed by the great success. Within 48 hours, we reached the funding goal. We finished the Kickstarter at more than 200 percent of our goal and already have many pre-orders coming in for the second version of Sunne. We are happy that the demand for Sunne and solar-powered objects is that high and are now in the middle of the production phase. It’s a starting point for a series of products that will be affordable for a wider audience and will help to raise awareness of how solar energy can be integrated beautifully into our daily lives.

We are also working on a Solar Biennale to bring together people from different fields who work towards the same goal – to make solar one of the leading providers of energy, replace conventional energy sources and make solar energy not an alternative, but a beautiful first choice. This will take place in 2022, so keep an eye out for more!

Chapter The Expo 2020 in Dubai falls under the title »Connecting Minds, Creating the Future«. What details can you share with us about your contribution to the Netherlands Pavilion?

Marjan van Aubel We were asked to supply the Netherlands Pavilion, designed by V8 Architects with energy, which is of course, an exciting project for us, especially because the pavilion is a great vision of how the future could be and could look like. For the Dutch Biotope that combines food, water and energy, we designed a solar-paneled roof that is made out of coloured transparent organic photovoltaics in collaboration with ARMOR ASCA®. They are made out of non-toxic materials and installed in a circular way, so they can be reused after the Expo. For us, it’s important to show that harvesting solar energy is not only a technical process, but can be beautiful and that’s what you’ll see in Dubai. When you stand in the pavilion, it feels like standing in a gigantic modern church with beautiful light reflections that come from the colorful solar panels on the roof. They harvest energy, but also provide shade and filter the right light spectrum for the plants growing inside the pavilion.

Wenn Elektrofahrzeuge beinahe geräuschlos durch die Straßen rollen, Lieblingslieder plötzlich einen fast schon plastischen Charakter annehmen und Banken von realen Institutionen zu bunten Smartphone-Apps werden, steckt dahinter vor allem eines: Innovation. Es sei denn der Innovationsgeist wird in die Erfahrungsschatzkiste gesperrt und muss sich dort dem guten, alten Erfahrungswissen unterordnen. Welche Gefahren die sogenannte Erfahrungsfalle birgt und ob es vielleicht auch so etwas wie eine Innovationsfalle gibt, darüber haben wir mit Thomas Ingenlath (CEO der Volvo-Tochter Polestar), Susanne Hahn (Leiterin des Lab1886), Georgina Smallwood (ehemalige CPO von N26) und Snorre Kjesbu (Head of Design, Creation and Fulfilment bei Bang & Olufsen*) gesprochen.

*Anmerkung der Redaktion: Snorre Kjesbu ist per 30. September 2020 aus dem Unternehmen ausgeschieden.

Werden Marillenknödel »mit ohne Marillen« bestellt, sitzt in der Regel ein ebenso hungriges wie trotziges Kind am Mittagstisch, das zum großen Ärgernis der Eltern nur den sanft säuerlichen Marillengeschmack am weichen Kartoffelteig toleriert, nicht aber die als viel zu sauer empfundene Marille selbst. So ärgerlich die unter Kindern relativ weit verbreitete sprachliche Neuschöpfung »mit ohne« auch sein mag, so handelt es sich dabei dennoch um die korrekte Umschreibung eines altbekannten Prinzips — des »so, nur ein bisschen anders«-Prinzips, das große wie kleine, meist stark technologiegetriebene Unternehmen auf der ganzen Welt dazu bringt, stylische Glaskuben aus dem Boden zu stampfen, die dann mit dem Titel »Innovation Lab« versehen werden. Stark verkürzt und möglicherweise etwas übertrieben bilderreich dargestellt, versteht sich.

DAS MAGISCHE DREIECK

Innovation, von den beiden Buchautoren Vijay Govindarajan und Chris Trimble sehr weit gefasst als »neues Projekt mit unsicherem Ausgang« beschrieben, wird also zunehmend in eigens dafür geschaffenen Laboratorien verhandelt. Vielleicht auch deshalb, weil gänzlich neue Dinge oder Abwandlungen des Alten (»so, nur ein bisschen anders« beziehungsweise »so, nur ein bisschen besser«) einfacher außerhalb der Unternehmensheadquarter entstehen und reifen können. In diesen Gewächshäusern für große und kleine Innovationen haben altbewährte Aussagen wie »Das war immer schon so. Das haben wir immer schon so gemacht.« keinen Nährboden. Aber wirkt Erfahrung tatsächlich wie ein Pflanzengift, wenn Ideen zu echten Innovationen heranwachsen sollen? Govindarajan und Trimble sind davon überzeugt, dass Erfahrung für ein innovatives Team eine schwere Last sein kann. »Innovative Initiativen sind bewusste Abweichungen von der Vergangenheit«, schreiben die beiden Autoren, deren Buch *The Other Side of Innovation als Innovationskompass für Unternehmen gefeiert wurde. Geht es nach den beiden Experten, starten viele Unternehmen trotz großen Innovationsdrangs von einer schwierigen Ausgangsbasis: »Unternehmensorganisationen sind nicht für Innovation geschaffen, sondern für Effizienz. Der alltägliche Druck ist enorm, und es ist verdammt schwer, die Disziplin der Effizienz mit der Disziplin der Innovation zu kombinieren.« Zum komplexen Wechselspiel aus Innovation und Erfahrung gesellt sich nun also auch die Effizienz. Ob sich daraus ein magisches Dreieck entwickeln kann, an deren Spitze die Innovation steht, hängt auch davon ab, wie sehr man sich nach dieser Spitze streckt. Und ob man dabei gar die Bodenhaftung verliert.

*The Other Side of Innovation: Solving the execution challenge, Harvard Business Review Press, 2010

INNOVATION, ABER BITTE VERANTWORTUNGSBEWUSST

Thomas Ingenlath, Geschäftsführer der jungen, schwedischen Elektroautomarke Polestar, ist davon überzeugt, dass Erfahrung und Innovation nicht gegeneinander ausgespielt werden müssen. Auf mehreren Ebenen setzt der 56-jährige Designer und CEO daher lieber auf den Mehrspielermodus. Und denkt dabei am liebsten so divers wie möglich. »Erfahrung kann dabei helfen, Dinge schneller beurteilen zu können und Chancen möglichst früh zu ergreifen. Andererseits besteht natürlich die Gefahr, dass man den Enthusiasmus und die Offenheit verliert, wenn man zu sehr auf Erfahrung und zu wenig auf neue Blickwinkel setzt. Bei Polestar glauben wir an eine gute Mischung, auch bei unseren MitarbeiterInnen. Ich finde es unglaublich wichtig, dass junge Talente eng mit erfahrenen MitarbeiterInnen zusammenarbeiten«, meint Ingenlath. Wiederum aus Erfahrung weiß er, dass es auch für eine junge, innovative Marke, nicht ausreichend ist, nur hippe Querdenker in einem schönen Headquarter zu versammeln. »Wir machen hier nicht alles neu. Und das sollte man auch nie denken. Als Automobilhersteller ist unser Geschäft eine absolute Mischung aus beidem. Wir revolutionieren und erfinden einige Dinge in der Tat neu, aber viel von dem was wir brauchen, basiert auf Wissen und Erfahrung«, so der gebürtige Deutsche, der 2012 von Volkswagen zu Volvo wechselte und seit 2017 auch CEO der Volvo-Tochter Polestar ist. »Eine Ersatzteilversorgung kann beispielsweise nicht von Leuten organisiert werden, die das zum ersten Mal machen«, fügt er lachend hinzu. In einer Branche, die niemals stillsteht, die zu einem relativ großen Anteil aber auch aus Tradition und seit Jahrhunderten weitergegebenen Kernkompetenzen gespeist wird, spielt sich das Wechselspiel aus Innovation und Erfahrung also auf besonders dünnem Eis ab.

Das weiß auch Georgina Smallwood, bis zuletzt Chief Product Officer bei der Challengerbank N26: »Als Bank geht es bei N26 in besonders hohem Ausmaß auch um Verantwortungsbewusstsein. Den KundInnen muss ein sicheres digitales Umfeld geboten werden, in dem sie sich wohl fühlen. Immerhin geht es um das Geld dieser Menschen. Trotzdem ist es vor allem für ein digitales Unternehmen immens wichtig Visionen voranzutreiben. Aber immer mit einem Auge darauf, ob unsere KundInnen uns auf diesem Weg auch folgen können.« Von einer rein technologischen Perspektive betrachtet, sei gerade in der immer stärker von digitalen Vorgängen geprägten Finanzwelt schon sehr viel möglich. Diese Sprünge seien aber wertlos, wenn sie von den KonsumentInnen nicht mitgemacht werden können. »Ich denke dabei zum Beispiel gerne an meine Eltern, die sich am Ende des Monats mit einem Textmarker und der Kreditkartenrechnung an einen Tisch gesetzt haben. Zwar wurde aufgrund der Digitalisierung der Themenbereich Geld und Finanzen schon sehr viel stärker in den Alltag integriert, bis es voll und ganz Teil des täglichen Lebens wird, wird es aber noch etwas dauern«, erklärt Smallwood. Wie eng Verantwortungsbewusstsein und Innovation ineinander verwoben sein müssen, wurde ihr bei N26 erstmals so richtig bewusst.

Thomas Ingenlath ist seit 2017 CEO der schwedischen Elektroautomarke Polestar. Zum Wechselspiel aus Innovation und Erfahrung meint er: »Wir revolutionieren und erfinden einige Dinge in der Tat neu, aber viel von dem was wir brauchen, basiert auf Wissen und Erfahrung.« © Polestar

DESIGN ALS INNOVATIONSVERMITTLER

Wie es gelingt, den munteren Innovationsgeist so weit im Zaum zu halten, dass er sich nicht allzu weit vom Erfahrungsschatz der KonsumentInnen entfernt, beschäftigt auch Thomas Ingenlath. Aufgrund seiner Erfahrungen als Automobildesigner weiß er, dass dem Design in der komplexen Konstellation aus Erfahrung und Innovation eine entscheidende Rolle zukommt: »Ich habe neulich die Funktion von Design auch damit beschrieben, dass es den Kunden das bislang Unbekannte vermitteln muss. Diese Brücke zwischen dem Produkt und der Kundin oder dem Kunden ist unheimlich wichtig. Wenn sich sehr viel in unserer Welt verändert, ist es essentiell, dass es die Möglichkeit gibt, diese Veränderungen auf verständliche Weise zu übersetzen.«

Darüber, wie dieser Spagat am besten gelingt, zerbricht sich natürlich nicht nur die Automobilindustrie den Kopf. Auch bei Bang & Olufsen, dem renommierten dänischen Hersteller für Unterhaltungselektronik und Lautsprecher, ist man stets bemüht, trotz riesigen Innovationspotenzials auch das Nutzungserlebnis klar im Blick zu behalten. Erfahrung tritt hier auch in einem etwas anderem Kontext auf – nämlich als User Experience, die für Snorre Kjesbu, Head of Design, Creation and Fulfilment bei Bang & Olufsen, im Mittelpunkt der Produktion von hochwertigen Lifestyleprodukten stehen muss: »Jedes Produkt, das unsere Produktionsstätten verlässt, wurde entwickelt, um durch die einzigartige Kombination von Klang, Handwerk und Design magische Erlebnisse zu schaffen.« Erst wenn sich beim Hören die feinen Härchen an den Armen aufstellen, ist Kjesbu zufrieden. »Wir innovieren, um die Klangleistung zu verbessern und wir innovieren für den allumfassenden Genuss unseres möglichst akkuraten Klangs.« Zu diesem Genuss gehört auch das Produktdesign. »Eines unserer Kernprinzipien ist, dass es keinen Konflikt zwischen der außergewöhnlichen Klangleistung und schönem Design gibt. Wir starten Innovationen, um beides zu erreichen. Wenn wir beginnen an einem neuen Produktkonzept zu arbeiten, wird der Designprozess gleichzeitig mit allen akustischen Entwicklungsprozessen gestartet. Wenn wir etwas weiter im Entwicklungsprozess sind, führen wir dann beides zusammen«, fügt er hinzu.

INNOVATION ALS KERNGESCHÄFT

»Im automobilen Umfeld findet man sich natürlich sehr schnell in der Ecke der technologischen Innovation wieder. Der Innovationsbegriff von Polestar ist jedoch weiter gefasst, weil es uns von Anfang an auch darum ging, wie wir unseren Betrieb und auch unseren Vertrieb aufbauen möchten. Das elektrische Auto ist eigentlich nur die Ausgangsbasis«, sagt Ingenlath über seine Marke. Wie es sich anfühlt neue Wege zu gehen, während jeder einzelne Schritt kritisch und mitunter sogar zweifelnd beobachtet wird, weiß er nicht erst seit er bei Polestar Geschäftsführer ist. »Als ich vor acht Jahren zu Volvo gekommen bin, hing dort gerade sehr viel in der Luft. Der Weg, den wir damals eingeschlagen haben, hätte in verschiedene Richtungen gehen können. Die positive Wendung, die das Ganze genommen hat, war zum damaligen Zeitpunkt noch nicht abschätzbar.« Innovation gehört also nicht erst seit gestern zum Kerngeschäft des gebürtigen Krefelders. Und auch der Umgang mit Zweiflern und Zweiflerinnen ist ihm nicht fremd. »Es ist ein ureigenes Phänomen in Europa, dass man dem Neuen, dem unternehmerischen Esprit und der Möglichkeit Chancen zu ergreifen per se zweifelnd gegenübersteht«, sagt Ingenlath. »In den USA und in China hat man damit sehr viel weniger Schwierigkeiten.« Vor einer möglichen Innovationsfalle hat er trotz des umfassenden Innovationskonzepts bei Polestar ebenso wenig Angst wie vor dem Zuschnappen der Erfahrungsfalle. Zu ausbalanciert ist Thomas Ingenlaths Angaben zufolge das Verhältnis von Altem und Neuem. Unterschätzen sollte man die Folgen ungezügelten Innovationsdrangs trotzdem nicht.

Wie real die Gefahr der Innovationsfalle tatsächlich sein kann, wurde einst sogar dem erfolgsverwöhnten Apple-Konzern schmerzlich bewusst. Der 1993 als persönlicher digitaler Assistent vorgestellte Apple Newton, der nach eigenen Aussagen des Konzerns das digitale Zeitalter definieren sollte, floppte. Die »Revolution für die Jackentasche«, wie der Newton vom damaligen Apple-Boss John Sculley bezeichnet wurde, fand viel zu wenig Absatz und riss ein tiefes Loch ins Budget des Softwareentwicklers. Im Februar 1998 ließ Steve Jobs die Produktion des Newton schließlich einstellen. Die Vision war schlichtweg nicht aufgegangen. Betrachtet man nun die Erfolgsgeschichte des iPhones, als dessen Vorläufer der Newton durchaus betrachtet werden kann, handelt es sich bei der Entwicklung des ersten persönlichen digitalen Assistenten zwar nicht um eine totale Themenverfehlung, jedoch um ein klassisches Beispiel für eine gute Idee, die zu einer Zeit umgesetzt wurde, in der der Markt einfach noch nicht bereit dafür war. Der Innovationsgeist, der dem Newton innewohnte, war für die Menschen einfach nicht zu fassen gewesen.

Das von Susanne Hahn geführte Lab1886, ist in der Daimler AG so etwas wie die Brutstätte für innovative Mobilitätslösungen und neue Geschäftsmodelle. Der Innovationsprozess folgt dabei einem Plan, der in drei aufeinander folgende Phasen gegliedert ist: Ideation – Inkubation – Kommerzialisierung. © Daimler AG

DER THINK-TANK BEKOMMT EIN ZUHAUSE

Auch in den Epizentren der Innovation, den sogenannten »Innovation Labs«, ist die Erfahrung ein gern gesehener Gast. Solange sie sich an die Hausordnung hält. Das bedeutet: Sie darf der Innovation nicht im Weg stehen. »Aus meiner Sicht kommt die Erfahrung dann zum Tragen, wenn es um den Innovationsprozess geht. Wir lernen dadurch sehr viel schneller und flexibler mit veränderten Bedingungen umgehen zu können. Das gilt für die Kommerzialisierungsphase genauso wie für veränderte Kundenbedürfnisse oder bei neuen Technologien. Hier ist Erfahrung ein essentielles USP«, sagt Susanne Hahn, Leiterin des Lab1886, das bereits 2007, damals noch unter dem Namen »Daimler Business Innovation«, vom Automobilhersteller Daimler installiert wurde. Als wohl bekanntestes Projekt ging car2go daraus hervor. Innovation bedeutet für Susanne Hahn, sich auch als Lab immer wieder neu zu erfinden. »Generell fragen mich die Menschen immer nur danach, wie Innovation funktioniert. Ich finde, dass es wichtig ist, sich als Organisation immer wieder zu hinterfragen. Das ist eine Grundvoraussetzung, um im Innovationsbereich wettbewerbsfähig zu bleiben. Immerhin konkurrieren wir mit hochagilen Startups am Markt. Und auch hier ist Erfahrung der Schlüssel.«

Wenn das Team rund um Susanne Hahn damit beginnt, an einer Innovation zu arbeiten, ist der Ausgangspunkt meist eine spezifische Problemstellung. »Wir starten bei einer Herausforderung und leiten daraus Ideen ab. Diese können von überall herkommen. Aus der eigenen Organisation, aus den Fachbereichen von Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern, aber auch von Ideengebern außerhalb des Konzerns. Danach validieren wir diese Ideen. Nach einer positiven Analyse starten wir die Phase der Inkubation. Hier entwickeln wir das Produkt sowie das Geschäftsmodell. Am Ende des Prozesses steht die Kommerzialisierung. Hier liegt der Fokus darauf, das Produkt zu vermarkten.« Das Projektportfolio des Lab1886 reicht von der strategischen Partnerschaft mit dem Urban-Air-Taxi Startup Volocopter, über automatisierte LKW, Car to Car Connectivity, In-Car-Delivery Services, dem Einsatz der Brennstoffzellentechnologie in Non-Automotive-Bereichen, dem Digital Vehicle Scan bis hin zum digitalen Mitfahrservice flinc und dem Remanufacturing, der Wiederaufbereitung von gebrauchten Fahrzeugteilen. Marillenknödel mit ohne Marillen wurden leider noch nicht ins Portfolio aufgenommen. Möglicherweise haben einige MitarbeiterInnen der Innovationsschmiede nicht die allerbesten Erfahrungen mit dem Thema gemacht.

Das Konzept Yacht Hub / Hospitality Resort liegt an einem Kanal und bietet einerseits reichlich Platz um ungehinderten Verkehr von Wasserfahrzeugen sicherzustellen andererseits aber auch eine Vielzahl an Anlegeplätzen entlang seiner Kurven.

Chapter A recent and truly impressive concept of yours is titled »Floating Gardens«. The presence of plants, woods and water seem to draw a continuous line in terms of aesthetics of your conceptual work. How important is the surrounding landscape, in order for your designs to develop their full effect?

Miroslav Naskov The play between architecture and nature is in the core of our design concepts. We believe that both have to work together as a whole unity. Furthermore the integration of plants and landscape elements enhance the energy performance of the design and lead to more sustainable solutions.

Chapter You seem to have a very specific vision when it comes to architecture. Is this how you think the future of modern architecture will or rather should look like?

Miroslav Naskov I think architecture should evolve and adapt to specific environments and conditions. As designers we have to be eager to take on challenges to question and improve our work. Our vision is to be innovative and to push the boundaries of modern architecture.

Chapter Most of your designs are concepts of monumental buildings. Who do you imagine would commission such a special building? What purpose would it actually serve?

Miroslav Naskov We already can see some private-public investments which make this kind of concepts and projects like »Floating Gardens« possible. »Floating Gardens« for example is a concept for a community space in the public sector.

Floating Gardens – ein grüner Community Space auf dem Wasser, der frei begehbare Routen mit diversen Pausenstationen bietet um eine einzigartige Erholungs-Erfahrung in Einklang mit der Natur zu genießen.

Chapter Are you reimagining the purpose of a »house« as we know it?

Miroslav Naskov Nowadays the purpose of a house has extended. We are now spending more hours working from home and adapting to the new post pandemic dynamics, so the residential sector also needs to evolve.

Chapter What fuels your imagination in general?

Miroslav Naskov My imagination and creativity are triggered by trying new stuff. For instance, trying new design, learning new software, reading an article or a book.

Chapter In your opinion, what is the most special building that was ever built?

Miroslav Naskov There are many special buildings out there, as an architect and designer we have to look at them, learn from them and then try to implement what we learn.

Floating Gardens

Floating Gardens

Inspiriert von Leichtigkeit und Fluidität entstand das Konzept Club House Interior mit der Intention ein unverwechselbares, exklusives Raum-Erlebnis zu kreieren.

Das Pavilion Mountain House ist ein Konzeptdesign für ein Familien-Ferienhaus inmitten der breitgefächerten, grünen Schweizer Alpen. Die Transparenz des Designs verschleiert die Grenzen zwischen Innen und Außen um eine holistische, unvergleichliche Ferienhaus-Erfahrung erleben zu können.

Dass Motorradhelmen nebst vielseitiger Funktionalität auch ein ästhetisches Potenzial innewohnt, zeigt Fotograf und Künstler Felix J. Frühauf in seiner für Chapter entstandenen Fotoserie. Eine optisch reduzierte Darstellung lädt dabei zur Wiederentdeckung des Gewohnten ein, gleichzeitig macht der Fokus auf Konturen und Linien den Designprozess der jeweiligen Modelle für unser Auge visuell erfahrbar.

Für diejenigen, die ihre Freiheit nicht nur »on the road« lieben, sondern sich auch bei der Wahl des Helmes nicht festlegen möchten, bietet der System 7 Carbon durch sein anpassungsfähiges Design extra viel Spielraum. Dieser kann unkompliziert von einem Integral- zu einem Jet-Helm umfunktioniert werden. Die bei BMW bereits bewährte Carbonfaser-Technologie ist zudem für das reduzierte Gewicht des System 7 Carbon verantwortlich, was natürlich ein deutliches Mehr an Komfort mit sich bringt.

System 7 Carbon, BMW

System 7 Carbon, BMW

Der ebenfalls federleichte BMW GS Carbon erinnert durch sein sportliches Design an Modelle aus der Offroad Szene. Details wie der aerodynamisch optimierte Spoiler, das abnehmbare Helmschild und die ebenfalls abnehmbare Kinnklappe, welche bei Abenteuern abseits der Straße als Staubfilter wirkt, unterstreichen diesen Eindruck. Neben Sicherheit liegt hier Vielseitigkeit ganz klar im Fokus. Nicht allein durch die fünfteilige Segmentierung der EPS-Innenschale liefert dieser Helm ein hohes Niveau an Sicherheit.

GS Carbon, BMW

GS Carbon, BMW

Beim Airflite Peacekeeper zieht das tief heruntergezogene Visier die Aufmerksamkeit gleich auf sich. Miteinander kombiniert schützen das innere DropShield und das außen angebrachte FliteShield vor direkter Sonneneinstrahlung, Beschlag, beschränkter Sicht durch Nebel sowie eventuellen fliegenden Teilchen. Wechselnde Wetterverhältnisse verlangen nicht mehr länger nach einem Austauschen der Visiere. Denn durch das Umlegen des eingebauten Schalters kann das, im Inneren des Helms versteckte, getönte DropShield unkompliziert zum Einsatz gebracht werden.

Airflite Peacekeeper, ICON

Airflite Peacekeeper, ICON

Neben den Helmen der japanischen Samurai Krieger, wird der Name Kabuto seit 1982 auch mit den innovativen Motorradhelmen des gleichnamigen Herstellers in Verbindung gebracht. In Kooperation mit der Tokyo University arbeitet die Marke laufend an der Optimierung ihrer Produkte. Alle Modelle der Kabuto Familie verbinden Attribute wie die fortschrittliche Composite-Shell-Technologie, das geruchshemmende Innenfutter und das patentierte Wake-Stabiliser-System. Beim Aeroblade-5 garantiert das große, mit Pinlock kompatible Visier zudem maximale Sichtweite, während die verbesserte Ventilation für einen kühlen Kopf sorgt.

Aeroblade-5, Kabuto

Aeroblade-5, Kabuto

Ebenfalls aus dem Hause Kabuto stammt der aerodynamische Ibuki. Dieser Helm zeichnet sich vor allem durch das eingebaute Öffnungssystem am Kinnteil, durch welches der Integralhelm mit einem Griff zu einem Flip-up Helm umgewandelt werden kann, aus. Das Modell verfügt zudem über ein besonders effektives und leicht zu bedienendes Ventilationssystem. Die angenehme Polsterung sowie die integrierte Sonnenblende sorgen dafür, dass einer komfortablen, stundenlangen Fahrt nichts im Wege steht.

Ibuki, Kabuto

Ibuki, Kabuto

Bei Touren mit maximaler Geschwindigkeit optimiert der SX.100R von NEXX das Fahrerlebnis. Sein athletisches Design gewährleistet hervorragende Stabilität und Schalldämmung bei hohen Belastungen. So verbessert der am Heck angebrachte Doppelblatt-Luftspoiler die aerodynamische Performance. Die angenehme Passform und das Innenleben aus X-Mart Dry-Soft-Touch Stoffen sorgen in Kombination mit einem ausgeklügelten Ventilationssystem dafür, dass die ungeteilte Aufmerksamkeit der Straße und der Fahrt gewidmet werden kann.

SX.100R, NEXX

SX.100R, NEXX

Während der EVOJET von SHARK von außen in erster Linie durch die moderne und elegante Form Aufmerksamkeit erregt, trifft auch sein aus recycelten Fasern und antibakteriellen Textilien gestaltetes Innenleben den Puls der Zeit. Der mit dem Visier verbundene Kinnschutz sorgt für maximale Sicherheit und das Easy Fit-System, welches vor allem von BrillenträgerInnen geschätzt wird, macht das Tragen des EVOJET besonders komfortabel.

EVOJET, SHARK

EVOJET, SHARK

Der X1 CrossHelmet ist zweifellos einer der smartesten Helme auf dem Markt. Via Bluetooth verbindet sich der CrossHelmet mit dem Smartphone und erweitert so das Spektrum der Möglichkeiten eines Motorradhelms. Die speziell entwickelte CrossHelmet App ermöglicht Gruppenunterhaltungen zwischen mehreren FahrerInnen sowie die Steuerung von Musik und des integrierten CrossSound Control Systems. Letzteres kommt bei der kontrollierten Reduktion der Straßengeräusche zum Einsatz. Die intuitive Steuerung von Musik, das Entgegennehmen von Anrufen sowie die Aktivierung von Siri oder OK Google wird zudem über das an der Außenseite angebrachte Touchpad vereinfacht. Navigationsziele, die Uhrzeit sowie das Wetter können im integrierten Head Up Display angezeigt werden und sorgen so dafür, dass die Hände nicht vom Lenker und die Augen nicht von der Straße genommen werden müssen.

X1, CrossHelmet

X1, CrossHelmet

Seit den Siebzigerjahren wurden einige der weltweit renommiertesten Künstler und Künstlerinnen, unter welchen sich zum Beispiel Roy Lichtenstein, Jenny Holzer oder Ólafur Elíasson befinden, von BMW eingeladen, Automobile ihrer Zeit zu gestalten. Die dadurch entstandene Sammlung ist aber bei Weitem nicht nur ein Konglomerat aus visuell außergewöhnlichen BMW Modellen – vielmehr ist sie ein Zeugnis kultureller und geschichtlicher Entwicklungen in Kunst, Design und Technologie.

Anlässlich des 50-jährigen Jubiläums des BMW Group Kulturengagements werden die Art Cars nun erstmals von der analogen in die digitale Welt geführt. In Zusammenarbeit mit Acute Art werden die Modelle mittels Augmented Reality digital zugänglich gemacht und können somit ortsungebunden erlebt werden.

Die Londoner Technologie-ExpertInnen von Acute Art arbeiten mit führenden zeitgenössischen Künstlern und Künstlerinnen zusammen und ermöglichen ihnen dabei, kreative Visionen in digitale Medien zu übernehmen. So basiert auch die Kollaboration zwischen der BMW Group und Acute Art auf dem beidseitigen Anliegen »die physischen Grenzen der Kunst zu verschieben und sie in anderer Dimension zu erleben«. Um die detailgetreue Erfassung der Kunstwerke zu ermöglichen, wurden die originalen BMW Art Cars im Rahmen dieses Projektes und mittels Photogrammetrie-Methodik aus mehreren Winkeln gescannt und anschließend digital zusammengefügt.

Eine erste Auswahl der AR-Art Cars, zu welchen auch Esther Mahlangus BMW 525i (1991), Jeff Koons’ BMW M3 GT2 (2010) oder Matazo Kayamas BMW 535i (1990) zählen, kann seit dem 21. Juli 2021 via der kostenlosen Acute Art App aufgerufen werden. Im zweiwöchentlichen Takt sollen nun bis zur Eröffnung der diesjährigen Art Basel alle weiteren Autos der Reihe Stück für Stück in die Acute Art App integriert werden und somit bald individuell, oder in der Gruppe, abrufbar sein. [MS]

Mag sein, dass wir in Zeiten der Pandemie für Aspekte der Raumteilung sensibilisiert sind. Aber bemerkenswert ist es doch, dass eine der produktivsten Verbindungen der Berliner Architekturszene mit der Gestaltung von Trennwänden begann. Mit Hygienemaßnahmen hatten Letztere allerdings nicht viel zu tun. Es waren die Neunzigerjahre, Long Island, New York. Der Rest ist Erfolgsgeschichte — und zwar die des Duos Gonzalez Haase AAS. Wir blicken mit den beiden zurück zu ihren Anfängen, in einige der schicksten Büros, Boutiquen und Galerien der Gegenwart — und in eine Zukunft, in der von manch aktuellen Problemen vielleicht nicht viel mehr geblieben sein wird, als ein blasses Hellblau.

»Das Gebäude war eine Ruine«, erinnert sich Judith Haase an den »einmaligen Ort«, an dem sie Pierre Jorge Gonzalez das erste Mal traf. Es war der vierte Sommer, den die frisch diplomierte Architektin aus Deutschland in der ehemaligen Forschungsfabrik des Unternehmens Western Union verbrachte, die unter Leitung des Theaterkünstlers Robert Wilson in ein Kulturzentrum transformiert werden sollte. Einst war hier das Eingabeinstrument des ersten Faxgeräts entwickelt worden, nun trafen Kreative aus verschiedenen Nationen und Disziplinen aufeinander, um gemeinsam an Theaterstücken oder Installationen zu arbeiten — und die »Ruine« nach und nach in den berühmten Campus zu verwandeln, den die New York Times mal als »zeitgenössisches, weltoffeneres Bayreuth« beschrieb. Der junge Szenograph Pierre Jorge Gonzalez, der gerade erst per Stipendium von der L‘École nationale supérieure des Arts Décoratifs in Paris nach New York gekommen war, wurde der Architektengruppe zugeteilt, die für den Umbau des Gebäudes verantwortlich war.

»Wir verstanden uns schnell und entwarfen zusammen Details für die Trennwände in den Proberäumen«, erzählt Haase. »Da ich derzeit kein Französisch sprach und er kein Englisch, kommunizierten wir ausschließlich über Skizzen.« Judith Haase und Pierre Jorge Gonzalez beschreiben Wilsons »Watermill Center« als kreativen Melting Pot, der ihre eigene Arbeitsweise maßgeblich beeinflussen sollte. »Die Energie der gemeinschaftlichen Design Sessions, die ganze Atmosphäre am Center — das hat mich fasziniert«, sagt Gonzalez. »Interdisziplinär zu arbeiten, auf verschiedenen Ebenen, wobei eine die andere inspiriert, das war prägend für uns«, ergänzt Haase. Auch heute komme die Kraft ihrer Zusammenarbeit vor allem durch die Kombination komplementärer Einflüsse zustande — beruflicher und kultureller.

»Pierre Jorge ist in Frankreich aufgewachsen, die Filme der Nouvelle Vague, in denen Regisseure die volle künstlerische Kontrolle übernahmen und auf inszenatorische Aus- drucksformen setzten, haben seinen Ansatz geprägt«, erklärt Haase. Sie als Architektin sehe jedes Projekt zunächst von seiner bautechnischen Seite. Wenn beide Perspektiven aufeinandertreffen, ihre architektonische mit seiner szenografischen — wohl auch die Sachlichkeit deutschen Designs mit dem Charme des französischen Autorenkinos der späten Fünfziger- und frühen Sechzigerjahre — dann entstehen jene Reibungsmomente, die die Handschrift des Duos ausmachen und so imposante Räumlichkeiten hervorbringen, wie den MCM Store in München, die Vitra Booth für den Mailänder Salone del Mobile oder das Restaurant Ernst in Berlin.

Haase und Gonzalez arbeiten seit 1999 zusammen, zunächst von Berlin und Paris aus, in den frühen Nullerjahren hat das Duo die deutsche Hauptstadt zum Sitz ihres Büros gemacht. Da sie all ihre Projekte bis zur Bauüberwachung persönlich betreuen, sei die Niederlassung an dem Ort nötig gewesen, an dem sie die meiste Arbeit hatten, begründet Haase die Entscheidung pragmatisch, während Gonzalez auf die Aura der Stadt verweist: »Berlin hatte etwas Einzigartiges, vor allem wenn man aus geschäftigen, dicht bevölkerten Großstädten wie Paris oder New York kam. Als wir in den späten Neunzigern in den USA lebten, gab es in unserem Umfeld viele Leute, die im künstlerischen Bereich arbeiteten und nach dem richtigen Ort suchten, um eine Karriere zu beginnen.« Als Metropole im Umbruch, in der Raum wenig kostete, aber extrem viel passierte, lag Berlin hoch im Kurs. »Überall entstanden neue Galerien, Ateliers, die Kulturinstitutionen der Stadt mussten neu aufgebaut werden. Ein ganz besonderer Moment in der Geschichte.«

Als sie ankamen, habe die Stadt ihnen enormen Handlungsfreiraum gegeben, das Gefühl, die Umgebung aktiv gestalten zu können, war für Gonzalez essentiell. In den darauffolgenden Jahren haben Haase und er die schroffe Strahlkraft des Berliner Stadtbilds mitgeprägt — zunächst vor allem im kulturellen Bereich, mit minimalistischen Galerieräumen, freigelegten Industriedecken und viel rohem Beton. Heute ist ihr souveräner Minimalismus längst in Couture-Häusern, Haute Cuisines, und eleganten Wohnhäusern der Welt angekommen. Ihre Wahlheimat hat sich indes gewandelt. »Mittlerweile hat Berlin sich in vielerlei Hinsicht anderen Großstädten der Welt angeglichen«, sagt Gonzalez. »Der große Unterschied besteht für uns aber darin, dass wir mit der Stadt wachsen konnten. Das urbane Umfeld, der kulturelle Kontext, die ganze Körperlichkeit Berlins macht auch weiterhin vieles möglich, es besteht also kein Grund nostalgisch zu sein.« Haase stimmt zu. »Ich nehme Veränderungen grundsätzlich positiv wahr. Bewegung und Weiterentwicklung sind mir sehr wichtig. Berlin ist viel internationaler geworden und auch wir arbeiten inzwischen global, sind weniger auf die Stadt fixiert, als wir es mal waren.« Als Lebensmittelpunkt bleibe sie aber inspirierend — gerade weil sie sich so schnell verändert und viele Menschen aus der ganzen Welt anzieht.

Wie in anderen Metropolen wird bezahlbarer Lebensraum in der Spreestadt mittlerweile recht knapp. »Wenn Raum Luxus ist, sollte man ihn erst recht nicht mit Objekten vollstellen«, sagt Gonzalez, auf die Kargheit angesprochen, die sich mit der Beständigkeit eines industriellen Stahlseils durch Gonzalez Haase AAS’ Portfolio zieht. Im Grunde ginge es ihnen weniger um Reduktion, als darum, »den richtigen Dingen den richtigen Raum zu geben« und klare räumliche Rhythmen zu schaffen. Früher, sogar noch bevor Gonzalez seine Liebe zur Nouvelle Vague entdeckte, habe der spanische Regisseur Carlos Saura, insbesondere dessen Tanzfilme, sein ästhetisches Empfinden beeinflusst, erzählt der Szenograph, dessen Eltern als spanische Immigranten nach Frankreich kamen, um »akzeptable Arbeit« zu finden. Die Low-Budget-Szenerien, das Leben, das sich nach der Diktatur des Franco Regimes gerade zu öffnen begann, all das habe ihn beein- druckt und inspiriert.

»Wenn unsere Räume auf den ersten Blick auch kühl erscheinen, haben sie doch immer etwas Echtes, Ehrliches an sich«, betont er. Dazu trage die Klarheit der Strukturen sowie die Lichtführung bei. »Wir setzen Licht gern so, dass der komplette Raum erhellt ist, nichts versteckt bleibt. Die ganze Konstruktion ist darauf angelegt, sich visuell und haptisch komplett zu erschließen.« Authentizität in den baulichen Strukturen, ihrer Beleuchtung und der Materialwahl ist für Gonzalez und Haase auch ein Mittel, um dem Individuum die gebaute Umgebung nahezubringen. »Wir schaffen die Struktur, die Basis, welche die BewohnerInnen dann zum Leben erwecken«, so Haase. Gefragt, wie sie selbst lebe, gibt die Architektin preis, dass es bei ihr privat weit weniger aufgeräumt aussehe, als auf den Bildern ihrer Projekte. »Ich habe eine Tochter und einen Hund und liebe auch den chaotischen Moment im Leben. Wir haben viele marokkanische Berberteppiche zu Hause, auch in Knallfarben, und leben praktisch auf diesen Teppichen. Nach dem Lockdown bin ich allerdings froh, das Wohnliche nur zu Hause und nicht im Büro zu haben. Ich kann mich in neutralen Räumen besser auf das Wesentliche konzentrieren.« Vielen ihrer KundInnen scheint es ähnlich zu gehen. So sind auch die Büros, die Gonzalez und Haase gestalten, recht reduziert.

Die Digitalisierung bringt neue Bedingungen mit sich, auf die die Raumgestaltung reagieren muss. Dabei gilt es auch, maschinell-funktionale Anforderungen mit menschlichen abzustimmen und in Einklang zu bringen. »Wir arbeiten immer eng mit unseren Auftraggebern zusammen und die meisten haben eine klare Vorstellung davon, wie sie gerne arbeiten«, erklärt Haase. »Vor Kurzem haben wir das Büro des Grafikers Mirko Borsche in München fertiggestellt. Er hatte um einen großen langen Tisch gebeten, an dem all seine Mitarbeiter mit ihren Laptops arbeiten können. Er sagte: »Je enger wir räumlich zusammenarbeiten, desto kürzer ist unser Arbeitstag.«

Mit der räumlichen Nähe ist es ja gerade so eine Sache. Viel Arbeit hat sich nach Hause verlagert, man verbringt mehr Zeit in den eigenen vier Wänden. »Bei mir zu Hause sind die Räume nicht besonders klar definiert«, bekennt Gonzalez. »Ich mag es, wenn jedes Zimmer unterschiedliche Funktionen erfüllt und zu verschiedenen Zwecken genutzt werden kann. Mag sein, dass solch fließende  Zonen die Trennung zwischen Arbeit und Freizeit aufheben, aber mir tut es gut, den Arbeitsplatz innerhalb der Wohnung immer wieder wechseln zu können, es hält mich wach.« Wochenlang Homeoffice — für ihn also gar kein Problem? »Grundsätzlich mag ich es, zuhause zu arbeiten. Aber natürlich ist die Dynamik eine ganz andere. Der Austausch im Team treibt Ideen voran.« Ob in räumlicher oder zwischenmenschlicher Hinsicht: Sich innerhalb einer Arbeitsumgebung wohlzufühlen habe für ihn einen ähnlichen Effekt, wie ein gutes Outfit: »Es schafft Selbstvertrauen.« Und damit wohl auch besseren Output.

Gonzalez lebt in einem Gebäude, das er und Haase gestaltet haben, bis hin zum Mobiliar — welches sie jedoch nicht als solches im eigentlichen Wortsinn verstehen. »Wir entwickeln Möbel grundsätzlich so, dass sie zu groß und schwer sind, um mobil zu sein«, erklärt Gonzalez. Ortsspezifische Objekte träfe es in der Tat sehr viel besser, stimmt Haase zu: »Wir sehen sie im Grunde als skulpturale Architekturen oder Installationen, die direkt mit dem Raum, in dem sie stehen, korrespondieren.« Es ist ein Ansatz, der den Marketingstrategien kommerziellen Industriedesigns ebenso widerspricht, wie dem Mobilitätsanspruch unserer Zeit. »Designobjekte, die für einen bestimmten Raum konzipiert sind, sind heute selten, weil sie der Logik des modernen Lebens nicht folgen«, meint Gonzalez. »Ich finde die ortsspezifische Gestaltung aber extrem spannend — mit allen Herausforderungen, die sie mit sich bringt.« Es ist eine Herangehensweise, die den Dialog von Raum und Objekt, die Ordnung der Dinge, in den Vordergrund stellt — und gewisse Hierarchien und Bedeutungszusammenhänge zu hinterfragen scheint. Gehören manche Dinge eher der Umgebung an, als dem Menschen, der sie bewohnt? Warum sollte das, was für die natürliche Umwelt gilt, nicht auch auf gebaute Räume zutreffen? Interessant sei auch, was passiert, wenn man das Objekt dann doch mal außerhalb des angedachten Kontexts platziert, findet Gonzalez: Unter Umständen könne es auch dort relevant sein, gar eine ganz neue, unerwartete Bedeutung erlangen.

»Die Tatsache, dass all unsere Objekte für den festen Einbau gedacht sind, hat großen Einfluss auf die Relationen im Raum«, erklärt Haase. Gleiches gilt für die Lichtgestaltung, die ein wesentlicher Aspekt eines jeden Entwurfs ist. »Wir behandeln Licht als architektonisches Element, das den Raum definiert.« Die produktivsten, spannendsten Momente des Gestaltungsprozesses seien die, in denen ihre unterschiedlichen, »extremen Auffassungen« zusammentreffen. »Am Ende suchen wir die Mitte und integrieren ein merkwürdiges Element, etwas, mit dem keiner rechnet«, sagt Haase. Als Beispiel nennt sie eine antennenartige Installation in der Berliner Modeboutique von Andreas Murkudis: Die Antenne reiche vom Boden bis zur Decke, ohne eindeutige Funktion. Es sind solche »verstörenden Elemente«, in denen das Duo die kritische Dimension seiner Arbeit manifestiert sieht.

»In der Innenarchitektur sind kritische Ansätze selten und auf den ersten Blick mag man fragen, wie und warum die Gestaltung einer Modeboutique überhaupt kritisch sein kann«, gibt Gonzalez zu. Die Kunst sei jedoch ein gutes Beispiel dafür, dass sich auch aus dem kommerziellen System heraus Kritik üben ließe. »Kern unserer Idee ist der Anspruch, den Raum nicht völlig vom Auftraggeber kontrollieren zu lassen. Natürlich gehen wir auf seine Bedürfnisse ein, bedenken aber immer auch, was der Endverbraucher eigentlich braucht. In einem Geschäft ist es zum Beispiel Kernziel der Marke, räumliche Strukturen zu schaffen, die den Gewinn maximieren. Das ist normal und nachvollziehbar. Der Konsument möchte aber nicht manipuliert werden. Wir wollen klare, ehrliche Umgebungen schaf- fen.« Es gäbe genug Werbung da draußen, genug Hinweise und Regeln — gerade in Zeiten wie diesen.

Inwieweit fühlen sie sich als Gestaltende in der Verantwortung, auf die neuen Herausforderungen der Gegenwart zu reagieren? »Wenn wir Restaurants planen, dann ist das natürlich ein Bereich, in dem man intensiv über Hygienemaßnahmen nachdenken muss«, sagt Haase. »Wir bekommen von unseren Kunden ein Raumprogramm und wenn spezielle Maßnahmen gefordert sind, müssen wir kreativ werden. Neue Herausforderungen sind aber immer gut und ich bin mir sicher, dass wir gute Lösungen finden, ohne, dass man sie direkt wahrnehmen wird.«

»Es ist naheliegend, Architekten und Raumgestalter mit Lösungsansätzen für das Problem zu betrauen«, fügt Gonzalez hinzu. »Aber es ist auch wichtig, die politischen Entscheidungsträger im Blick zu behalten, die die Voraussetzungen für so eine Pandemie überhaupt erst geschaffen haben und sie in die Verantwortung zu nehmen. Das wirkliche Problem besteht doch darin, dass die Kosten immer von den Gleichen getragen werden und die Politik in Denkmustern der Achtzigerjahre feststeckt. Als Gestaltende können wir temporäre Lösungen anbieten. Am Ende soll Design«, so Gonzalez, »vor allem das Leben verbessern.« Doch gute Gestaltung entwickelt sich in direkter Korrespondenz mit der Zeit, ihren spezifischen Gegebenheiten und den kulturellen Gewohnheiten, die daraus hervorgehen. »Unser Zusammenleben hat sich in den vergangenen Monaten grundlegend verändert und ich habe das Gefühl, dass es auch eine Zeit lang leider so bleiben wird«, sagt Haase.

Und danach? Was bleibt von all den Provisorien, den plexigläsernen Paravents, den Weltverbesserungsvorsätzen? Zumindest wohl: eine vage Erinnerung, vielleicht auch: eine Farbe. In ihrem Buch The Catastrophe Colours, das Haase und Gonzalez bereits 2014 herausgebracht und seither in verschiedenen Ausstellungen — wie kürzlich im KINDL-Zentrum für zeitgenössische Kunst — installativ umgesetzt haben, ordnen sie verschiedenen Katastrophen ihre eigene Farbe zu. Damit möchten sie die assoziative Wahrnehmung von bestimmten Farbwerten komplett auf den Kopf stellen, erklärt Gonzalez. »Mit Katastrophen assoziieren wir meist vor allem die Bilder, die wir aus den Medien kennen, die eigentlichen Geschehnisse entziehen sich unserer Vorstellungskraft.« Die Hypothese, auf der das künstlerische Forschungsprojekt beruht: Die mentalen Nachbilder, die sich nach Katastrophen und Krisen ins kollektive Gedächtnis einbrennen, sind mediale, menschliche Konstrukte — genau wie Farbtrends der Innenarchitektur.

Es gehe um den Versuch, »Farben ihre anhaftende Poesie zu entziehen«, so das Duo. »Wir weisen Farbtönen, von denen die meisten konventionell ja eher mit poetisch-floralen Namen und Assoziationen verknüpft sind, eine neue Bedeutung zu.« Zwar entsteht im Zuge des Projekts kein Farbfächer im Sinne von Le Corbusiers Clavier des Couleurs, gestalterisch anwenden lässt die Palette sich dennoch. Der Architekt Sam Chermayeff, ein guter Freund von Gonzalez und Haase, war der erste, der das Buch auf diese Weise genutzt hat: Als er das Haus eines anderen Freundes, des Journalisten und Autors Georg Diez, gestaltet hat, bat er ihn, Farben aus der Publikation auszuwählen, erzählt Gonzalez. Genug Farben für ganze Einrichtungskonzepte hat der Fächer jedenfalls längst und an Krisen und Katastrophen, um das Spektrum kontinuierlich zu erweitern, mangelt es nicht. The Catastrophe Colours ist ein fortlaufendes Projekt, so Gonzalez, auf Basis aktueller Nachrichtenmeldungen ließe es sich beinahe täglich aktualisieren.

Welchen Farbton hat die Coronakrise? »Für mich Giftgrün«, sagt Haase. »Das Hellblau der Masken, die wir gerade überall sehen«, entgegnet Gonzalez. »Oder die bunten Töne der Illustrationen des Virus, die wir ständig in den Nachrichten sehen.« Und wofür nutzen die beiden die Ruhe der kommenden, gesellschaftlich wohl weitgehend gedrosselten Wintermonate? Auf welche neuen Highlights arbeiten sie hin? »Durch die Pandemie haben wir viele Projekte, die mit Bewirtung zu tun haben, verloren oder sie wurden auf Eis gelegt«, sagt Haase. Davon abgesehen liefe es aber weiterhin gut. »Solange wir Arbeit haben und dazu noch Auftraggeber, die unsere Arbeit schätzen, ist das ein Highlight«, so die Architektin. »Wie Louise Bourgeois schon sagte: I am not what I say — I am what I do.«

Die Hotelkette aus Lateinamerika hat das ehemalige Hotel Weismayr in ein modernes und dabei dennoch royal anmutendes Retreat mit 90 Zimmern verwandelt. Historische Fassade trifft auf eklektisches Interieur an ausgewähltem Art Déco Mobiliar und innovativen Designerstücken, um den altehrwürdigen Charme des klassischen Gebäudes zu erhalten. Zusammen mit lokalen ArchitektInnen, DesignerInnen, HandwerkerInnen und KünstlerInnen hat Selina ein individuelles und stilvolles Refugium kreiert, das sowohl Reisende als auch Locals anziehen soll. Betritt man die lichtdurchfluteten Räumlichkeiten des neuen Hotspots der Stadt, wird man von farbintensiven Wänden begrüßt, die dem Flair des Hotels eine zusätzlich erfrischende Note verleihen.

Den Gast erwartet ein breites Angebot, das durchaus auch fernab von klassischen Konventionen überzeugt. So lässt sich ein Business-Aufenthalt in den eigens angelegten Co-Working Spaces verbringen, die je nach Bedarf dazu gebucht werden können. Ein integriertes Café und das hoteleigene Restaurant locken mit abwechslungsreicher Kulinarik, ein Kino und Concept Store mit kulturellen Highlights. Besonderen Wert legt das Hotel auch auf sein breit angelegtes Wellnessangebot mit Spa, Massagen und Yoga, um einen Tag im Skigebiet der Hohen Tauern oder an den kühlen Seen in entspannter Atmosphäre ausklingen zu lassen. Das Schwimmbad mit geschwungenen Fenstern und Wölbungen in zartem Rosé überzeugt selbst Wes Anderson Aficionados gekonnt. Jedes Zimmer des historischen Anwesens ist eine innenarchitektonische Entdeckung für sich.

In diesem Sinne steht das neue Selina Hotel definitiv prototypisch für den gesamten, sich im Umbruch befindenden Ort Bad Gastein: Eine gelungene Transformation und Neubelebung eines traditionsreichen, aber in die Jahre gekommenen Hauses, hin zu einem in Kreativität und Stil erstrahlenden Boutiquehotel für anspruchsvolle Reisende. [Red.]

Photo Credits: Magdalena Bodzioch

So auch beim neuesten Mitglied der Familie, der NOMOS Glashütte Metro neomatik 41 Update – ein Modell, das auf gekonnte Weise typische Uhrmacherkunst aus Glashütte mit praktischen Details und anspruchsvollem Design vereint. Mit einem Durchmesser von knapp 41 Millimetern ist die Metro neomatik 41 Update die bis dato größte Uhr der Familie. Auf den zusätzlichen zwei Millimetern, die sie von den bisher größten Metro-Modellen trennen, findet bei der neomatik 41 Update das NOMOS Ringdatum Platz. Bisher wurde diese patentierte Innovation, die dem Träger oder der Trägerin den Tag des Monats anzeigt, ausschließlich bei einem Modell der Serie Tangente verwendet.

Bei der Metro setzt NOMOS Glashütte für die Datumsfunktion auf ein leuchtendes Orange, das in zwei Farbfeldern den jeweiligen Tag umrahmt. Dabei soll die Form der ovalen Felder ganz bewusst als Reminiszenz zum Namen Metro an U-Bahn Waggons erinnern. Durch die gewählte Signalfarbe, die im sonst farblich dezenten silberweiß galvanisierten Zifferblatt mit schwarzen Ziffern ganz besondere Aufmerksamkeit auf sich zieht, wird nicht nur ein sportiver Akzent gesetzt, sondern auch sichergestellt, dass das Datum tatsächlich auf den ersten Blick ins Auge springt. Passend zur jugendlich-sportiven Anmutung der Uhr ist auch das hellgraue Textilarmband gewählt.

Für den Designer der Metro Update, Mark Braun, ist das Ergebnis »klar und komplex«, die Metro Update »eine Meisterin in puncto Understatement und Uhr gewordenes Qualitätsbewusstsein«. Bereits 13 Versionen der erfolgreichen Metro Reihe hat der vielfach ausgezeichnete Designer, der auch für Mono, KPM Berlin, Thonet oder Lobmeyr tätig ist und eine Professur für Produktdesign an der Hochschule für Bildende Künste in Saar hat, entworfen.

Technisch kann man sich natürlich auch bei der neuesten Preziose aus dem Hause NOMOS Glashütte auf höchste Qualität und Uhrmacherkunst verlassen. Die Technik für das Ringdatum wurde so entwickelt, dass das Gehäuse mit 9,1 Millimetern weiterhin enorm schlank anmutet, besonders im Hinblick darauf, dass das untergebrachte Automatikwerk der Uhr eine Gangreserve von 42 Stunden aufweisen kann. Saphirglas ist in dieser Kategorie eine Selbstverständlichkeit – im Falle der NOMOS Glashütte Metro neomatik 41 Update kann man sich zudem auch auf Wasserdichtheit verlassen. [AD]

Metro neomatik 41 Update, von NOMOS Glashütte, um 3.500.- Euro

Er gehört zur Meisterklasse des Designs und fast jeder große Gestalter hat sich an einem versucht: Der Stuhl. Form und Materialität drücken dabei das Denken und die Werte des Designers und seiner Zeit so explizit aus, wie kaum ein anderer Alltagsgegenstand. Nur mit wenigen anderen Möbelstücken verbringen wir täglich so viel Zeit, nur wenige andere kommen uns so nah. Vielleicht ist das der Grund, warum einige der erfolgreichsten Stuhlentwürfe zu Sammlerstücken, unvergessenen Klassikern und wahren Legenden wurden, die anmuten, wie skulpturale Kunstwerke.

INNOVATIV, >1900

ROYAL, 1920er

Etwa 75 × 75 × 75 Centimeter misst der legendäre Barcelona Chair, den Ludwig Mies van der Rohe und Lilly Reich für den deutschen Pavillon der Weltausstellung 1929 in Barcelona entwarfen. Niemand Geringeres als das spanische Königspaar sollte darauf Platz nehmen.

Zeitgleich zum Barcelona Chair entstand eine weitere Ikone der Moderne: Mart Stams Freischwinger, der erste leicht federnde Stuhl, der ohne Hinterbeine auskam. Zu seiner Zeit revolutionär war sein leichtes Erscheinungsbild, das später von Marcel Breuer perfektioniert wurde.

Gesund, 1930er

Hölzern, 1940er

BEQUEM, 1950er

Das Ehepaar Eames prägte das Möbeldesign des 20. Jahrhunderts wie kein anderes. Für einen ihrer bekanntesten Entwürfe, den Lounge Chair mit Hocker von 1956, ließ sich das Paar von einem Baseball Handschuh inspirieren. Mit seinen großen, weichen Lederpolstern lädt der Lounge Chair geradezu dazu ein sich nach getaner Arbeit gemütlich zurückzulehnen und die Beine hochzulegen. Da die Menschen im Laufe der Jahrzehnte größer wurden, ist auch der Lounge Chair heute eine Nummer größer als zu Eames Zeiten.

Dynamisch, 1960er

Ein Stuhl wie ein S: Verner Pantons Panton Chair ist der erste aus einem Stück Kunststoff gefertigte Stuhl. Bereits in den 1950ern hatte er das Modell aus Holz entwickelt, das 1967 als Vollkunststoff-Variante auf den Markt kam und zum Klassiker der Pop Art avancierte. Wie aus einem Guss erscheint der elegante, skulpturale Freischwinger in diversen Farben. Die an die Körperform angepasste Ikone wurde mit einigen Design-Preisen ausgezeichnet und ist in vielen Museen als Exponat zu bewundern.

Durchsichtig, 1970er

 unbequem, 1980er

Fragil, 1990er

In unserer Serie »Elevate the Daily« richten wir den Fokus auch diesmal auf das Badezimmer und stellen drei Produkte vor, die sich in den unterschiedlichsten Bereichen der Badezimmer-Routine als äußerst nützlich erweisen und dank ihres eleganten Designs auch visuelle Akzente setzen.

NICHBA Shower Wiper

An ambition bent in steel lautet das Motto des dänischen Design-Labels NICHBA. Durch seine Affinität zur Arbeit mit Stahl gründete Nichlas B. Andersen die Marke mit der Vision, die Stärke und Belastbarkeit von Stahl in zartes Design zu übertragen. So entstand neben diversen Büro- und Alltagsmöbeln auch der Shower Wiper – ein ästhetischer Duschabzieher, gefertigt aus einem einzigen silikonbeschichteten Stück Stahl. Das hochwertige Material des Shower Wipers verspricht einen reibungslosen Einsatz und durch den roten Faden im Design der Produktpalette von NICHBA, harmoniert der reduzierte Duschabzieher auch mit zahlreichen anderen Produkten der Linie.

NICHBA, Shower Wiper, um 39, – Euro

Steamery Cirrus No.2

Die Gründer und Gründerinnen von Steamery haben es sich zur Mission gemacht, den Lebenszyklus unserer Kleidungsstücke nachhaltig zu verlängern. Durch eine Produktpalette, welche diverse Kleidungspflegeprodukte umfasst, verbindet Steamery minimalistisches Design mit der Idee, den Umgang mit unserer Garderobe fühlbar zu verbessern. Der Cirrus No.2 stellt beispielsweise eine schonende Alternative zum Waschen und Bügeln dar. Durch den Dampf des Steamers werden Textilfasern angehoben, aufgequellt und in ihre natürliche Form gebracht. Als positiven Nebeneffekt bewirkt der heiße Dampf das Entfernen von Gerüchen, oberflächlichem Schmutz und Bakterien  – unter minimalem Zeit- und Wasseraufwand. So müssen Kleidungsstücke seltener gewaschen und getrocknet werden, um einen faltenfreien sowie frischen Look zu erhalten.

Steamery, Cirrus No. 2, um 120, – Euro

MENU Pedal Bin

MENU produziert Möbel, Leuchten und Home-Accessoires mit dem Ziel, hochqualitative Materialien mit Bedürfnissen des täglichen Lebens zu vereinen. So ist der Pedal Bin in Kollaboration mit dem dänischen Design- und Architekturstudio Norm Architects für die MENU Bath Collection entstanden. Der formschöne Treteimer kombiniert Schlichtheit mit Funktionalität: via Pedal wird er durch ein verdecktes Schlosssystem geräusch- sowie reibungslos geöffnet und kann durch den herausnehmbaren Plastik Liner unter minimalem Aufwand gereinigt werden. Durch sein elegantes Design ist der Pedal Bin das richtige Accessoire für jedes Badezimmer – erhältlich in den Farben schwarz und weiß, sowie in unterschiedlichen Fassungsvermögen zwischen vier und 30 Litern.

MENU, Pedal Bin, um 349, 95 Euro

Le Bristol Paris – Mutige Historie, glanzvolle Gegenwart

In der französischen Hauptstadt mangelt es nicht an Häusern der Fünf Sterne Deluxe Kategorie. Hier stehen einige der besten und berühmtesten Hotels der Welt. Alle von ihnen eint ein hervorragender Service, eine palastartige Architektur und höchster Komfort. Spricht man allerdings mit den Stammgästen des Le Bristol, dann wird schnell klar, für die meisten von ihnen kommt keine andere Unterkunft als das Haus an der vornehmen Rue du Faubourg Saint-Honoré für den Paris-Aufenthalt in Frage.

Obwohl das Le Bristol sich in der Selbstinszenierung äußerst dezent geriert, kann es doch mit einigen Superlativen aufwarten. So zählt das Le Bristol mit insgesamt vier Michelin Sternen auch auf kulinarischer Ebene zu den exklusivsten Adressen der Stadt und hat überdies noch den größten privaten Garten in ganz Paris vorzuweisen. Ganz einzigartig ist auch das Schwimmbad des Hauses. Mit seinen Bootsdielen, den schrägen holzverkleideten Wänden und nautischen Wandmalereien werden Gäste des Hotels zum Schwimmen auf einen Ozeandampfer entführt. Beim traumhaften Ausblick über die Dächer von Paris wird einem dann allerdings wieder klar, dass man sich nicht auf hoher See befindet, sondern in direkter Nachbarschaft des Élysée-Palastes und des Grand Palais.

Wenn es um die Alleinstellungsmerkmale des Hauses geht, kommt man nicht umhin, auch von der bewegten Vergangenheit des Hotels zu schreiben. Während des Zweiten Weltkriegs war das Le Bristol nicht nur das einzige Grand Hotel in Paris, das nicht von den Deutschen besetzt war, es war vielmehr sogar Zufluchtsort für jüdische Freunde des Besitzers, die sich hier versteckten, um der sonst sicheren Deportation ins Konzentrationslager zu entkommen. Unter ihnen war auch der Architekt Leo Lerman, der im Hotel vier Jahre lang lebte, ohne von den Nazis entdeckt zu werden und in dieser Zeit bei Nacht diverse Zimmer umgestaltete. Auch der schmiedeeiserne Aufzug des Hotels, der bis heute in Betrieb ist, wurde von Lerman entworfen. Aus dieser dunklen Epoche, in der das Le Bristol soviel Mut und Menschlichkeit bewies, stammt der Spitzname des Hauses – »Hotel des Schweigens«.

Und bis heute ist das Le Bristol für seine Diskretion bekannt. Eine Eigenschaft, die von zahlreichen berühmten Gästen des Hauses geschätzt wurde. Unter ihnen auch Josephine Baker, die zwischen den Zwanziger- und Siebzigerjahren immer wieder kam und hier nicht nur zahlreiche Nächte logierte, sondern zu ihrem Bühnenjubiläum auch zum rauschenden Fest in die feudalen Räumlichkeiten des Hotels einlud. Als Hommage an den berühmten Gast wurde der amerikanischen Künstlerin eine eigene Suite gewidmet, in der auf Schwarz-Weiß-Fotografien einige ihrer schönsten Momente gezeigt werden.

Der aktuell berühmteste Gast des Hauses stammt allerdings nicht aus dem Showbusiness oder der Politik, sondern ist ein auf samtenen Pfoten umherstreifender Kater, Fa-raon. Beim Gespräch mit dem Concierge kann es passieren, dass er auf den Tresen springt oder sich beim Nachmittagstee in der Lobby zu einem gesellt. Das Le Bristol ist eben in vielerlei Hinsicht kein Grand Hotel wie die anderen. [AD]

Verantwortlich für das Design: Maja Oetker, Witwe von Backwarenkönig Rudolf-August Oetker, zu deren Firmenimperium mit der Oetker Collection auch das Le Bristol gehört.

Lieblingsmöbel: Die seidenen Wandteppiche im Salon Castellane. Sie wurden aus venezianischen Tapeten aus dem 18. Jahrhundert gefertigt und waren somit schon zur Eröffnung des Hauses kostbare Antiquitäten.

Absolut dekadent: Eine Kaviar- oder Platinbehandlung im La Prairie Spa des Hauses.

Überhaupt nicht dekadent: Ein Rendezvous mit dem Hauskater Fa-raon. Ob er sich beim Tee in der Lobby zu einem gesellt, ist reine Glückssache und nicht käuflich.

Covid-19 Status: Das Hotel ist geöffnet, Frankreich ist aktuell als reguläres Risikogebiet eingestuft, somit ist bei der Rückreise keine Quarantäne erforderlich.

Bei »Elevate the Daily« richten wir unseren Fokus diesmal wieder auf das Badezimmer. Als Ort, welcher für viele Menschen als Sinnbild für Pflege und Entspannung gilt, bietet sich schönem Design hier die ideale Voraussetzung, um eine harmonische Beziehung mit seinem Umfeld einzugehen. In diesem Teil unserer Selektion an hochwertigen Bathroom Accessories widmen wir uns dem perfekten Duscherlebnis.

KENKAWAI Lana-Towel und Aktivkohle-Konjac Schwamm

Die Produkte von KENKAWAI stehen für Wohlbefinden, zeitlose Qualität und unaufdringlichen Luxus made in Japan. Mit einem Fokus auf Handtücher und handgefertigte Aktivkohle-Produkte hat sich die japanische Firma auf die Erzeugung exklusiver Everyday-Essentials spezialisiert. Die Lana-Towels bestehen zu 100 Prozent aus Baumwollfasern und werden bei dem traditionsreichen Hersteller Kontex in einem aufwendigen Webverfahren produziert. Ihre eleganten Farbtöne erhalten die Handtücher durch die anschließende Färbung mit natürlichem Orangenöl. Aktivkohle kommt bei Produkten wie dem Konjac Schwamm zum Einsatz, welcher durch die Anreicherung mit der besonders reinigender Binchotan Kohle eine gründliche Gesichtsreinigung ohne die Anwendung von Seifenprodukten ermöglicht.

KENKAWAI, Lana-Towel, um 32, – Euro und Aktivkohle Konjac Schwamm, um 17, – Euro

L:A BRUKET

Die Philosophie von L:A BRUKET ist klar: Innovation durch Natur, nicht durch Chemikalien. Die Spa-Kultur welche an Schwedens Küste Varberg seit über 200 Jahren gepflegt wird, hat die GründerInnen der Naturkosmetikmarke dazu inspiriert, diese Tradition in Form ihrer natürlichen Hautpflegeserie weiterzugeben. Das Wissen, dass Haut und Haare am effektivsten auf natürliche Moleküle reagieren, erlaubt keinerlei Kompromisse im Hinblick auf die Reinheit der Inhaltsstoffe. So wird von chemischen Zusatzstoffen in den Produkten der Marke gänzlich abgesehen. Mit der neuen Holunderblüten-Serie hat L:A BRUKET den traditionellen Gebrauch der Pflanze in ihrer Pflegeserie neu interpretiert zur Anwendung gebracht. Durch das Verpackungsdesign, welches stets ein gewisses Apothekenflair mitschwingen lässt, werden die pflegenden Eigenschaften der Produkte auch auf visueller Ebene betont.

L:A Bruket, Produkte

hansgrohe – RainTunes und RainButtons

Durch die Entwicklung innovativer Premium Armaturen und Duschbrausen macht hansgrohe, in Zusammenarbeit mit seinem Designpartner Phoenix, Wasser zu einer neuen Art des Erlebnisses. Mit RainTunes wurde ein außergewöhnliches Produkt geschaffen, welches Wasser, Video, Licht, Sound und Duft zu einem multisensorischen Duscherlebnis verschmelzen lässt. Via App kann eines von sieben vorkonfigurierten Duschszenarien gewählt werden, das mithilfe von Klängen, LED Ambilights und Duftessenzen das Badezimmer in eine besondere Stimmung versetzt. Mit den mobil platzierbaren RainButtons ist es dem Hersteller zudem gelungen, Armaturen von ihrer Bedienung zu trennen und so eine Regulierung von Wasserstrahl, -temperatur oder -menge schon vor dem ersten Wasserkontakt zu ermöglichen. Ein perfekt kuratiertes Duscherlebnis ist so von der ersten bis zur letzten Sekunde garantiert. [Red.]

hansgrohe, RainTunes

Chapter Most of your works are defined by apparent simplicity and minimalist elegance. What are the crucial points in your practice as a designer?

Guglielmo Poletti I describe simplicity as apparent when it’s evident that behind an essential thought several steps have been necessary to elaborate and refine it, in order to make it as effective as possible. For me, such a process is fundamental and allows the result to convey a strong visual impact, even though it is stripped down to its essence.

Regarding my practice, construction is at the core of my interest, form always results from very dry considerations about structures. I find myself naturally searching for archetypal configurations that I try to alter through precise interventions I refer to as »structural gestures«. These gestures become the detail around which everything else is developed in a subordinated hierarchy, often leading to outcomes that inherently suggest a function. The minimalist aspect derives from letting these gestures come to the surface by keeping all the other layers of work intentionally silent. To generate relevant ideas, the constant interweaving between hand-driven thinking and analytical thinking is vital. But in the initial stages, the rational side is almost counterproductive – most of my works get defined suddenly, triggered by a hint of intuition that is then complemented by analytical thinking to close the full circle.

Chapter Which of your pieces has been most formative to your style and why?

Guglielmo Poletti The Design Academy Eindhoven graduation series »Equilibrium« is probably my first mature work, which summarizes many of the traits that constitute the base of my practice today. The collection resulted from the two year Master Degree in Contextual Design, an intense experience during which I had the opportunity to contemplate many paths in order to eventually find my own.

Chapter How do you explore the limits of materials?

Guglielmo Poletti I usually explore the limit of materials in terms of their inherent structural qualities. For instance, material that might be too thin to even stand on its own could become structural if tensioned in a certain way. I investigate the limit of materials to develop more daring structural gestures and ultimately challenge the overall perception of work, both on a structural and visual level.

Chapter What role does technology play in your design process?

Guglielmo Poletti In my process, technology usually plays a secondary role. All the relevant aspects I am looking for in my work must already be present independently from the technology that will produce it. I can only conceive the leading principle through a »thinking with hands« process. Before delivering a project, I work it up to a fairly advanced state, with the tools available in my workshop. This way, I define all the major points before letting technology take over in the implementation phase. This approach helps me get a grip on my work, and it’s probably one of the most valuable lessons I have learned during my studies at the Design Academy Eindhoven.

Chapter What makes »good design«?

Guglielmo Poletti In my opinion, good design is strictly related to something I call »intentionality«, which could be understood as the level of awareness one reaches in whatever he or she is doing. Conscious decisions help avoid arbitrary choices along the way, despite the diversity of outcomes, giving consistency to your work.
To develop an awareness about your practice, the circumstances are crucial – you need to set up solid foundations built on specific criteria that act as guidelines for your work. These guidelines can ensure coherence to your work – one of the qualities I care about the most. Time is a pivotal element as well. A consciously slow pace is the only way to digest thoughts thoroughly, this is why I can only face a limited amount of projects at the time.

Chapter In what direction would you like to develop your practice in the future?

Guglielmo Poletti Due to my interest in construction, I often consider architecture as a possible direction. I am particularly inspired by compact scale works that push the boundaries through crossovers, avoiding standardized classifications.

On the one hand, I am interested in functional hybridizations that can be translated into autonomous spatial statements, open to interpretations that might transcend their surroundings.
On the other hand, I am very attracted by the bare practicality of exposed industrial architecture, frequently modeled around extremely rational thinking where function prevails on aesthetics, eventually becoming aesthetic value itself. I think the perfect middle ground for all these elements to come together is exhibition design. Its scale falls right in between buildings and objects, making it easier to concentrate both on the whole picture and single details simultaneously. On top of that, establishing a dialogue between my work and the specificity of some art contexts I feel particularly close to representing a personal ambition that I hope to fulfill one day.

Chapter Can you give us some insights into upcoming projects?

Guglielmo Poletti The slowdown caused by the global health crisis allowed me to make room for entirely new projects that will be released in the coming months. In the last two years, I have spent a great deal of my time and energy working on the new studio in Milan, which is also my first architectural project. The most exciting part was the »a box in the box« design, a self-supporting platform entirely made of plywood and glass. It has a monolithic outer appearance that contrasts with the hidden inner articulation, characterized by a very accurate space distribution that delineates several functions.

Recently, I have also been busy working on a series of industrial lighting pieces. Light is a new field for me, which I enjoy very much as it gives me the chance to incorporate rigor into more abstract compositions. Finally, I am working on a new limited edition series. I had to go through a long research phase due to the complexities posed by the synthetic material I am experimenting with. This project, which includes my first design of a lounge chair among different typologies will also mark the upcoming collaboration with a new gallery.

]]> https://chapter.digital/elevate-the-daily-9/ Fri, 28 May 2021 14:57:07 +0000 https://chapter.digital/?p=10005133 3Fotografie Felix Frühauf

In unserer Serie »Elevate the Daily« richten wir unseren Fokus aktuell auf das Badezimmer. Abseits des sonst meist im Vordergrund stehenden Produktdesigns sind es diesmal vor allem innovative Ingredienzien, die unsere Redaktion überzeugten: Denn in dieser Ausgabe stellen wir eine Selektion an hochwertigen Pflegeprodukten vor, die die tägliche Badezimmer Routine ein Erlebnis für alle Sinne lassen werden.

DR. BARBARA STURM

In der Welt der Kosmetik zählen die Produkte von Dr. Barbara Sturm aufgrund ihrer innovativen Formel, der entzündungshemmenden Philosophie und dem nicht-chirurgischen Zugang zu Anti-Aging längst zu den internationalen Top-Performern.

Den Weg in den Bereich der Ästhetik hat Dr. Barbara Sturm durch ihre Forschungen im Bereich der Orthopädie gefunden. Mit der Entwicklung der revolutionären MC1 Creme kreierte sie ein hochwirksames, maßgeschneidertes Produkt, das sich die Kraft der Proteine des körpereigenen Blutes zunutze macht, um die sichtbaren Zeichen von Entzündungen zu bekämpfen. Auf diesen Grundgedanken aufbauend brachte sie im Jahr 2014 erstmals ihre eigene Reihe von Pflegeprodukten auf den Markt, die auf Grund ihrer Wirksamkeit auf Zellebene den Beinamen Molecular Cosmetics tragen.

Wissenschaftlich geprägte ästhetische Medizin verschmilzt in Dr. Barbara Sturms Produkten mit reparativen Eigenschaften aus der Natur. Die Reduktion aufs Wesentliche findet sich auch im minimalistischen Packaging Design der gesamten Produktlinie wieder, für dessen Gestaltung sich das Kreativstudio Another Slang verantwortlich zeigt.

Dr. Barbara Sturm, Super Anti-Aging Serum, um 295, – Euro

SUSANNE KAUFMANN

Das Wissen um die Heilkraft der Pflanzen wird im Bregenzerwald im Westen Österreichs von Generation zu Generation weitergegeben. Diese Tradition hat auch Susanne Kaufmann zur Entwicklung ihrer Produktreihe inspiriert, die nun seit knapp 20 Jahren für besonders verträgliche und effektive Hautpflege im Premiumsegment stehen.

Durch leistungsstarke pflanzliche Wirkstoffe und bioaktive Formeln, die auf den neuesten wissenschaftlichen Erkenntnissen beruhen, verfolgt Susanne Kaufmann mit ihrer Pflegeserie den Ansatz zu ganzheitlichem Wohlbefinden und ergebnisorientierter Schönheit. Ein schonendes Kaltpressverfahren gewährleistet bei der Gewinnung der wertvollen Inhaltsstoffe beispielsweise, dass die bioaktiven Eigenschaften der Pflanzen gänzlich erhalten und so direkt an die Haut weitergegeben werden können.

Die Nähe zur Natur hört bei Susanne Kaufmann allerdings nicht bei ihren Pflegeprodukten auf. Eine diesbezügliche Verbundenheit wird auch im Herstellungsprozess, welcher in einer kleinen Manufaktur in Vorarlberg stattfindet, sowie bei der Verpackung, bei der besonders viel Wert auf Nachhaltigkeit gelegt wird, deutlich.

Susanne Kaufmann, Produkte können über den Webshop erworben werden.

AER SCENTS – Accord No. 07: Orris Root

Im Herzen von Berlin-Mitte findet man das Atelier der Parfumeure von AER Scents. Das Parfumhaus, welches sich auf außergewöhnliche Düfte für einen modernen Lebensstil spezialisiert hat, mischt dort exklusive und unveränderte Ingredienzien in Jahrtausenden alten Parfumerietechniken zu spektakulären Kompositionen zusammen.

Den komplexen und vielseitigen Düften von AER Scents wird dabei eine schlichte Namensgebung entgegengestellt. So verbirgt sich beispielsweise hinter Accord No. 07: Orris Root ein anspruchsvolles Duftkonzept, welches um das seltene Harz der Iriswurzel aufgebaut wurde. Der zeitgenössisch schlichte Glasflakon gewährt einen Einblick auf das Parfum, das in einem nahezu goldigen Farbton hinter der eleganten Etikette hervorleuchtet. Durch diese sorgfältig gestaltete Präsentation regen AER Scents mit ihren Produkten die Sinne schon an, bevor die Fläschchen überhaupt erst geöffnet werden.

AER Scents, Accord No. 07 : Orris Root, um 120, – Euro

Augustinus Bader – blomus Marmor Produkte

Die Luxuskosmetik von Augustinus Bader basiert auf über 30 Jahren Forschung und Entwicklung sowie einem kontinuierlichen Innovationsprozess. Den Anfang für die Erarbeitung seiner hocheffizienten Hautpflegeprodukte fand Augustinus Bader durch seine intensive Forschung im Bereich der Stammzelltechnologie, Gewebezüchtung und Narbenheilung. Das Wirkungsprinzip, welches alle Produkte des Kosmetikhauses vereint, führt auf den patentierten Trigger Factor Complex zurück. Durch die TFC8® Technologie werden wichtige Nährstoffe wie natürliche Aminosäuren, hochwertige Vitamine und synthetisierte Moleküle in die Haut geleitet und fördern dort die selbstständige Regeneration der Zellen.

Wer während der Pflege eventuelle Schmuckstücke kurz ablegen möchte, dem bieten die elegante Marmor Aufbewahrungsdose und Marmor Ablageschale von blomus die ideale Möglichkeit dazu. Durch die hochwertige Beschaffenheit des Materials und die vorsichtig ausgearbeitete Form erfüllen diese zwei Produkte während einer entspannenden Pflegeroutine nicht nur ihre Primärfunktion, sondern verleihen dem Badezimmer durch ihre nahezu skulpturalen Eigenschaften zudem noch einen zusätzlichen Hauch von Exklusivität. [Red.]

Augustinus Bader, The Rich Cream, um 225, – Euro

blomus, Marmor Ablageschale und Aufbewahrungsdose, jeweils um 53, 95 Euro

]]> https://chapter.digital/grandes-dames-des-design/ Wed, 02 Jun 2021 15:27:56 +0000 https://chapter.digital/?p=10005215 TEXT Bettina Krause

Sie waren zu Lebzeiten unterschätzt, übersehen, unbekannt: Das Wirken »weiblicher Designer und Architekten« des frühen 20. Jahrhunderts hatte bis vor einigen Jahren für die Öffentlichkeit kaum Relevanz. Namen wie Le Corbusier, Marcel Breuer und van der Rohe sind jedem geläufig. Aber zeitgleich mit diesen Stars der Szene prägten auch einige Frauen die Architektur- und Designwelt maßgeblich. Zu jenen, die im Schatten der männlichen Kollegen standen, aber Bahnbrechendes geleistet und neue Stile hervorgebracht haben, gehören Lina Bo Bardi, Ray Eames und Eileen Gray. In Brasilien, den USA und Europa prägten sie die Design- und Architekturwelt und schufen bleibende Ikonen. Was die drei vereint, ist ihre interdisziplinäre Ausrichtung im Spannungsfeld zwischen Architektur, Design und Kunst ebenso wie ihre beeindruckenden Lebensläufe in Zeiten der großen Umbrüche und Kriege auf der Welt. Nicht zu vergessen ist ihr einzigartiges Talent Klassiker zu schaffen, die heute wie damals die Menschen begeistern.

FUNKTIONAL REDUZIERT REBELLISCH

Ob sie sich über ihre Fähigkeit Formen zu schaffen, die zeitlosen Wert besitzen, bewusst war? Eileen Gray wurde 1878 in eine wohlhabende irische Adelsfamilie geboren. Ein glücklicher Umstand, der ihr zeitlebens Unabhängigkeit und das Studium der Architektur und des Designs in London und Paris ermöglichte. Heute gilt sie als eine der wichtigsten Möbeldesignerinnen und Architektinnen des frühen 20. Jahrhunderts und als einflussreichste Frau in diesen Bereichen.

»To create, one must first question everything.«
Eileen Gray

Zu Lebzeiten wurde ihr diese Adelung jedoch noch nicht zugesprochen. Ihre Karriere begann als Lack-Künstlerin, entwickelte sich zur Designerin und Innenarchitektin und schließlich brachte Gray auch als Architektin ihren ganz eigenen Stil hervor. Lange vor Mies van der Rohe und Marcel Breuer experimentierte Gray mit Möbeln aus Stahlrohr, damals das Material der Stunde. Als Frau blieben Gray jene Netzwerke, von denen ihre männlichen Kollegen profitierten, verwehrt. Und anders als Lina Bo Bardi und Ray Eames war die unabhängige Gray auch nicht mit einem einflussreichen Mann verheiratet.

Unterstützung fand sie bei ihrer Familie. Bemerkenswert ist Grays Fähigkeit, ihre Möbel durch Reduktion und Schlichtheit zu außerordentlicher Klarheit zu präzisieren — was sie zu zeitlosen Klassikern werden ließ. Zu ihren wichtigsten Entwürfen zählt der opulente Bibendum Chair, der aus Leder und Stahlrohr gefertigt ist. Trotz seiner markanten Form strahlt der Sessel Harmonie und Präzision aus. Majestätisch und charmant fügt er sich in seine Umgebung und fand auch in Eileen Grays eigenem Zuhause Platz. Benannt hat sie die Ikone etwas augenzwinkernd nach dem damals prominenten Michelin-Männchen, an dessen Form der Sessel erinnert.

Bibendum Chair, 1920er

Ebenfalls ein avantgardistischer Klassiker ist Eileen Grays Tisch E.1027, der sich heute in der Sammlung des Museum of Modern Art (MoMA) in New York befindet und zu den meist kopierten Entwürfen der klassischen Moderne zählt. Schlicht und reduziert in der Formgebung folgt der Tischentwurf Grays Grundsatz, dass Möbel sich an die Bedürfnisse des Menschen anpassen sollten. In der Höhe verstellbar, mit einem stabilen Standfuß ausgestattet und am Griff leicht transportierbar ist der E.1027 in jeder Situation flexibel einsetzbar. Wie für ihre Entwürfe und die damalige Zeit typisch verwendet die Irin als Materialien Stahlrohr und Glas. Auch die formale Einfachheit und geometrische Klarheit entsprechen ihrer von Funktionalität geprägten, einzigartigen Formensprache.

Der Ausdruck »form follows function« soll diese neue Designidee schließlich zusammenfassen und eine Wandlung ausdrücken, die sich in der Gestaltung vollzog: Was im 19. Jahrhundert als Kunsthandwerk galt, hatte sich im frühen 20. Jahrhundert zum Design entwickelt. Ein Aufbruch, an dem Gray mit ihrem Schaffen beteiligt war. Auch ihr Tisch E.1027 sollte in einem größeren Kontext gedacht werden. War er doch als Einrichtung ihrer Villa E.1027, ebenfalls bekannt als Maison en Bord de Mer in Roque-brune-Cap-Martin, an der Französischen Riviera, entstanden.

Villa E.1027, 1926-1929

Obwohl in den Zwanzigerjahren freie Grundrisse en vogue waren, plante Gray das Haus sehr präzise. Jeder Raum hatte eine zugewiesene Nutzung und Rückzug spielte dabei eine wichtige Rolle. Gemeinsam mit ihrem kurzzeitigen Lebensgefährten, dem Architekten Jean Badovici, entwarf Gray mit der Villa ein eigenes Refugium. Ganz in Weiß und mit atemberaubendem Blick über die malerische Bucht. Weiß sollten die Wände jedoch nicht bleiben. Der mit dem Paar befreundete Le Corbusier soll sich — die Quellen behaupten, ohne das vorherige Einverständnis Grays einzuholen — mit sieben großen Gemälden auf den Wänden verewigt haben. Ein Umstand, der der Hausherrin zum Auszug genügte. Heute steht die Villa unter Denkmalschutz und ist zur Kultstätte avanciert. Auch dank der Non-profit Organisation Friends of e.1027 aus New York City, die Mittel zur Restaurierung beschaffte und damit zum Erhalt des Hauses beitrug. Eileen Gray starb 1976 im Alter von 98 Jahren in Paris nach einem glamourösen, für eine Frau damals außergewöhnlichen Leben. Ihren Ruhm konnte sie zu Lebzeiten nicht genießen, erst heute erzielen ihre Möbel bei Auktionen Millionenwerte.

Bowl Chair, 1951, Gedacht als Möbel im Einklang mit den Bedürfnissen des modernen Wohnraums

Tisch E.1027, 1929, Entworfen für ihre Villa E.1027, zählt der Tisch heute zu den Design-Ikonen des 20. Jahrhunderts

IKONISCH EINDRUCKSVOLL ITALIENISCH

Ebenfalls von Europas Moderne beeinflusst war die Architektin und Designerin Lina Bo Bardi, die 1914 in Rom geboren wurde und dort Architektur studierte. 1946 wanderte sie im Alter von 32 mit ihrem Mann Pietro Maria Bardi nach Brasilien aus und gilt dort als eine der wichtigsten Gestalterinnen und vielseitige, multidisziplinäre Intellektuelle. Bo Bardi war mit den Größen ihrer Zeit bekannt, arbeitete für Gio Ponti, war mit Oscar Niemeyer befreundet und gehörte zu den sehr wenigen Frauen, die sich ihren Platz in dieser Liga erkämpften.

»Architecture and architectural freedom are above all a social issue that must be seen from inside a political structure, not from outside it.«
Lina Bo Bardi

Mit ihren Entwürfen für alle Bevölkerungsschichten prägte Bo Bardi die brasilianische Moderne. Inspiriert wurde sie von lokalen Materialien und von der Natur, was besonders in ihrem ersten und eigenen Haus Casa de Vidro (das gläserne Haus), das sie 1951 in São Paulo realisierte, zum Ausdruck kam. Umgeben von dichtem Urwald und am Hang gelegen, ständerte Bo Bardi den Bungalow zum Teil mit bis zu elf Meter hohen, schlanken Stützen auf. Im Herzen des Hauses platzierte sie das 140 Quadratmeter große, rundum verglaste Wohnzimmer, das sich zur Umgebung öffnet. Eine gläserne Aussparung im Zentrum des Raumes, in der Pflanzen wuchern konnten, unterstützt die Verbindung zwischen Innen- und Außenraum.

Casa de Vidro, Peter Scheier, 1951

Ein Gebäude also, das perfekt an seine Umgebung angepasst ist und mit ihr in Harmonie tritt. Mit kunstvollen Details versehen ist der Betonblock zugleich Ausdruck von Klarheit und Ausdruck der Verschmelzung von europäischer Moderne und brasilianischer Populärkultur. Als ganzheitliche Denkerin entwarf Bo Bardi für ihre Häuser auch immer wieder das Interieur, wie den in den frühen Fünfzigerjahren revolutionären und heute legendären Bowl Chair von 1951.

Die halbrunde, mit Leder bezogene Schale liegt beweglich auf einem Metallgestell auf, ist flexibel verwendbar und klassisch-elegant in der Formgebung. Italienische Präzision trifft auf die Aufbruchstimmung der Fünfzigerjahre. Während der Klassiker heute in allen Farben erhältlich ist, gab es zu Bo Bardis Zeiten noch keine Serienproduktion des Bowl Chair. Er war jedoch nicht als Luxusobjekt, sondern als modernes und erschwingliches Möbel gedacht, das sich in jede Umgebung harmonisch einfügt und sich an die jeweiligen Bedürfnisse anpassen sollte.

Bo Bardi war eine umtriebige Frau, die ihre Talente in verschiedenen Bereichen auslebte. Gemeinsam mit ihrem Mann, der als Galerist, Kunstkritiker und Journalist tätig war, brachte Lina Bo Bardi das Magazin Habitat heraus. Dank seiner Stellung als Gründungsdirektor des Museu de Arte de São Paulo war Bo Bardi mit der Aufgabe betraut, dieses neue Museum zu planen.

Tripod Chair , 1948

Das 1968 entstandene »schwebende« Museum, ist ein kastenartiger Bau aus Beton und Glas, der von zwei roten Bügeln gehalten wird und über einem offenen Platz zu schweben scheint, der von Bo Bardi als Ort der Zusammenkunft geplant war und auch als solcher genutzt wird. Nicht nur mit ihrer Architektur, auch mit ihren Möbeln schaffte Bo Bardi Ikonen. Ihr Holzstuhl Frai Egydio etwa, den die Designerin für ein Theater entwarf, lässt sich senkrecht zusammenklappen und ist nach einem franziskanischen Vorbild aus dem 15. Jahrhundert benannt. Auch ihre Stühle Tripod Chair oder Rocking Armchair sind zu internationalen Design-Klassikern avanciert. Eine Würdigung, die Bo Bardi selbst ebenso wenig erlebt hat wie Eileen Gray. Bis zu ihrem Tode 1992 war Lina Bo Bardi außerhalb Brasiliens weitestgehend unbekannt. Nach einer Aufarbeitung ihres Werkes und einigen Ausstellungen zu ihrem Schaffen wird die Designerin und Architektin heute zurecht in einem Atemzug mit ihren männlichen Kollegen genannt.

Künstlerisch Harmonisch Revolutionär

Zu den wichtigsten Designerinnen des 20. Jahrhunderts zählt fraglos auch die Amerikanerin Ray Eames, die oft im Zusammenhang mit ihrem Mann, dem Architekten Charles Eames in Erscheinung tritt. 1912 in Sacramento, Kalifornien geboren, studierte die junge Ray Malerei in New York. 1941 erfolgte die Heirat mit Charles, mit dem sie zusammen lebte und arbeitete. In der Aufbruchstimmung nach dem Zweiten Weltkrieg, vom Glauben an den Fortschritt überzeugt, entwickelten die beiden Möbel, deren Nutzbarkeit eine größere Rolle spielte als ihre Schönheit.

»What works good is better than what looks good, because what works good lasts.«
Ray Eames

Charles und Ray Eames nach einer Fotoproduktion für die Molded Plywood Chair Group, 1946

Das Ehepaar auf einem Velocette Motorrad, fotografiert in ihrem Büro in Venice, Kalifornien,1948

Hatte das Paar im Zweiten Weltkrieg noch mit Formholz experimentiert um Schienen für die Versorgung von Knochenbrüchen zu entwickeln, nutzten sie ihre Erfahrungen mit dem Material nach dem Krieg für ihre Möbelentwürfe. Aus Sperrholz komplexe Formen zu gestalten war bahnbrechend und sollte das Möbeldesign des 20. Jahrhunderts grundlegend verändern. Möglich war die Verarbeitung mit Hilfe der Kazam Maschine, die das Ehepaar Eames eigens bei sich zuhause entwickelt hatte. Sie ermöglichte es, das Sperrholz so starkem Druck auszusetzen, dass es sich biegen ließ.

Als erstes Ergebnis ging der Plywood Chair aus diesen Experimenten hervor. Als Paar hatten Charles und Ray eine klare Aufgabentrennung. Während Charles sich den konstruktiven Fragen zuwendete, war Ray die Kreative. Mit ihrem Background als Künstlerin hatte sie einen außerordentlichen Blick für Harmonie und Ästhetik in der Gestaltung. Obwohl sie zeitlebens im Schatten ihres Mannes stand, war Ray maßgeblich an den Eames-Entwürfen beteiligt. Ihr gelang es, aus einem guten Entwurf einen exzellenten zu machen.

La Chaise, 1948

In den Arbeiten des Paares wurde das gebogene Schichtholz im Laufe der Jahre durch Kunststoffe ergänzt und die Möbel schließlich in Massenproduktion hergestellt. Die Eames interpretierten die Ideen der Bauhauszeit neu und übertrugen sie in die Moderne der 1950er und 1960er Jahre. Sie schufen zeitlose, elegante Formen, die Leichtigkeit ausdrücken. Zu ihren wichtigsten Entwürfen zählen neben dem Side Chair, der noch heute in vielen Wohnungen zu finden ist, etwa der Lounge Chair als bequeme Neuinterpretation des klassischen englischen und oft sperrigen Salonsessels. Der luftige La Chaise mit seiner organischen Form und dem konstruktiv-technischen Unterbau kann heute eindeutig als Entwurf von Ray Eames zugeordnet werden.

Wie ihre Kolleginnen Gray und Bo Bardi schuf auch Ray Eames Architektur. Am bekanntesten ist das Eames House in Pacific Palisades, Los Angeles. In diesem privaten Wohnhaus des Paares von 1949 lebte Ray bis zum Schluss. Auf den ersten Blick erinnert das Haus an ein Bild des niederländischen Malers Piet Mondrian: Die Fassade der Glas-und Stahlkonstruktion ist in rechteckige farbige Flächen unterteilt, die von dünnen schwarzen Stahlträgern umrahmt sind.

Ähnlich dem Entwurf von Lina Bo Bardis gläsernem Haus ist auch das Eames Gebäude von der Natur eingefasst und öffnet sich zu einer Seite mit einer komplett verglasten Fassade. Der Entwurf entstand gemeinsam mit dem Architekten Eero Saarinen und soll nach Angaben der Architekten »für die notwendige Ablenkung von den Problemen und Komplikationen des Alltags sorgen«, heißt es. Als klares geometrisches Volumen, dessen tragende Teile sämtlich aus Standardbauelementen bestehen, gilt es heute als Meisterwerk der Moderne. Wenngleich Ray und Charles als Paar agierten, stand Charles deutlich mehr im öffentlichen Interesse als Ray. Nachdem er 1978 starb, lebte Ray noch zehn Jahre. Als wesentliche Ideengeberin und Miturheberin der Eames Entwürfe wird sie erst seit wenigen Jahren gesehen und entsprechend gewürdigt.

Noch heute sind die Stars der Architektur- und Designwelt überwiegend Männer. Zwar haben es Frauen nicht mehr so schwer unabhängig ihren Weg zu gehen wie die vorgestellten Damen, aber wahre Anerkennung und ebenbürtigen Respekt wie die männlichen Kollegen zu erlangen ist auch im 21. Jahrhundert noch nicht selbstverständlich. Umso wichtiger ist es, Frauen ihren verdienten Platz in der Kulturgeschichte zuzuschreiben und ein Bewusstsein für ihren großen Einfluss auf unsere heutige Welt zu schaffen.

Wire Chairs, fotografiert von Charles Eames, ca. 1951-1953

Für »Elevate the Daily« richten wir unseren Fokus diesmal auf das Badezimmer. Als Ort, welcher für viele Menschen als Sinnbild für Pflege und Entspannung gilt, bietet sich schönem Design hier die ideale Voraussetzung, um eine harmonische Beziehung mit seinem Umfeld einzugehen. Wenn auch stets im Zentrum der Aufmerksamkeit sind es jedoch nicht ausschließlich schöne Designs, sondern auch innovative Ingredienzien oder herausragende Funktionalität, die uns bei den im Folgenden präsentierten Produkten überzeugten. Im ersten Teil unserer Selektion an hochwertigen Bathroom Accessories widmen wir uns dem Bart und der Rasur.

GRAHAM HILL Bartbürste – STUDIOPEPE Pepe Marble Mirror

Graham Hill – legendärer Formel-1-Fahrer, der in den Sechziger- und Siebzigerjahren unter anderem mit zwei Weltmeistertiteln für Furore gesorgt hat – war nicht nur höchst erfolgreicher Motorsportler, sondern genoss auch den Ruf eines echten britischen Gentlemans. Weltoffen, zuvorkommend und gepflegt. Es überrascht also kaum, dass die Pflegeprodukte der gleichnamigen Marke eine Hommage an die Stilikone mit stets perfekt frisierter Haarpracht und makellosem Moustache sind.

In diesem Sinne macht auch diese edle Bartbürste dem Rennfahrer alle Ehre. Hochwertiges, geöltes Walnussholz und echte Wildschweinborsten machen die GRAHAM HILL-Bürste zu einem Qualitätsprodukt, welches aufgrund seiner praktischen Größe auch unterwegs in keiner kultivierten Bart-Routine fehlen darf.

Einen perfekten Blick auf den Bart gewährt der luxuriöse Pepe Marble Mirror, welchen das Mailänder Designduo Studiopepe für MENU entwickelt hat. Neben einem flachen Spiegel ist auf der Rückseite des Pepe Marble Mirrors zudem ein Vergrößerungsspiegel zu finden – diesem entgeht kein schiefes Härchen oder ungewolltes Detail. Einem rundum gepflegten Look kann mit dieser Produktkombination also nichts in die Quere kommen.

Studiopepe, Pepe Marmor Spiegel, um 499,95 Euro

GRAHAM HILL, Bartbürste, um 19, – Euro

Braun – Series 9 Wet & Dry Rasierer

Braun selbst beschreibt den Series 9 Wet & Dry als seinen »besten und effizientesten Rasierer« und bereits ein kurzer Blick auf dessen Features lässt keinen Zweifel an der Exzellenz dieses Produktes aufkommen. Mit rund 40.000 Schneidebewegungen pro Minute entgeht diesem Rasierer kein Barthaar. Selbst flach anliegende Härchen können dem Scherkopf, welcher sich aus fünf Rasierelementen zusammensetzt, dank seiner 40 Grad Anpassung nicht entkommen. Durch die innovative AutoSense^TM -Technologie erkennt der Rasierer den Bartwuchs und passt die Leistung des Rasiermotors an unterschiedliche Bartdichten an. Bei so viel Bewegung sorgt das SkinGuard Element dafür, dass die Haut zu keinem Zeitpunkt verletzt werden kann.

Durch die schwarze Designedition, welche anlässlich des 100-jährigen Jubiläums des Herstellers auf den Markt gebracht wurde, wurde dem Gerät zudem eine noch exklusivere Optik verliehen.

Braun, Series 9 Wet & Dry Rasierer, ab 359, – Euro

MÜHLE – COMPANION

Mit dem COMPANION Rasierhobel für Gesicht und Körper beweist die Traditionsmarke MÜHLE einmal mehr ihren Pioniergeist in Sachen Nassrasur. So ist ihr neuester double-edge Rasierer nicht nur nachhaltig, innovativ und regional, sondern wurde zudem speziell für den geschlechterübergreifenden Einsatz und die Rasurbedürfnisse aller Nutzer und Nutzerinnen entwickelt.

Der etwas längere Griff sorgt dafür, dass der COMPANION für eine komfortable Rasur von Kopf bis Fuß die richtige Wahl ist. Die Struktur des Griffs erinnert in ihrer Optik an einen Fingerabdruck und bildet somit nicht nur eine Referenz zum Namen des Rasierers – COMPANION – sondern gewährleistet gleichzeitig einen besonders guten Grip.

Durch die in verschiedenen Farben erhältliche Baumwollkordel, welche am Ende des Rasierhobels zu finden ist, kann der COMPANION nicht nur praktisch hängend und einsatzbereit aufbewahrt werden, sondern beugt zudem auch Verwechslungen der jeweiligen Rasierer in einem Mehrpersonenhaushalt vor. [Red.]

MÜHLE,COMPANION, um 39,– Euro

Einen zeitgenössischen Ansatz findet man diesbezüglich zum Beispiel in Form von Co-Working Spaces. Nachdem FreelancerInnen und Start-ups bereits vor vielen Jahren den Anfang gemacht haben, wenden sich nun zusehends auch andere Zielgruppen wie auch ganze Unternehmen dieser flexiblen Office-Lösung zu. Ein stetig exklusiver werdendes Angebot dieser Räumlichkeiten, welches sich zum Beispiel durch ein stilvolles Interieur, exzeptionelle kulinarische Optionen, aber auch TED Talk ähnlichen Bildungsangeboten auszeichnet, lässt die Grenzen zwischen Arbeit und Privatleben auch gerne mal verschwimmen. Wir stellen drei dieser Premium-Workplaces vor, die die Idee eines klassischen nine to five in die weite Ferne rücken lassen.

NeueHouse – Hollywood

Mit derzeit zwei Standorten in Los Angeles und einem in New York (Eröffnungen an drei weiteren Locations folgen noch dieses Jahr) hat sich das NeueHouse zu einem exklusiven Treffpunkt und privaten Arbeitsraum für ein kuratiertes Kollektiv von Kreativen, InnovatorInnen und VordenkerInnen entwickelt. Aufbauend auf den vier Grundprinzipien von Community, Design, Content and Hospitality hat es sich die Gruppe von NeueHouse zur Aufgabe gemacht der perfekte Raum für kreative Arbeit und Networking zu sein.

In den ehemaligen CBS Studios, welche in den Dreißigerjahren von dem Architekten William Lescaze gebaut wurden, hat das NeueHouse Hollywood eine Location gefunden, welche eine lange Geschichte als Treffpunkt für die Kreativ- und Unterhaltungsbranche vorzuweisen hat. Gemeinsam mit der Rockwell Group hat sich die NeueHouse Design Group darauf fokussiert, diese Energie und den Geist bei der Umgestaltung des Gebäudes beizubehalten.

Während durch Betonwände, freiliegende Deckenrohre und der Verwendung von weißem Marmor und Chrom Kontraste zwischen fertigen und unfertigen Materialien erschaffen wurden, sorgt eine Auswahl von stilvollem, hochwertigem Mobiliar für ein besonderes Office Erlebnis zwischen Comfort of your own home und Luxushotel. Durch das sich stets wechselnde kulinarische Angebot, einem umfassenden Kulturprogramm und zahlreichen Events wird ein Arbeitstag in jedem NeueHouse vielmehr zu einem mitreißenden Gesamterlebnis.

The Bureau – Paris

Seit seiner Gründung 2016 in Paris hat es sich The Bureau zum Ziel gesetzt eine neue, zeitgemäße Art des Arbeitens zu fördern indem es elegante, funktionale und benutzerfreundliche Spaces anbietet, welche ihre Vision eines französischen Arbeits- und Lebensstils widerspiegeln.

The Bureau an der 25 rue du 4 Septembre im zweiten Pariser Arrondissement ist einer von insgesamt drei Standorten der Gruppe und bildet einen Treffpunkt für eine neue Generation von Pariser EntscheidungsträgerInnen. Bei den vom Architekturbüro Franklin Azzi Architecture gestalteten Räumlichkeiten wurde mit der Verwendung von hochwertigen Materialien wie Eiche oder geriffeltem Glas darauf geachtet traditionelle visuelle Codes einer Office Umgebung zu durchbrechen. Gleichzeitig wurden geschlossene Büros und Arbeitsflächen bewusst schlicht gehalten, um ein neutrales Arbeitsumfeld zu gestalten, bei welchem Produktivität und Konzentration im Fokus stehen. Für eine visuelle Einheit zwischen den verschiedenen Adressen des Pariser Bürokonzepts sorgt die Innenausstattung von The Socialite Family.

Neben einem Fitnessstudio findet man in den Offices von The Bureau zudem ein Restaurant, in dem das Design und der Komfort, aber vor allem die französische Küche rundum geschmackvolle Momente beim Mittagessen versprechen.

Fosbury & Sons – Amsterdam

An der Prinsengracht, direkt im Herzen von Amsterdam, findet man seit Anfang 2020 eine Dependance des belgischen Coworking-Konzeptes von Fosbury & Sons. Für die stilvollen und inspirierenden Räume und deren Interieur sorgte, wie auch bei anderen Fosbury & Sons Standorten, das belgische Architekturstudio Going East.

Beim Umbau des Prinsengrachtziekenhuis, einem ehemaligen Krankenhaus, welches im 19. Jahrhundert erbaut wurde, achtete man besonders darauf, ursprüngliche Charakterzüge des Gebäudes zu berücksichtigen. »Wir beschlossen, in den Suiten wieder Parkett zu verlegen, so wie wir es auf alten Fotos gesehen hatten«, sagt Going East-Designerin Anaïs Torfs. Zudem wollten die DesignerInnen eine authentische italienische Palazzo-Atmosphäre entlang der Grachten nachbilden. »Wir betonten die schönen Bögen und einige der verfallenen Decken wurden absichtlich beibehalten. Bezüglich des Interieurs stehen vor allem Kontraste im Mittelpunkt: alt versus neu und klassisch versus modern, zusammen mit Details aus buntem Marmor, reichen Wollstoffen und Vintage-Design.« In Zusammenarbeit mit den Galerien Grimm Gallery and The Ravenstijn Gallery wurden die Gemeinschaftsräume mit zeitgenössischen Kunstwerken ausgestattet.

In dem insgesamt 230 Quadratmeter großen Fosbury & Sons Café können Freunde und Familie für ein gemeinsames Mittagessen in Empfang genommen werden. Somit sorgt das belgische Coworking-Konzept auch dafür, dass Privatleben und Arbeit noch etwas nahtloser ineinander übergehen. [MLS]

Sofitel Legend Old Cataract Assuan – koloniales Tausendundeine Nacht

Im südlichsten Teil Ägyptens, direkt am Ufer des Nils steht in der Stadt Assuan eine wahre Hotellegende. Das Sofitel Legend Old Cataract. Es gibt nur wenige Orte, an denen verschiedene Kulturen auf so magische Weise miteinander verschmelzen wie in diesem Grand Hotel. Bereits baulich treffen hier zwei Welten aufeinander. Außen die schmucke, viktorianische Fassade mit ihren großen Terrassen und Loggien im Kolonialstil, im Inneren hingegen arabische Details. Kostbare orientalische Holzschnitzereien, Intarsien und außerdem maurische Kuppeln und Säulenbögen, wohin man auch sieht. Doch nicht nur die Architektur, auch die illustre Gästeliste des Hotels verdeutlicht, dass Old Cataract schon immer ein Haus verschiedenster Kulturen war. Der Aga Khan logierte hier genauso wie Winston Churchill, der sozialistische Präsident François Mitterand genoss das Ambiente am Nil wohl nicht weniger als die berühmteste Prinzessin aller Zeiten, Lady Di.

Welcher der klangvollen Namen, die im Gästebuch des Hauses stehen, die größte Strahlkraft hat, lässt sich schwer sagen, doch auf die Frage, welcher Gast des Hauses dem Ruhm des Hotels am meisten dienlich war, da kann es nur eine Antwort geben: Agatha Christie. Es ist nicht wirklich möglich, dass Sofitel Legend Old Cataract zu beschreiben, ohne die Schriftstellerin zu erwähnen. Schließlich war es nicht eine pikante Klatsch-Episode rund um ein gekröntes Haupt oder einen Präsidenten, dem das Hotel seinen Weltruhm zu verdanken hat, sondern eben ein Kriminalroman. Agatha Christie, die während des Verfassens von Tod auf dem Nil im Old Cataract wohnte, war von ihrer Unterkunft so angetan, dass sie einen Teil des Handlungsstrangs direkt ins Grandhotel verlegte. Auch als der Film erstmals 1978 mit einer Starbesetzung rund um Bette Davis, Mia Farrow, Sir Peter Ustinov und Dame Maggie Smith verfilmt wurde, entschied sich der Regisseur John Guillermin dafür, dass sich der Aufwand lohnt, vor Ort zu drehen und nicht etwa eine Kulisse im Studio vor den Toren Londons nachzubauen.

Die allgegenwärtige britische Noblesse, die Agatha Christies Bücher so einzigartig macht, ist dabei auch ein wesentliches Charaktermerkmal des Hotels. Das Old Cataract ist auch heute noch sinnbildlich für ein Ägypten der romantischen Nostalgie und des Müßiggangs, weit weg vom Lärm und Schmutz der Hauptstadt Kairos oder dem Massentourismus an der Küste des Roten Meeres. Besonders wenn man bei einem Gin Tonic auf der Terrasse den Feluken mit ihrem überdimensionierten Segeln zusieht, wie sie vor der Abendröte auf dem Nil dahingleiten, erscheint dieser Ort fast surreal in seiner Schönheit. Fast wie im Film, nein, genau wie im Film. [AD]

Verantwortlich für das Design: Tourismus-Pionier Thomas Cook realisierte mit dem Old Cataract seine Idee des perfekten Hotels.

Lieblingsmöbel: Der opulente Bartresen in dunklem Holz mit seinen arabischen Schnitzereien.

Absolut dekadent: Bei Pianomusik – natürlich live – unter den unzähligen Lichtern der maurischen Kuppel des Restaurants 1902 ein Fünf-Gänge-Menü genießen.

Überhaupt nicht dekadent: Die Historie des neueren Teils des Hotels. Während hier heute 62 extrem luxuriöse und mindestens sechzig Quadratmeter große Zimmer und Suiten untergebracht sind, war dieses Gebäude zu seiner Eröffnung 1961 als Herberge für eine preissensible Klientel konzipiert und hatte deswegen ursprünglich mehr als doppelt so viele Zimmer.

Covid-19 Status: Das Hotel ist geöffnet. Vor touristischen Reisen nach Ägypten wird aufgrund des Pandemiegeschehens jedoch aktuell abgeraten.

»Um einen Porsche 911 zu zeichnen, braucht man eigentlich nur zwei Striche«, sagte der ehemalige Porsche-Designer Tony Hatter vor einigen Jahren in einem Interview. Im Herbst 2020 beendete er nach insgesamt 34 Jahren seine Karriere bei Style Porsche. Ersetzt man das Wort »Striche« durch »Linien«, wird schnell klar, worauf der Designer anspielt. Die klassische Linienführung des 911 steigt kurz an und fällt dann lang und sanft wieder ab. Diese ebenso charakteristischen wie klaren Linien sorgen dafür, dass der Porsche 911 bis heute auf den ersten Blick als solcher erkennbar ist. Diese Ansicht vertritt auch Peter Varga, Director Exterieur Design bei Porsche: »Der 911 lebt von seiner einmaligen Formensprache. Allein die Silhouette spricht für sich: Anhand seiner genial gezeichneten Silhouettenlinie erkennt jeder auf Anhieb den 911.« Aufgeräumtheit, wie der Porsche Chef-Exterieur-Designer die puristische Erscheinung der gesamten 911-Baureihe nennt, Leichtigkeit sowie Alltagstauglichkeit stehen auf der Prioritätenliste ganz oben.

Die Silhouette des Neunelfer, wie wir sie heute noch mit kleinen Abweichungen kennen, war ein Werk von Ferdinand Alexander Porsche. Er kam 1958 zu Porsche, nachdem er sein Studium an der Hochschule für Gestaltung in Ulm abgebrochen hatte. Der 911, der damals noch unter dem Namen 901 lief, entstand aus seinen Skizzen. Im September 1963 wurde er auf der IAA in Frankfurt präsentiert. Die Designidee, das Auto mit dem heute als ikonisch geltenden abfallenden Heck auszustatten, reicht jedoch noch viel weiter zurück – nämlich zum VW Käfer, aus dem Ferdinand Porsche den 356 entwickelte – jenen Sportwagen, mit dem im österreichischen Gmünd die Markengeschichte des Automobilherstellers begonnen hatte. Aus dieser Tradition ergab sich auch die bis heute anhaltende Bekenntnis zum Heckantrieb, der wiederum auf die typisch »freundliche« Mimik des Neunelfers Einfluss nahm. Den oft so aggressiv anmutenden Kühlergrill, wie er bei Sportwägen sehr oft vorkommt, hat der Porsche 911 nämlich nicht. Die runden Scheinwerfer tragen ebenfalls dazu bei, dass der Front des Autos gerne ein freundlicher Ausdruck zugeschrieben wird.

Seine unverwechselbare Form verdankt der Neunelfer Ferdinand Alexander Porsche.

Seither ist der Porsche 911 von einer Generation zur nächsten sehr behutsam verändert worden. Immer mit dem Augenmerk darauf, nicht zu stark in die charakteristische Silhouette einzugreifen. Insgesamt wurden die Autos stets ein wenig länger und auch ein bisschen breiter. »Aus meiner Sicht hat der 911 über die Jahre immer bessere Proportionen erhalten«, erklärt Peter Varga anlässlich der Präsentation der achten Generation. »Diese Entwicklung haben wir fortgesetzt, indem wir die neue Generation vorne und hinten verbreitert haben. Dadurch wollen wir den 911 noch knackiger, sportlicher und kerniger machen. Dass der Vorderwagen nun breiter geworden ist, tut dem 911 allgemein sehr gut.« Als Designer ist für ihn, wie er erklärt, das Heck aufgrund der Aerodynamik der spannendste Bereich: »Der 911 braucht sehr viel Abtrieb auf der Hinterachse; gleichzeitig war es das Ziel, den Cw-Wert weiter zu verbessern. Diese Anforderungen, – kombiniert mit der abfallenden Dachlinie – waren eine sehr große Herausforderung, mit der wir uns intensiv beschäftigt haben.« [SW]

Olav Kupferkernpfanne

In einer sorgfältig kuratierten Küchenausstattung sollte eine beschichtete Kupferkernpfanne von Olav auf keinen Fall fehlen. Durch die besonders gute Wärmeleitfähigkeit des Kupferkerns werden selbst geringste Temperaturänderungen sofort übernommen. So wird eine besonders präzise Hitzebestimmung ermöglicht, welche selbst bei anspruchsvollen Gerichten eine on-point Zubereitung garantiert. Sollte die Temperatur aber trotzdem mal etwas zu hoch geraten sein, besteht kein Grund zur Sorge, – denn durch die Antihaftbeschichtung lässt dieses Kitchentool nichts so schnell anbrennen. Der Edelstahlmantel sorgt für besondere Langlebigkeit der Pfanne und ihre Spülmaschinen-Kompatibilität schafft mehr Zeit für ein gemütliches Abendessen.

Olav, Beschichtete Kupferkernpfanne, um 155,– Euro

Mono Messerset SK59

Das Messerset SK59 von Mono – made in Germany – prägt eine neue Generation von Küchenmessern. Trotz ungewohnter Form liegen die High-End Messer vertraut in der Hand eines jeden Koches und jeder Köchin. Dabei sind sie nicht nur aufgrund ihres eleganten Designs eine Attraktion in jedem Messerstock, denn durch einen aufwändigen Herstellungsprozess und die Verwendung hochwertigster Materialien zeichnen sich die Klingen durch eine besonders hohe Schneidequalität sowie Schnitthaltigkeit und Rostbeständigkeit aus. Ob besonders grobes Schnittgut, Fleisch, Gemüse oder feine Kräuter – mit dem dreiteiligen Set ist man in der Küche für alle Schneidesituationen bestens gewappnet.

Mono, Messerset SK59 dreiteilig, um 275,– Euro

Raumgestalt Pfeffer- und Salzmühle

Selbst (oder gerade) der finale Schritt im Kochprozess – das abschließende Würzen – will mit dem angemessenen Werkzeug durchgeführt werden. Die reduzierte Salz- und Pfeffermühle von Raumgestalt erweist sich hier als das ideale Objekt. Das klare Design sieht von allen unnötigen Verzierungen ab und hebt sich vor allem durch die Wahl erlesener Materialien und deren Bearbeitung hervor. So erhält das Eichholz beispielsweise durch einen bestimmten Räucherprozess einen etwas dunkleren, aber nach wie vor natürlichen Farbton. Das hochwertige Mahlwerk aus Keramik sorgt abschließend dafür, dass beim Kochen auch der letzte Handgriff sozusagen reibungslos verläuft. [Red.]

Raumgestalt, Salz- und Pfeffermühle, um 138,– Euro

In unserer Serie »Elevate the Daily« richten wir unseren Fokus diesmal wieder auf hochwertige und besonders schön designte »Kitchen Tools«. Wir haben dafür herausragende Produkte aus dem Küchen-Kontext zusammengestellt, welchen es durch innovative Funktion und elegantes Design gelingt unseren Alltag eine Spur außergewöhnlicher zu gestalten. Nachfolgend stellen wir drei Tools vor, die uns nicht nur vielseitige Unterstützung bieten, sondern auch mal den Lieferservice vergessen lassen.

KitchenAid

Um einen echten Alleskönner und eine feste Größe in der Welt des Industriedesigns handelt es sich bei der Küchenmaschine von KitchenAid. Mit einer Vielzahl von Aufsätzen greift einem das legendäre Küchengerät bei den unterschiedlichsten Arbeitsschritten im Kochprozess unter die Arme. So kann man sich zum Beispiel dank des dreiteiligen Pastavorsatzes bei der Zubereitung des Lieblingspastagerichts neben der jeweiligen Sauce auch um die Nudeln selbst kümmern. Ihrem unverkennbaren Design, welches im Jahre 1937 von Egmont Arens entworfen wurde, hat es die KitchenAid zudem zu verdanken, dass man sie nicht nur in den Küchen von KochenthusiastInnen aus aller Welt, sondern auch im Museum of Modern Art in New York bewundern kann.

KitchenAid, Küchenmaschine, um 749,– Euro

KitchenAid, Nudelwalze und -schneider, um 199,– Euro

Braun, Stabmixer MultiQuick 9125XS

Zum 100-jährigen Jubiläum hat Braun eine Edition von Geräten in elegantem Schwarz herausgebracht, in denen sich die Designprinzipien der Traditionsmarke deutlich widerspiegeln – schlicht, nützlich und langlebig. Eines dieser Produkte ist der Stabmixer MultiQuick 9125XS, welcher durch seine vielseitige Anwendbarkeit ganz im Sinne der kulinarischen Experimentierfreude steht. Anhand des leistungsstarken 1.200 Watt Motors und der ActiveBlade Technologie, bei der sich die Klingen des Mixers nach unten und nach oben bewegen, können so selbst die härtesten Zutaten unangestrengt verarbeitet werden. Durch die dreistufige Geschwindigkeitssteuerung können die Mixvorgänge den einzelnen Gerichten angepasst und die Konsistenzen besser bestimmt werden. So ist das effiziente Kitchentool aus vielerlei Kochsessions kaum noch wegzudenken.

Braun, Stabmixer MultiQuick 9125XS, um 119,– Euro

Ooni Fyra 12 Holzpellets Pizzaofen

Um authentischen Pizzagenuss ins eigene Zuhause zu bringen, müssen dank des Ooni Fyra 12 zukünftig keine Lieferdienste mehr in Anspruch genommen werden. Der kompakte Pizzaofen wird mit Holzpellets betrieben und erhitzt sich so in nur 15 Minuten auf bis zu 500 Grad. Während einer nur 60-sekündigen Backzeit sorgt der Ooni Fyra 12 für erstklassige Pizzen mit aromatischem Steinofengeschmack. Durch das geringe Gewicht kann der Ooni Fyra 12 unkompliziert transportiert und spontan auf jedem Outdoor-Platz zur Anwendung gebracht werden. So wird jeder Pizzaabend mit Freunden zu einem interaktiven Gesamterlebnis. [Red.]

Ooni, Fyra 12 Holzpellets Pizzaofen,um 299,– Euro

In unserer Serie »Elevate the Daily« richten wir diesmal den Fokus auf hochwertige und besonders schön designte »Kitchen Tools.« Unsere Redaktion hat dafür Produkte aus dem Küchen-Kontext unter die Lupe genommen, welchen es durch ihr elegantes Design gelingt, automatisierte Abläufe im day-to-day kurz zu unterbrechen und unseren Alltag eine Spur außergewöhnlicher zu gestalten. Dabei sind einige der ausgewählten Produkte vermutlich auch für jene interessant, die üblicherweise nicht allzu viel Zeit in der Küche verbringen. Zu Beginn widmen wir uns voll und ganz dem Kaffeegenuss.

De’Longhi – La Specialista Prestigio EC 9355

Durch ein authentisches Kaffeeerlebnis schafft es De’Longhi mit seiner neuesten Premium Kaffeemaschine La Specialista Prestigio EC 9355 einen Hauch von italienischem Flair in das eigene Zuhause zu bringen. Neben dem eleganten Edelstahlgehäuse vereint die Maschine eine Kombination an Funktionen, die gemeinsam für ein qualitativ hochwertiges Endprodukt sorgen. So gewährleistet die exklusive Sensor GRINDING Technology zum Beispiel den perfekten Mahlgrad, bevor die TAMPING Station das Pulver anschließend für die ideal temperierte Brühung vorbereitet. Der professionelle Milchschäumer setzt zudem jedem Cappuccino eine Schaumkrone auf, die jener des Lieblingsbaristas um nichts nachsteht.

 De’Longhi, La Specialista Prestigio 

Ember Mug²: Stainless Steel Edition

Wie der Name schon suggeriert, möchten die meisten Heißgetränke im Idealfall auch bei einer entsprechenden Temperatur zu sich genommen werden. Sollte dem unverzüglichen Genuss jedoch eine unerwartete Unterbrechung in die Quere kommen, so verspricht die Ember Mug² selbst dann ein vollkommenes Kaffeeerlebnis. Denn die weltweit erste Tasse mit Temperaturregelung sorgt dafür, dass warme Getränke vom ersten bis zum letzten Schluck konstant erhitzt bleiben. Via Ember App kann nicht nur die Steuerung der Wärme in die Hand genommen, sondern auch gleich Präferenzen für weitere Anwendungen gespeichert werden. Mit ihrem eleganten, reduzierten Design ist die Ember Mug² nebst innovativer Funktion zudem auch optisch ein wahres Alltags-Upgrade.

Ember, Mug²: Metallic Collection, um 149,95 Euro

illy Art Collection – Stefan Sagmeister Collection

Seit 1992 dienen weiße Kaffeetassen von illy immer wieder als Ausgangsbasis für eine Zusammenarbeit des Unternehmens mit international anerkannten KünstlerInnen und DesignerInnen. Im Rahmen der illy Art Collection werden so wahre Sammlerstücke kreiert. Die aktuelle Kollektion wurde vom renommierten Grafikdesigner Stefan Sagmeister gestaltet. Die verspiegelten Tassen und bunten Untersetzer verursachen spannende Reflektionen, welche die Tassen aus jedem Winkel anders erscheinen lassen. Als Cappuccino- und auch Espressotassen erhältlich, sorgt die aktuelle illy Art Collection auf jeden Fall dafür, ein bisschen mehr Kunst in die tägliche Routine mit einfließen zu lassen. [Red.]

illy, Art Collection von Stefan Sagmeister, ab 48,– Euro

Am 16. Februar 2013 geschah das Ungeheuerliche. An jenem Tag eröffnete im Moderna Museet in Stockholm eine Ausstellung mit 230 Exponaten, die das Herz der Kunstwelt in seinen Grundfesten erschütterte. Als die Werke anschließend nach Berlin in den Hamburger Bahnhof — Museum für Gegenwart zogen, konnte auch im Geburtsland des Bauhauses niemand mehr die Augen verschließen vor einem bodenlosen Skandal: Zu sehen gab es eine Schau der schwedischen Künstlerin Hilma af Klint, deren Skizzen und Zeichnungen, datiert um 1900, Wassily Kandinsky in aller Öffentlichkeit vom Thron der modernen Malerei stieß. Für immer und von einer Frau.

Nun war af Klint keine Studentin der berühmten Schule der Moderne. Und doch steht ihr Bild Chaos, N°2 von 1906 stellvertretend für das Schaffen zahlloser Frauen, welche im Licht des Patriarchats verblassten — auch an eben jener Institution, die sich in Weimar, Dessau und Berlin den Fortschritt auf die schnörkellose Fahne schrieb. Seit 1919 steht das Bauhaus für Revolution in Kunst, Design und Architektur: Die Satteldach gekrönte Landhausidylle wich Quadern mit großen Glasfronten, ein Teeservice wurde auf klare Linie getrimmt, statt mit floralen Ergüssen dem Auge zu schmeicheln. Trotz seiner kurzen Existenz hatte das Bauhaus maßgeblichen Einfluss auf die Verbreitung der klaren Formensprache und seriellen Produktionen weltweit, sei es bei Gebäuden, Textilien, Möbeln oder Haushaltsgegenständen. Umgekehrt beeinflusste die südamerikanische und arabische Kultur mit ihrer Kunst durch reisende BauhäuslerInnen die Entwicklung des Bauhaus-Designs. Insbesondere die Experimentierfreude in der »neuen Welt« und spätestens durch Migration in die USA schwappte diese Welle aus einem durch Diktaturen und Terror erschütterten Europa auf den amerikanischen Kontinent. Ganz augenscheinlich wird dies etwa in den Stadtzentren von Chicago bis nach São Paulo, wo bis heute Gebäude stehen, die im Berlin der 1940er Jahre undenkbar waren oder als entartet galten. Wer die Stars des Bauhauses aufzählt, dem fallen sofort Namen wie Gropius, Kandinsky oder Breuer ein, Herren um Herren. Wer weiß schon, dass die ikonische Teekanne aus Silber und Ebenholz — bis heute ein Verkaufsschlager — von Marianne Brandt entworfen wurde oder dass Walter Gropius’ Frau Ise die Meisterhaus-Entwürfe ihres Mannes korrigierte? Und wer kennt Gunta Stölzl, die die Sektion Weberei am Bauhaus Dessau leitete und deren Textilien so viele Stühle des Meisters Marcel Breuer überhaupt erst zum Funktionieren brachten?

»Als Lehrling aufgenommen wird jede unbescholtene Person ohne Rücksicht auf Alter und Geschlecht, deren Begabung und Vorbildung vom Meisterrat als ausreichend erachtet wird.«
Walter Gropius, Direktor, im Programm des Bauhauses Weimar, 1919

Auch am Bauhaus bestand das Problem, das gewohnte Klassenbild dem eigenen avantgardistischen Streben unterzuordnen. Während man sich vom Dekorativen abwenden wollte und die Konventionen öffentlich in Frage stellte, sahen plötzlich viele Frauen die Chance, das zu erlernen, was ihnen an den üblichen Hochschulen meist verwehrt blieb. Zu viele. Denn bereits im ersten Semester stellten Frauen mehr als die Hälfte der BewerberInnen: Für das Sommersemester 1919 waren 84 weibliche und 79 männliche Studierende am Bauhaus eingeschrieben. Sie wollten zur Töpferei oder in die Architektur, sie wollten malen und Metall bearbeiten. Die männlich dominierte Gesellschaft, die gerade das erzkonservative Kaiserreich überwunden hatte, sah sich wider den Fortschrittsglauben einer Gefahr ausgesetzt, der die entsprechenden Geschlechtsmerkmale fehlten. Proklamierte Walter Gropius anfangs noch »absolute Gleichberechtigung, aber auch absolute gleiche Pflichten in der Arbeit aller Handwerker«, sah die Realität alsbald ganz anders aus. Der Formmeister der Töpferei sprach sich dafür aus, möglichst keine Frauen in seiner Werkstatt aufzunehmen. Ähnliches war vom Leiter der Druckerei zu hören, dem es für künftige Klassen besser schien, Frauen aus seinem Metier fernzuhalten.

Dies hatte freilich vielerlei Gründe, die sich am Ende immer darauf konzentrierten, dass Frauen nun mal für das Einfache und Hübsche geschaffen wären. Am Ende sollte das Bauhaus als die fortschrittliche Institution gesehen werden, die sich nicht um Kunsthandwerk kümmere, sondern daran arbeite, die Welt zu verändern. Das Bild der Frau, welche das Hübsche wolle, passte somit nicht in Männerdomänen wie etwa die Architektur. Zwar gab es Ausnahmen, wie zum Beispiel Lou Scheper-Berkenkamp, die in der Werkstatt für Wandmalerei lernte und später ohne Immatrikulation unter der Leitung Oskar Schlemmers in der Bühnenwerkstatt des Bauhauses wirkte. Sie blieb eine Ausnahme. Schlemmer machte nie einen Hehl daraus, dass Frauen nichts in der Architektur oder ihr verwandten Disziplinen zu suchen hätten und stand dem weiblichen Geschlecht am Bauhaus generell kritisch gegenüber. Womit er sich in bester Gesellschaft befand.

»… bildet sich am Bauhaus mehr und mehr eine ausgesprochene Frauenabteilung, die sich namentlich mit textilen Arbeiten beschäftigt, auch Buchbinderei und Töpferei nehmen Frauen auf. Gegen Ausbildung von Architektinnen sprechen wir uns grundsätzlich aus.«
Walter Gropius in einem Brief an Anni Weil, Wien, 23. Februar 1921

Ein Experimentierfeld der Frauen wurde die Fotografie, in der weibliche Studierende auch nicht gern gesehen waren. Was hier geschah, hatte so gar nichts mit dem Hübschen zu tun. Ohne öffentlich mit dem traditionellen Frauenbild brechen zu müssen, konnte dessen Selbstverständnis auf künstlerische Weise hinterfragt und weiterentwickelt werden, auf Silbergelatine wurden dieser Aufbruch und die phantastischen Möglichkeiten festgehalten. So sorgte beispielsweise das paritätische Künstlerduo ringl + pit für Furore, Ellen Auerbach und Grete Stern sind heute mit ihren aufregenden Aufnahmen und verstörenden, erotischen oder abstrakten Fotomontagen in zahlreichen erstklassigen Kunstsammlungen vertreten.

Zur wahren »Frauenklasse« aber avancierte die Weberei. Die Zahl der weiblichen Studierenden sank unaufhörlich, gleichzeitig sollte diese Werkstatt zum Abstellgleis für die Damenwelt werden. Hier sollten Frauen dem Kunstgewerbe und damit dem Schönen nachgehen, ohne die Herren bei den wirklich wichtigen Dingen zu stören. Weberei galt als unterste Stufe der Bauhaus-Klassen, folgerichtig konnte hier ruhig eine Frau »Meister« werden. 1925 strebte man in Dessau mit «Kunst und Technik — eine neue Einheit« nicht nur nach Serienproduktion und Professionalisierung des Unterrichts. In jenem Jahr betrat auch Gunta Stölzl das Parkett, allein unter 12 Männern stieg sie zur Führungskraft auf.

»Wo Wolle ist ist auch ein Weib das webt und sei’s zum Zeitvertreib.«
Oskar Schlemmer, Formmeister Wandmalerei, in der Chronik zu neun Jahren Bauhaus, 1928

Stölzl wurde Leiterin der Webereiwerkstatt, welche sie gemeinsam mit Benita Koch-Otte aufgebaut hatte. Während sich der Meisterrat in Sicherheit wähnte und mit teils absurden Beweggründen Frauen weiter in die Weberei drängte, stand den Damen auf dem vermeintlichen Abstellgleis mitnichten der Sinn nach sich liebenden Schwänen und Blümchenwiesen. Stattdessen entwickelte sich dort eine Dampflok, die unaufhaltsam in die Zukunft raste. So schloss Anni Albers 1930 ihr Diplom mit einem Vorhang aus Baumwolle und Cellophan ab, der lichtreflektierend und schalldämpfend war. Die Innovationskraft und Kreativität der Weberinnen machte die Werkstatt innerhalb kürzester Zeit zu einem der Entwicklungsmotoren des Industrial Designs und zu einem der profitabelsten Bereiche des Bauhauses. Nicht nur wurde die Weberei eine unverzichtbare Stütze für die kapitalschwache Gewerbeschule, sie setzte Maßstäbe und ließ das sogenannte Kunstgewerbe zur anerkannten Textilkunst aufsteigen. Doch erneut war Gefahr in Verzug.

»Jedenfalls gehört die Frage der Frauen und Mädchen überhaupt zu den Problemen des Bauhauses. Ich meine: Gleichberechtigung, Duldung oder Ausschluss.«
Tagebuch von Oskar Schlemmer (teilveröffentlicht), Eintrag 02. März 1928

Viele der Frauen, deren zweites Ich die Bauhaus-Idee geworden war und deren Schaffenskraft erst sehr spät gewürdigt wurde, wirkten im toten Winkel des Bauhauses. Mit Ausnahme der Fachwelt sind sie in der öffentlichen Wahrnehmung bis heute stark unterrepräsentiert. Inzwischen gibt es einige Publikationen und auch mehrsprachige Einträge bei Wikipedia, sodass sich Interessierte besser informieren können. Frei zugängliches Bildmaterial bleibt hingegen rar. Es bleibt jedoch zu hoffen, dass sich im Zuge der immer lauter werdenden Forderungen nach Gleichberechtigung und Anerkennung für das Schaffen von Frauen auch retrospektiv immer mehr Menschen mit den Arbeiten der weiblichen Bauhaus-Mitglieder auseinandersetzten. Mit diesem Artikel möchten wir einen Beitrag dazu leisten.

Gunta Stölzl (* 5. März 1897 in München; † 22. April 1983 in Männedorf ) kam 1919 als Schülerin an das Bauhaus in Weimar und konzentrierte sich auf die Weberei. Diese Werkstatt leitete sie später als eine der wenigen weiblichen Führungskräfte des Bauhauses bis 1931 und entwickelte unter anderem Textilien für die industrielle Produktion. Hervorzuheben sind ihre Patchworks aus wellenförmigen Mustern. Ihre Arbeiten finden sich vor allem in Teppichen, Vorhängen und Bespannungen für Sitzmöbel.

In internationalen Sammlungen erhalten sind neben anderem ihre Arbeiten für die Stuhl-Entwürfe von Marcel Breuer — Quadrate verschmelzen hier zu Mosaiken der Webkunst. Gemeinsam mit Breuer entwarf Stölzl 1921 den Afrikanischen Stuhl, ein Schlüsselwerk des Bauhauses. Gunta Stölzls Ehemann Arieh Sharon war jüdischen Glaubens. Nachdem sie daher aus Deutschland auswandern musste, gründete sie in Zürich eine Handweberei für Wohndesign. Sp.ter arbeitete Stölzl verstärkt als Textilkünstlerin — in ihrem Atelier entstanden Gobelins, bei denen sie mit Materialienkombinationen experimentierte.

Eine Schülerin Gunta Stölzls war Otti Berger (* 4. Oktober 1898 in Baranja; † 27. April 1944 im Konzentrationslager Auschwitz). Berger besuchte die Kunstakademie Zagreb, bevor sie ab 1927 am Bauhaus studierte und wie viele Frauen in die Werkstatt der Weberei gelangte. Zwei Jahre später erhielt sie dort eine halbe Stelle als Mitarbeiterin, vertrat 1930 Gunta Stölzl als Leiterin und übernahm 1931 die komplette Leitung der Werkstatt. Sie gehörte mit ihrem konzeptionellen Ansatz und dem daraus resultierenden umfangreichen Werk zu den kreativsten Menschen am Bauhaus und führte später in Berlin ein eigenes Atelier für Webkunst. Nachdem sie trotz Einladung von László Moholy-Nagy, dem Gründer des New Bauhaus in Chicago, nicht in die USA emigrieren konnte, kehrte sie nach Kroatien zurück. 1944 kam sie im Konzentrationslager Auschwitz um. Otti Berger hinterließ jedoch ihre Spuren in renommierten Sammlungen wie der des Metropolitan Museum of Art in New York City.

Zum Exportschlager des Bauhauses und der ehemaligen Industriemetropolen Chemnitz und Gotha wurden die legendären Entwürfe von Marianne Brandt (* 01. Oktober 1893 in Chemnitz; † 18. Juni 1983 in Kirchberg). Sie gehört bis heute zweifelsfrei zu den zentralen ProtagonistInnen des Industriedesigns. Brandt beschäftigte sich zunächst mit der Malerei, doch folgte sie schon bald dem Ruf des Bauhauses, wo sie in Weimar zum Wintersemester 1923/24 mit ihrer Ausbildung begann. Ihre Arbeiten beeindruckten László Moholy-Nagy derart, dass er für Brandt seine Metallwerkstatt am Bauhaus öffnete — in dieser Disziplin eine Ausnahme und ein Glück für die designbegeisterte Welt. 1926 wurde sie stellvertretende Leiterin der Metallwerkstatt, ab April 1928 gar deren kommissarische Leiterin. Marianne Brandts Entwürfe für Haushaltsgegenstände wie Aschenbecher, Teekannen oder Serviettenhalter stiegen auf zu Ikonen des Bauhaus-Designs. Sie finden sich im MoMA und dem Milwaukee Art Museum genauso wie in den bedeutendsten Sammlungen Europas. Kommerziell erfolgreich wurden vor allem ihre Tischleuchten für Kandem, die bis heute in großer Zahl gehandelt werden. 1929 übernahm Brandt die Leitung der Konstruktionsabteilung der Metallwarenfabrik Ruppelwerk GmbH in Gotha, die auf Massenprodukte spezialisiert war, 1930 war sie an der Werkbund-Ausstellung in Paris beteiligt. Nach dem Zweiten Weltkrieg beschäftigte sich Brandt wieder mit der Malerei, wirkte aber auch im Industriedesign an der Staatlichen Hochschule für Werkkunst (heute Teil der Hochschule für Bildende Künste Dresden) und der Kunsthochschule Berlin-Weißensee (heute weißensee kunsthochschule berlin). Zu ihrem Gedenken wird in Chemnitz seit dem Jahr 2000 alle drei Jahre der europaweite Marianne-Brandt-Wettbewerb ausgeschrieben.

Das Bauhaus feierte 2019 sein 100-jähriges Bestehen. Weiterhin gilt es, die Ideen dieser einflussreichen Schule erfolgreich in die Zukunft zu führen. Dazu beitragen kann jede und jeder selbst, zum Beispiel mit der Recherche und der eigenen Weiterentwicklung mit Blick auf die Visionen der Schule der Moderne. Dabei können wir lernen, Probleme zu lösen oder Nischen erfolgreich zu besetzen — so wie es auch die unbekannteren weiblichen Stars am Bauhaus taten.

bauhaus100.de

Ein ungleiches Paar

Es gibt wahrlich unzählige Palazzi in Venedig. Deswegen verwundert es nicht, dass das Alleinstellungsmerkmal, mit dem sich das Hotel Bauer von den anderen Luxushotels der Lagunenstadt abgrenzt, nicht sein pittoreskes, aus dem 18. Jahrhundert stammendes Gebäude direkt am Canale Grande ist, sondern vielmehr der dahinterliegende, graue Vierzigerjahre-Kubus.
In jeder anderen Stadt würde man diesem brutalistisch anmutenden Bau wohl recht wenig Aufmerksamkeit schenken, doch in Venedig, dieser Stadt, die in ihrer perfekten Schönheit schon fast einem Freiluftmuseum gleicht, ist man fast ein bisschen dankbar für den architektonischen, unerwartet harten Bruch, den dieses Gebäude wagt.

Mit dem Neubau des Hotel Bauer wurde erst gar nicht versucht, sich ins dekorative Gesamtbild des Campo San Moisè mit seiner prunkvollen gleichnamigen Kirche aus dem 17. Jahrhundert einzufügen. Man möchte sich besser nicht vorstellen, welch ein Skandal die gewählte Architektur zur Zeit der Erbauung gewesen sein muss. Doch diese Zeiten sind vergessen, längst ist das Bauer geliebter Kult – unter den Einheimischen genauso wie bei den zahlreichen Besuchern und Besucherinnen Venedigs.

Hotelgäste haben natürlich die Wahl, ob sie lieber im alten oder im neuen Teil des Ensembles logieren möchten. Dabei haben die Zimmer beider Gebäude nicht nur die opulente Ausstattung mit üppig gepolsterten Betten und dramatischen Seidentapeten an den Wänden gemein. Was vielmehr das gesamte Hotel so besonders macht, ist, wie gekonnt die Lagunenstadt Venedig mit ihren Kanälen und ihren Fassaden als Dekorationselement in die Architektur integriert wird. Egal ob durch die bodentiefen Fenster des Neubaus oder die teilweise knapp fünf Meter hohen Altbaufenster, ein traumhafter Ausblick ist einem an scheinbar jeder Ecke des Bauer geboten.

Trotzdem ist die in höchstem Maße eklektische Innenausstattung mehr als nur Nebendarsteller. Fast ironisch werden die unterschiedlichsten Stile miteinander kombiniert. Verschiedene Möbelstücke findet man oftmals genau dort, wo man sie gerade nicht erwartet. Barockbetten im Neubau, Sixtiesluster im alten Palazzo und Art Deco Sessel gleichermaßen im Renaissancesäulengang wie im Mid-Century Konferenzsaal.

Materialtechnisch setzte man im Altbau wie auch im Neubau auf Hochpoliertes. Allgegenwärtig sind Glasskulpturen und Murano-Leuchter, glänzende Edelholzverkleidungen und reflektierende Spiegel. Die Verwendung von zurückhaltenden Farbtönen verhindert dabei allerdings, dass die Räumlichkeiten zu penetrant oder gar protzig wirken.

Besonders während der Biennale, wenn sich KünstlerInnen, SammlerInnen und KuratorInnen hier gegenseitig die Klinke in die Hand geben, wird klar, das Bauer ist optisch und gesellschaftlich ein höchst charmantes Haus, das nicht zwanghaft gefallen möchte und genau deswegen so vielen gefällt. [AD]

Verantwortlich für das Design: Chefsache! Bis zum Verkauf 2019 oblag der Vorbesitzerin Francesca Bortolotto Possati die innenarchitektonische Gestaltung.

Lieblingsmöbel: Die unzähligen kostbaren Murano-Kronleuchter des Hotels.

Absolut dekadent: Der Jacuzzi auf dem Dach mit Blick auf den Markusdom kann privatisiert werden. Im Package enthalten sind eine Flasche Prosecco und eine Fruchtplatte.

Überhaupt nicht dekadent: Die Zimmerpreise – das Standardzimmer gibt es bereits ab 179.- Euro.

Covid-19 Status: Hotel vorübergehend geschlossen, voraussichtliche Wiedereröffnung ab Mai 2021.

Das Fabrikgelände des Unternehmens ist mit seinen diversen Gebäuden ein historisches Zeugnis über den Wachstumsverlauf von Lindt & Sprüngli. Eine eklektische Hallenmischung aus diversen Epochen veranschaulicht, zu welcher Zeit wieder mal eine bauliche Erweiterung aufgrund des wirtschaftlichen Erfolges von Nöten war. Architektonisch konnte man das Ensemble bisher wohlwollend als industriell zweckmäßig bezeichnen, architektonisch aufregend war es jedoch nicht.

Das änderte sich allerdings im vergangenen Herbst mit der Eröffnung des neu erbauten Lindt Home of Chocolate. Denn hier kommen nicht nur Schokoladen-, sondern auch ArchitekturliebhaberInnen auf ihre Kosten. Mit dem Basler Büro Christ & Gantenbein gewannen Eidgenossen den Etat, um das durchaus gewaltige Projekt zu realisieren.
Das Ergebnis ist ein krasser Gegenentwurf zur romantisierten Schokoladenfabrik à la Willy Wonka. Bereits beim Namen wird die Seriosität, mit der Lindt dieses Projekt angeht, deutlich.

Als Lindt Chocolate Competence Foundation will man hier mit einem interaktiven Museum, einem Forschungszentrum und einer Schauproduktion die Schweiz als nachhaltigen Schokoladenstandort langfristig stärken.

Das Architekturduo Christ & Gantenbein wählte bei der Gestaltung des Baus im Inneren Sichtbeton als das vorherrschende Material, ergänzt um farbig abgestimmten grauen Marmor für die Böden.
Das Herz des Gebäudes ist dabei ein über 60 Meter langes Atrium, dessen eigentlich rechteckige Grundform sich durch die an den Seiten längs angeordneten geschwungenen Wendeltreppen, graphischen Verbindungsbrücken und runden Säulen und Lichtkanäle als konvex-konkaves Formenspiel inszeniert. Die Idee dahinter war, die Bewegung der Besucher und Besucherinnen zu orchestrieren. Man kann zwar davon ausgehen, dass der ein oder andere Gast im Lindt Home of Chocolate eher der Nase folgt, jedoch sind die kreierten Wege im Inneren tatsächlich so klar strukturiert angelegt, dass die Bewegungsrichtung nahezu selbstverständlich erscheint.

Bei der Außengestaltung wurde darauf Wert gelegt, dass sich das neueste Gebäude auf dem Werksgelände gut ins Gesamtbild einfügt, was zur Folge hat, dass hier reduzierte Sachlichkeit in Form von schlichten roten Backsteinfassaden vorherrscht. Lediglich das Eingangsportal an der Süd-Ost-Ecke des Gebäudes setzt sich farblich mit weiß glasierten Ziegeln und durch eine abgerundete Form ab und betont so trotz des Dialogs mit den umliegenden Hallen die architektonische Besonderheit des Werksmuseums, die sich dann eben auch im Inneren fortsetzt.

Dabei stellt man schon direkt beim Eintreten in das Lindt Home of Chocolate fest, den örtlichen und vermutlich auch symbolischen Mittelpunkt bildet hier definitiv ein über neun Meter hoher Schokoladenbrunnen, an dem dickflüssig 1.500 Liter Schokolade herabfließt und von dem aus das gesamte Gebäude mit Kakao-Duft erfüllt wird.
So ein bisschen ist Willy Wonka dann eben doch in jeder Schokoladenfabrik präsent. [AD]

Mit der »Tiger Nose« und der kompletten Neuausrichtung der Kia-Designstrategie bewies Peter Schreyer, der damals als Chefdesigner von VW zum koreanischen Hersteller wechselte, eindeutig den richtigen Riecher.

2007 verlieh der gebürtige Bayer, damals noch in seiner Rolle als frischgebackener Designchef der Automarke, Kia ein neues Gesicht. Und zwar im wahrsten Sinne des Wortes. Seit der Präsentation seiner ersten Studie für den koreanischen Automobilhersteller, dem Sportcoupé Kia Kee, trägt nämlich jeder Kia dieselbe einprägsame Nase im Autogesicht – die sogenannte »Tiger Nose«. Sie ist seither das zentrale Erkennungsmerkmal der Marke und Kernelement einer neuen Designphilosophie, die mit dem Antritt Schreyers als Designchef ins Hause Kia einzog. Bei der Entwicklung dieser neuen gestalterischen Ausrichtung hatte Peter Schreyer, der zuvor bei VW als Designchef tätig war, freie Hand. Und war darüber hocherfreut, wie er anlässlich der Vorstellung des Kee auf der IAA 2007 erklärte: »Es kommt selten vor und ist eine große Ehre, dass einem Designer zugestanden wird, die gesamte Persönlichkeit einer Marke zu formen und dabei quasi mit einem leeren Blatt Papier anzufangen.«

Drei Wochen hat er überlegt, bis er sich zur Zusage durchringen konnte. Der Wechsel selbst war dann von zahlreichen Unkenrufen begleitet. Schreyer berührte das damals wenig, der immense Gestaltungsspielraum, der ihn bei Kia erwartete, reizte ihn einfach viel zu sehr. Und die Möglichkeit der Marke damit ein neues Profil zu geben. Die »Tiger Nose« war dabei »schon so etwas wie ein Geistesblitz«, erklärt er in einem Interview mit der deutschen Zeitschrift Auto Bild. »Ich habe nach einem Familiengesicht gesucht, das die Autos zentriert, gleichzeitig aber unique und doch von Modell zu Modell variabel ist.« Als er damit begann, an der mittlerweile markentypischen Tigernase zu arbeiten, war Schreyer auf der Suche nach einem starken visuellen Signal, nach einer Art Siegel und Identifikator. »Die Front eines Autos braucht diese Wiedererkennung, diesen Ausdruck. Ein Auto braucht ein Gesicht, und ich denke, das neue Kia-Gesicht ist stark und unverwechselbar. Die Sichtbarkeit ist entscheidend, und dieses Gesicht sollte es einem ermöglichen, einen Kia auch aus der Ferne sofort zu erkennen«, so der Designer in einem Interview. Mit den beiden typischen Einstülpungen und der eher grobmaschigen Struktur des Kühlergrills vermittelt die von Peter Schreyer entworfene Front Selbstbewusstsein. Die Formen sollen kraftvoll und eigenwillig, gleichzeitig aber vertraut sein. Außerdem entspricht das markentypische Kia-Gesicht, so Peter Schreyer, der von ihm unter dem Motto »The Simplicity of the Straight Line« zusammengefassten Designsprache. Tatsächlich wirken die Designs Schreyers oft so, als ginge es vor allem darum, den Stift so selten wie möglich vom Blatt abzusetzen.

Betonen möchte Peter Schreyer, der mittlerweile vom Chefdesigner zum Präsident des Designmanagements des Gesamtkonzerns aufgestiegen ist, aber auch, dass die Idee der »Tiger Nose« nicht der Ausgangspunkt der Designentwicklung war. »Sie ist vielmehr das Ergebnis der zahllosen Arbeitsstunden, die wir darauf verwendet haben, eine charakteristische Design-DNA für Kia zu kreieren.« Dass das gelungen ist, zeigen nicht nur die Verkaufszahlen, sondern auch die zahlreichen Auszeichnungen, die Peter Schreyer für seine Designs bekommen hat. Mehrmals wurde Kia seit der Neuausrichtung der Designsprache mit dem Red Dot Design Award ausgezeichnet. »Immer der Nase nach« bedeutet im Falle Peter Schreyers und seiner »Tiger Nose« also auch, der eigenen Intuition zu folgen und sich durch irritiertes Gerede nicht vom Weg abbringen zu lassen. [Red.]

In der grellen Welt von Memphis waren Formen nicht länger an Funktionen gebunden und traditionellen Vorstellungen von Ästhetik wurde mit einer furchtlosen Anwendung von knalligen Farben und lebhaften Musterkombinationen begegnet.
Bis dato »in Stein gemeißelte« Ideen von »gutem Geschmack« wurden mit auffällig bunten und skulpturalen Möbelkonzepten herausgefordert.

Das junge Kollektiv, welches in der internationalen Designszene für einiges an Aufruhr sorgte, schaffte es mit dem ungehemmten Mix von Popkultur und Postmoderne das lebhafte Design der Achtzigerjahre entscheidend mit zu bestimmen. Der radikale und schrille Ansatz der Gruppe brachte durchaus eine gewisse Portion Humor mit sich und kombinierte Eleganz und Kitsch in einer gekonnten Weise.
Obwohl die Ära Memphis schon bereits nach wenigen Jahren ein Ende fand, gelang es der Gruppe einen Stil zu definieren, der bis heute viel Bewunderung findet und eine Inspirationsquelle für Designer und Designerinnen aus den verschiedensten Generationen bildet.

Anlässlich des 40-jährigen Gründungsjubiläums sind die Räumlichkeiten der Vitra Design Museum Gallery dem Kollektiv gewidmet. Im Rahmen der Ausstellung »Memphis. 40 Jahre Kitsch und Eleganz« sind einige der bedeutendsten Memphis-Ikonen wie Sottsass’ Beverly Regal von 1981, Martine Bedins Super Lampe von 1981 und Zeichnungen von Nathalie Du Pasquier, die Ideen der Gruppe in außergewöhnliche Textildesigns übersetzte, dort unter anderem ausgestellt. Der Vitra Campus, der vorübergehend pandemiebedingt geschlossen hat, öffnet voraussichtlich am 20. März 2021 wieder.

Im vierten Teil unserer Serie »Elevate the Daily« präsentieren wir wieder herausragende Home Gadgets, die unsere Alltags-Routine nicht nur durch formschöne Designs, sondern insbesondere auch durch eine innovative Funktionalität aufwerten. Das Spektrum der Qualitätsmerkmale, die jene von unserer Redaktion ausgesuchten Produkte auszeichnen, ist dabei breit: Manche bereichern unser Leben auf einem akustischen Level, einige setzen außergewöhnliche visuelle Akzente und andere wiederum übernehmen als sogenannte Smart-Home-Gadgets so manch lästige Haushaltsaufgabe gar völlig selbstständig.

Google Nest Hub

Um ein wahres Multitalent handelt es sich bei Google Nest Hub. Ob in Bezug auf Nachrichten, Termine, Wetter, Routen oder Rezepte – der smarte Home-Assistant lässt, wie von einem Google Produkt kaum anders zu erwarten, keinerlei Fragen offen. Stets up to date erleichtert der innovative Nest Hub zudem nicht nur die Steuerung von Smart Homes, sondern kann seinen Besitzern und Besitzerinnen auch mal als Dolmetscher unter die Arme greifen. Die an der Rückseite des Displays angebrachten Lautsprecher ermöglichen eine klare Wiedergabe von Sound und machen den Google Nest Hub so zu einem kompakten Allrounder. Ein wahrer Game-Changer für einen organisatorisch aufwändigen Alltag.

Google, Nest Hub, um 89,99 Euro

Wacaco Nanopresso

Die Nanopresso von Wacaco ist in dem Sinne ein Home Gadget, als dass sie auch außerhalb der eigenen vier Wände ein Gefühl von »Zuhausesein« vermitteln kann. Mit Hilfe der eigenen Hände sowie dem patentierten Pumpsystem ermöglicht es die innovative Espressomaschine einen stabilen Druck zur Extraktion von Kaffeekapseln zu erreichen und somit in der eigenen Küche, aber auch on the road einen unverwechselbaren Kaffeegeschmack zu erlangen. Im schönen und kompakten Design ist neben dem 80 Milliliter Wassertank zudem auch noch eine kleine Espressotasse geschickt verpackt.

Wacaco, Nanopresso, um 56,90 Euro

Chapter Recycelte PET-Flaschen, Fischernetze und Kork-Vinyl. Die Materialpalette des Polestar Precept ist zweifellos außergewöhnlich. Welche Kriterien waren für die Auswahl dieser Materialien ausschlaggebend?

Maximilian Missoni Mit Polestar Precept wollten wir die bisherigen Konventionen der Automobilbranche bewusst infrage stellen und mit einem avantgardistischen Design Möglichkeiten aufzeigen, um »Luxus« neu zu definieren. Insofern ist Precept ein Ausblick auf die Zukunft von Polestar. Mit Precept verdeutlichen wir unsere Vision von Design, Technologie und Nachhaltigkeit. Für mich ist dies eine sehr spannende Herausforderung, weil es nicht nur um die Nachhaltigkeit von Materialien geht, sondern auch um die Frage, wie man als Designer von diesen Materialien ausgehend eine völlig neue Ästhetik entwickeln kann. Genau das sehen wir als unsere Aufgabe an: eine neue Ära im Automobildesign zu beginnen und sich von Materialien zu lösen, die speziell den Innenraum von Premiumfahrzeugen bisher dominiert haben wie Chrom und Leder. Stattdessen setzen wir auf neue natürliche, nachhaltige und recycelte Materialen im Innenraum des Precept. So werden die Sitzflächen zum Beispiel aus recycelten PET-Flaschen mit einem einzigen Faden im 3D-Verfahren gestrickt – ohne jeglichen Verschnitt. Um es auf den Punkt zu bringen: Das oberste Kriterium bei der Auswahl der Materialien ist ganz klar unser nachhaltiger Ansatz.

Chapter Wo kamen die Fischernetze genau zum Einsatz?

Maximilian Missoni Die ECONYL-Teppiche im Innenraum des Precept werden aus Nylon 6 gewebt. Und dieses wird aus recycelten Fischernetzen gewonnen. Sie sind nur ein Beispiel wie die Wiederverwertung von Rohstoffen Einfluss auf die Gestaltung nimmt.

Die Sitzflächen beim Precept werden aus recycelten PET-Flaschen mit einem einzigen Faden im 3D-Verfahren gestrickt.

Chapter Welche drei Eigenschaften des Polestar Precept sind für Sie die bahnbrechendsten?

Maximilian Missoni Wir haben Precept zur Veranschaulichung der Zukunft der Marke konzipiert. Es geht erstens um Nachhaltigkeit ohne Verzicht. Wir wenden uns von gelernten Konventionen ab und experimentieren mit neuen Materialien und deren Ästhetik und verändern somit die Wahrnehmung im Automobildesign.
Zweitens kommunizieren wir die Fähigkeiten unserer elektrischen Fahrzeugarchitektur und der nächsten Generation der Kollaboration mit Google, die wir als Pioniere in der Automobilindustrie initiiert hatten. Drittens gibt Precept eine klare Vorschau auf das eigenständige Design der Marke Polestar und unserer Vision Technologie und Minimalismus formal zu einer spannenden Einheit verschmelzen zu lassen.

Chapter Was sind in Hinblick auf das Design die entscheidendsten Unterschiede zu den beiden anderen Polestar Modellen?

Maximilian Missoni Der wichtigste Unterschied zu unseren bisherigen Modellen wird sofort klar, wenn man sich vor Augen führt, was wir mit dem Precept beabsichtigten. Wir haben den Namen Precept, zu Deutsch Grundsatz oder Absichtserklärung, bewusst gewählt, um die Bedeutung dieses Autos für die Ausrichtung unserer Marke zu unterstreichen. Precept ist ein Manifest der Zukunft; unser Versprechen gegenüber den Konsumenten, in welche Richtung wir uns entwickeln werden. Im Hinblick auf das Design heißt das, dass wir mit Precept den Beweis antreten wollen, wie avantgardistisches Design und perfekte Proportionen eine neue Ästhetik für das Elektrozeitalter schaffen können. Das drückt sich bis ins kleinste Detail aus. So verbessert zum Beispiel der in die Motorhaube integrierte Frontflügel die Aerodynamik über die gesamte Karosserie durch Verringerung der Verwirbelung, was wiederum die Reichweite erhöht. Oder nehmen Sie die Scheinwerfer. Diese werden nun entlang der horizontalen Linie getrennt – eine Weiterentwicklung und Hommage an »Thors Hammer« hin zu einer futuristischen, fast schon roboterhaften Optik im Polestar Style. Wir sind auch vor radikaleren Schritten nicht zurückgeschreckt, wie zum Beispiel die Heckscheibe komplett durch ein Kamerasystem zu ersetzen. Das bietet immense Vorteile im Innenraum und bei der Dimensionierung der Heckklappe – trotz einer extrem aerodynamischen Silhouette. Dies ist für mich ein Sinnbild für unsere Philosophie neue Technologien kreativ zu nutzen, um traditionelle Lösungen zu hinterfragen.

Der Precept gibt eine klare Vorschau auf das eigenständige Design der Marke – es geht um Nachhaltigkeit ohne Verzicht und darum Technologie und Minimalismus zu einer spannenden Einheit verschmelzen zu lassen.

Chapter Was ist Ihrer Meinung nach ausschlaggebend für gelungenes Design?

Maximilian Missoni Gutes Design hat einen tieferen, gesellschaftlichen Sinn. Es verbessert nicht nur unseren Umgang mit dem Produkt, sondern auch den Umgang miteinander und letztendlich mit unserer Umwelt. Gutes Design stellt sich seiner Verantwortung. Jahrzehnte hinweg war automobiles Design ein Mittel, um inkrementelle technische Verbesserungen in einen höchst umkämpften und gesättigten Markt zu pressen. Heute ist Design ausschlaggebender Faktor, wenn es darum geht, Verhaltensänderungen in der Gesellschaft zu erkennen und diese in neue Lösungen zu gießen. Wir haben eine Verantwortung uns zuallererst zu fragen, ob eine Technologie zur Verbesserung der Situation führt, in die wir uns als Spezies gebracht haben oder nicht. Erst dann sollten wir handeln. Wir Designer haben die Fähigkeit ein Verlangen in Menschen zu wecken. Diese Fähigkeit verantwortungsvoll einzusetzen, ist zu unserer größten und wichtigsten Aufgabe geworden.
Ein zweiter ganz wichtiger Punkt ist, die zunehmende Komplexität der Technik – und somit die tägliche Reizüberflutung – nicht direkt an die Menschen weiterzugeben, sondern nur bei Bedarf zur Verfügung zu stellen. Hier werden uns Technologien wie zum Beispiel »Eye Tracking« in Kombination mit künstlicher Intelligenz helfen, Informationen zu portionieren und im richtigen Moment abrufbar zu machen.

Chapter Sie arbeiten auch als Exterieur Designer für Volvo. Ist es für Sie einfach, zwischen den Projekten zu wechseln? Inwiefern ist es möglicherweise auch bereichernd?

Maximilian Missoni Das Spannende und auch Bereichernde ist, unsere Vision weiterzuspinnen und zu zeigen, dass sich die Marke Polestar in eine ganz eigenständige Richtung bewegt, wenn auch bewusst mit gewissen Merkmalen, die an die Volvo Familie erinnern. Mit jedem weiteren Modell von Polestar wird unsere Eigenständigkeit als Marke zusehends offensichtlicher.

Mit dem Precept will Polestar bisherige Konventionen der Automobilbranche bewusst infrage stellen und mit einem avantgardistischen Design Möglichkeiten aufzeigen, um »Luxus« neu zu definieren.

Chapter Der CEO von Polestar, Thomas Ingenlath, ist ebenfalls Automobildesigner. Wie wirkt sich die Tatsache, dass Sie und Ihr Chef beide Designer sind, auf den Entstehungsprozess eines neuen Modells aus?

Maximilian Missoni Die Entstehung eines neuen Modells ist ein sehr komplexer, langwieriger Prozess, bei dem sehr viele Abteilungen und Fachkenntnisse gefragt sind. Natürlich sind Thomas Ingenlath als CEO und ich in meiner Position als Head of Design maßgeblich in die Entwicklung involviert und geben eine gewisse Richtung vor. Hier können wir auf die perfekte Symbiose aus dem traditionellen Autobau dank unserer Verbindungen zu Volvo und frischen Impulsen zurückgreifen, die wir als neue Marke setzen können. Thomas und ich haben ja bereits lange Zeit bei Volvo zusammengearbeitet. Wir teilen die gleichen Überzeugungen und vor allem die Leidenschaft für puristisches, skandinavisches Design. Sicherlich ist sein Blick auf Design wesentlich ausgeprägter als bei anderen CEOs. Dies spürt man insbesondere im Kontext der gesamten Marke. Der höchste Anspruch in Punkto Design in allen Bereichen des Unternehmens eint uns bei Polestar.

Chapter Wie würden Sie das Gefühl beschreiben, wenn eine Studie so gut ankommt, dass das Modell dann in derselben oder in ähnlicher Form in Serie gehen kann?

Maximilian Missoni Es ist faszinierend zu erleben, wie eine Vision Wirklichkeit wird, gerade auch, weil so viele individuelle Innovationen in Precept stecken. Wenn man eine neue Marke gründet, ist es befreiend und herausfordernd zugleich. Es gibt keine Vorgängermodelle oder andere Orientierungspunkte. Wir können etwas völlig Neues schaffen, das genau auf die Zeit und den Wandel der Gesellschaft zugeschnitten ist. Das ist ein sehr gutes Gefühl. Insbesondere weil unsere Vision offensichtlich sehr viele Menschen inspiriert hat, so dass wir uns entschlossen haben, Precept Realität werden zu lassen. Ich, wie viele andere, kann es kaum erwarten, ihn auf den Straßen zu sehen!

Chapter Der Polestar Precept ist in »Afterworld: The Age of Tomorrow«, Balenciagas erstem Online Game, das gleichzeitig die Präsentation der Fall 21 Kollektion des Labels ist, zu sehen. In welchen Punkten überschneiden sich die Visionen des Modelabels mit denen von Polestar?

Maximilian Missoni Dem Team von Balenciaga ging es darum, der virtuellen Umgebung im Spiel mehr Authentizität zu verleihen, indem es unseren Polestar Precept und andere Entwürfe aus unserer Instagram Design Community auf den Straßen platzierte. Als Balenciaga uns bezüglich des Afterworld-Projekts kontaktierte, welches ja von der langsamen Rückkehr zu einem gesünderen Gleichgewicht von Natur und Industrie geprägt ist, hatten wir das Gefühl, dass das perfekt zu uns passt. Unsere Vorstellungen von Premium und Nachhaltigkeit decken sich absolut mit jenen von Balenciaga. Bei Polestar ist uns bewusst, dass offene Kooperationen mit Partnern, die die gleichen Überzeugungen teilen, Innovation vorantreiben. Und gerade beim Thema Nachhaltigkeit brauchen wir Mitstreiter, um nicht nur unsere Industrie, sondern die gesamte Gesellschaft in die richtige Richtung zu bewegen.

»Unsere Vorstellungen von Premium und Nachhaltigkeit decken sich absolut mit jenen von Balenciaga.« Der Precept ist in dem ersten Online Game des Modelabels »Afterworld: The Age of Tomorrow« zu sehen.

Maximilian Missoni, Head of Design bei Polestar

Das Ökosystem rund um 3D-Drucker ist technologisch so weit entwickelt, dass heute jeder zum Designer und Produzenten werden kann. Ob Go-Pro-Halterungen, medizinische Handprothesen oder intelligente Erfindungen, die den Alltag erleichtern — Online Plattformen wie Thingiverse und MyMiniFactory räumen technische Barrieren aus dem Weg und machen eine Vielzahl freier Baupläne und Dateien für den heimischen Drucker nutzbar. Für Chapter hat der Berliner 3D-Artist Vertex Loop eine Auswahl kurioser Objekte und nützlicher Gegenstände inszeniert.

Zahnpasta-Abroller, Justin Otten, 2016

Schwimmflosse, BCN3D Technologies, 2018

Verbindung, Lael Lee, 2015

Go-Pro Griff, Akalo, 2016

Lampe, Luca Parmegiani, 2014

Smartphone-Halterung, Corentin Paquet, 2019

Klammer, Mark Chester, 2018

Kugellager, MyMiniFactory, 2013

Für die Coverstory »Raummissionen« unserer aktuellen Printausgabe »Chapter IV – The Art of Leadership« hat sich unsere Autorin Anna Sinofzik mit Pierre Jorge Gonzalez und Judith Haase von Gonzalez Haase AAS unterhalten. Das Architekturduo, das seine Anfänge in den Neunzigerjahren in New York hat, sitzt heute in Berlin und zählt dort – wie auch weit über die Grenzen der deutschen Hauptstadt hinaus – zu den renommiertesten Büros der Architekturszene. Die Projekte des Duos haben durch klare Strukturen und Lichtführung nicht nur einen hohen Wiedererkennungswert, sondern entwickeln den Begriff des Mobiliars auch mal zu dem der skulpturalen Installationen weiter. In diesem Beitrag präsentieren wir einige Outtakes der bei unserem Covershoot entstandenen Bilderreihe des Fotografen Robert Rieger.

»Wir behandeln Licht als architektonisches Element, das den Raum definiert.« – Judith Haase

»Wenn Raum Luxus ist, sollte man ihn erst recht nicht mit Objekten vollstellen.« – Pierre Jorge Gonzalez

»Wenn unsere Räume auf den ersten Blick auch kühl erscheinen, haben Sie doch immer etwas Echtes, Ehrliches an sich.« – Pierre Jorge Gonzalez

»Bei mir zu Hause sind die Räume nicht besonders klar definiert.« Der in Frankreich aufgewachsene Szenograph Pierre Jorge Gonzalez mag es, wenn Zimmer unterschiedliche Funktionen erfüllen und zu verschiedenen Zwecken verwendet werden können.

»Wir schaffen die Struktur, die Basis, welche BewohnerInnen dann zum Leben erwecken.« – Judith Haase

Es sind vor allem die unterschiedlichen, extremen Auffassungen des Duos, die die interessantesten Momente im Gestaltungsprozess definieren.

Iittala Blues Vase

myfelt Filz-Kieselsteine

KPM Bulb LAB, weiß

Muller Van Severen First Chair via The Amazing Crocodile Design Store

Jasper Morrison High Tray via Vitra, Objekte unserer Tage, Beistelltisch Neumann via The Amazing Crocodile Design Store

neubau eyewear Modell Walter & Wassily

Lyngby Porcelain Lyngby Vase

Ronan & Erwan Bouroullec Belleville Armchair via Vitra

#Fotografie Felix Frühauf

In unserer Serie »Elevate the Daily« stellen wir Home Gadgets vor, die unsere Alltags-Routine nicht nur durch formschöne Designs, sondern insbesondere auch durch eine innovative Funktionalität aufwerten. Im dritten Teil der Reihe richten wir den Fokus auf Produkte, die unser Leben vor allem auf einer akustischen Ebene bereichern.

Teufel Holist M Speaker

Die Berliner Audio-Enthusiasten von Teufel sind besonders für den fulminanten Basssound ihrer Produkte bekannt. Der Bluetooth Speaker Holist M zeichnet sich allerdings nicht nur durch die verlässlich gute und enorm leistungsstarke Soundwiedergabe aus, sondern ist unter anderem auch darauf ausgelegt, eingehende Tonsignale tadellos wahrzunehmen. So sorgen vier eingebaute HD-Mikrofone mit Electronic Noise Cancelling für das sichere Erfassen von Sprachbefehlen aus allen Richtungen – einer reibungslosen Steuerung via Alexa und Co kann so also auch bei lauten Nebengeräuschen nichts in die Quere kommen. Der 360-Grad-Sound sorgt für einen mitreißenden Klang aus allen Winkeln und durch den optionalen Standfuß kann der Holist M auch zu einem formschönen Standspeaker transformiert werden.

Teufel, Holist M, um 499,99 Euro

Aus den Antworten der weltweit insgesamt 2.500 befragten zwischen 18- bis 24-Jährigen kristallisierte sich deutlich heraus, dass die Gen-Z gutem Design einiges an Bedeutung zuspricht. So sind 69 Prozent der Befragten davon überzeugt, dass ihr Leben durch ausgereiftes Design positiv beeinflusst werden kann.

Was gelungenes Design für die Generation Z jedoch ausmacht? – Die Studie ergibt, dass hier vor allem Inklusion und Benutzerfreundlichkeit eine bedeutende Rolle spielen. Laut 78 Prozent der Teilnehmenden muss ein gut entworfenes Produkt für alle Nutzer und Nutzerinnen, unabhängig von Alter, Erfahrung oder körperlichen Beeinträchtigungen problemlos benutzt werden können.
Auch Nachhaltigkeit spielt für die Gen-Z eine große Rolle. 56 Prozent der PartizipantInnen bewerten ein qualitativ hochwertiges Produkt mit langlebigem Design als nachhaltig, weil sich so der Lebenszyklus verlängert und insgesamt weniger konsumiert wird. Die deutsche Gen-Z legt im Vergleich zu den anderen Befragten zudem besonderes Gewicht auf ästhetische Faktoren wie ein ansprechendes Äußeres.

Virgil Abloh und das Braun Design Team haben anlässlich des 100-jährigen Jubiläums der Marke eine Neuauflage der Hi-Fi-Wandanlage von 1965 erarbeitet und gleichzeitig ein funktionales Kunstwerk erschaffen.

Mit seinen Designgrundsätzen »Intuitiv, Nützlich und Langlebig« scheint Braun somit nach wie vor am Puls der Zeit zu sein.

Dies wird auch in einer der aktuellsten Kooperationen der Marke deutlich. In Zusammenarbeit mit dem Designer, Modeschöpfer, DJ und Unternehmer Virgil Abloh wurde so eine Neuauflage der Hi-Fi-Wandanlage von 1965 erarbeitet und gleichzeitig ein funktionales Kunstwerk erschaffen.
Die Neuinterpretation des Braun Klassikers verdeutlicht so Parallelen zwischen historischen Braun Produkten sowie Inspirationen des Designers. Dies wird unter anderem bei den Materialeinflüssen sichtbar – poliertes Chrom – welches sich beispielsweise sowohl im SM3 Braun Rasierer aus dem Jahre 1960 aber auch in der Hip-Hop Kultur der Achtzigerjahre in Form von hochpolierten Autos wiederfindet.

Der Braun Rasierer Sixtant SM 31 von 1962

Trotz konzeptioneller Rückendeckung durch verschiedene Referenzen orientierte man sich im Designprozess doch stets am Leitsatz »Less but better«, welcher sicherstellen sollte, dass die Funktionalität der Wandanlage als Audiogerät nicht aus dem Fokus rückt.

»Ich habe das Design von Braun schon immer sehr geschätzt. Zum 100-jährigen Bestehen der Marke habe ich die Gelegenheit ergriffen, ein Kultprodukt von Braun neu zu gestalten und dabei unsere Erwartungshaltung an Design zu hinterfragen. Das funktionale Kunstwerk, das ich gemeinsam mit dem Braun Designteam kuratiert habe, hebt nicht nur die ursprüngliche Funktion der HiFi-Wandeinheit als bestes Audiogerät seiner Zeit hervor, sondern unterstreicht auch die Qualität und die hochwertigen Materialien, die seine Langlebigkeit gewährleisten. Functional Art erbringt hierbei den Beweis, dass gutes Design einfach, nützlich und langlebig ist«, erläutert Virgil Abloh. [Red.]

Virgil Abloh

Eine gewisse Gelassenheit strahlt der Gründer des Luxusyacht Labels Wally zweifellos aus. Die endlosen Sommermonate seiner Kindheit, die er in Portofino, einem kleinen Fischerdorf an Italiens Westküste, verbracht hat, lassen vermuten, dass dieser Charakterzug bei dem charismatischen Italiener wohl schon früh Einzug gehalten hat.
Es waren die Zeiten in diesem Dorf, die Luca Bassani gelehrt haben, was man mit, am und beim Meer alles machen kann: »Rudern, Steuern, Segeln, Fischen, Schwimmen« – erinnert sich Bassani im Interview.

Nach einer arbeitsintensiven Zeit in der väterlichen Fabrik für Elektroteile und deren anschließendem Verkauf entschied der damals Mitte 30-jährige Unternehmer, sich seinen größten Wunsch zu erfüllen und sich seine eigene Segelyacht zuzulegen. Da es die Yacht seiner Träume in der Form allerdings noch nicht gab, entschloss sich der passionierte Segler kurzerhand dazu selbst ein Boot ganz nach seinen persönlichen Vorstellungen zu bauen. So entstand damals Bassanis erste Yacht, die Wallygator. Nur wenige Jahre später gründete er das Unternehmen mit einem ähnlichen Namen.

Am Anfang von den Konkurrenten aus der eher traditionell verankerten Yachtszene noch mit Argwohn belächelt, ist Wally heute längst ein Trendsetter in Sachen Design und Innovation und trägt eine Handschrift, die durch Exklusivität, aber auch durch eine gewisse Coolness definiert wird.

Selbst nach fast drei Dekaden in der Branche vertritt Bassani jedoch immer noch die Meinung: »Die perfekte Yacht existiert nicht.« Der Wally-Gründer ist davon überzeugt, dass eine Yacht in den Augen ihrer Besitzer und Besitzerinnen zwar ideal sein kann, Geschmäcker und Bedürfnisse aber doch verschieden sind und ein universeller Anspruch auf Perfektion daher niemals erhoben werden kann.

Wenn die individuellen Ansprüche auch variieren mögen, so spielt für Bassani »Schönheit« zum Beginn des Designprozesses seiner Yachten aber doch immer eine bedeutende Rolle. Immerhin gelten Schönheit und Funktionalität als die zwei Hauptsäulen, auf die das Unternehmen aufbaut. Leistung, Innovation und Design waren jedoch wesentlich, um die ersten beiden Treiber zu erreichen und zu realisieren, so Bassani.
Der Begriff der Leistung ist für den Italiener ebenso relativ – so könnte Leistung als Geschwindigkeit aber auch als Komfort oder Seetüchtigkeit verstanden werden.

Was auch immer man selbst unter Leistung oder Perfektion versteht – Wally hat schon so einige Träume erfüllt – seien es großzügige Raumaufteilungen, die die Grenzen zwischen innen und außen verschwimmen lassen, Designs, die sich auf das Wesentliche beschränken und dieses aber wiederum besonders betonen oder aber auch Höchstgeschwindigkeiten, die einem das Gefühl geben über das Meer fliegen zu können.
Durch die Entwicklung von kraftvollen Motoryachten sorgt Wally nämlich nicht nur bei Segelsport-Begeisterten für weiche Knie.

Das wohl bekannteste Modell der Firma, die rund 36 Meter lange 118 WallyPower, hat zum Zeitpunkt ihres Erscheinens 2003, durch ihr einzigartiges Design und einer Höchstgeschwindigkeit von rund 60 Knoten einiges an Aufmerksamkeit erregt.

Ein zügiges Gleiten über die Meere dieser Welt und ein geschliffenes Exterieur sind aber nicht alles, was Wally zu bieten hat. Für das Interieur seiner Yachten kooperiert das Unternehmen ebenfalls gerne mit namhaften Partnern. So hat sich das italienische Designstudio Pininfarina zum Beispiel bei der WallyCento Tango der Innengestaltung der Yacht angenommen.
Auf die Frage, mit welchen Marken Bassani denn in Zukunft ganz generell gerne zusammenarbeiten würde, folgt ein klares »Apple!«

2019 fusionierte Wally mit der Ferretti Group. Die Ferretti Group ist Europas größter Hersteller von Luxusyachten und zählt unter anderem exklusive Marken wie Riva, Itama und Pershing Yacht zu ihrer Familie. Das erste Ergebnis der Partnerschaft mit der Ferretti Group war die 48 Wallytender. Die Linie hat vor allem in Hinblick auf »Qualität der Konstruktion, Service und Betreuung von Partnerschaften« von dem Zusammenschluss profitiert.

»Zwischen uns und Wally besteht schon lange eine gegenseitige Faszination«, verrät uns Stefano de Vivo, Managing Director von Wally und CCO der Ferretti Group. Letztere will mit der Anwendung von geteiltem Wissen, gemeinsamer Visionen sowie großen Investitionen an der weiteren Entwicklung von Wally arbeiten. »Als passionierter Yachtsportler bin ich begeistert von der exklusiven Zusammenarbeit mit Luca Bassani: Gemeinsam treiben wir die Grenzen von Innovation und ästhetischer Avantgarde weiter voran.«

Über die nächste Wally bemerkt Bassani geheimnisvoll: »Ich kann nur sagen, dass sie ganz anders sein wird, viel nachhaltiger und noch schöner.« Man darf also gespannt sein, was die Zukunft der Marke mit sich bringt. [MLS]

Lamb, der im Kontext der Präsentation seiner Werke »keine Szenografie« mag, keine »Sockel, Podeste, Fassaden, Vorhänge«, stellt den Entstehungsprozess immer in das Zentrum seiner Arbeit. Oft, wenn auch nicht immer, lässt uns der Designer das Zustandekommen seiner jeweiligen Möbel oder Objekte durch deren grobe Formgebung erahnen. Eine unprätentiöse Arbeitsweise, die stete Verwendung hochwertiger und teils dekontextualisierter Materialien und erfrischende Resultate formen somit die Handschrift von Max Lamb.

Auf seiner stetigen Suche nach neu zu erlernendem Handwerk bereist er verschiedenste Regionen der Welt, die dabei gewonnenen Eindrücke und angeeigneten Fähigkeiten sind in den Arbeiten des Designers oft deutlich wiederzuerkennen. Auf den Spuren von Max Lamb besuchen wir daher – wenn auch den Umständen entsprechend nur virtuell – einige der Orte, an denen vergangene Projekte des britischen Designers ihren Anfang gefunden haben.

Italien – Carisolo
Marmoreal

In Zusammenarbeit mit den in London ansässigen Produzenten von architektonischen Materialien DZEK hat Max Lamb im Jahr 2014 Marmoreal entwickelt. Den synthetischen Marmor hat der Designer im Rahmen einer intensiven Materialrecherche in Carisolo, einer kleinen Gemeinde im Norden Italiens, entwickelt. Bestehend aus vier verschiedenen Marmorsorten (Rosso Verona, Giallo Mori, Verde Alpi and Bianco Verona) hat Lamb dort eine neue Interpretation des klassischen Terazzo Marmors entwickelt. Bei Marmoreal werden, im Vergleich zum traditionellen Terazzo Marmor, große Steinstücke integriert und formen so besonders auffällige grafische Akzente. Das entwickelte Material besteht aus 95 Prozent Marmor und fünf Prozent Polyesterharz, was für einen festeren, weniger porösen Stein sorgt. Für die erstmalige Präsentation der neuen architektonischen Oberfläche gestaltete der Designer eine Reihe von Möbel, die die außergewöhnliche Beschaffenheit des Materials betonen und auf der Design Miami Basel sowie Salone del Mobile der Öffentlichkeit gezeigt wurden.

Japan – Wajimi
Urushi Möbel

Die Begeisterung für das Urushi Lack-Verfahren begleitet Max Lamb schon seit vielen Jahren und findet in seinen Projekten wiederholt Anwendung. Bei dem Verfahren handelt es sich um eine Technik, die eine Jahrtausend alte Geschichte in Ostasien aufzuweisen hat. Holzgegenstände, im traditionellen Gebrauch sind diese oft funktionales Geschirr, werden hierbei Schicht für Schicht mit dem harzähnlichen Saft des giftigen Lackbaums toxicodendron vernicifluum lackiert. Da das Trocknen der einzelnen Schichten viel Zeit in Anspruch nimmt, kann das Fertigstellen eines Urushi Objekts mehrere Monate dauern. Sobald der Lack jedoch getrocknet ist, erweist sich dieser als extrem hart, haltbar und wasserfest und bildet so die ideale Beschichtung für Gebrauchsgegenstände des Alltags.

Für die Erlernung dieser Technik und der Entwicklung seiner eigenen Objekte reiste Max Lamb vermehrt nach Japan und arbeitete dort mit lokalen Handwerkern zusammen.

Traditionell trägt man den Lack so oft auf, bis die ursprüngliche Holzstruktur kaum noch zu erkennen ist. Lamb hat auch hier einen persönlichen Zugang zu dieser Technik gefunden und diese für seine Möbel zeitgenössisch interpretiert. Bei seinem Urushi Stool, den er in Zusammenarbeit mit Hidetaka Wakashima für die Gallery FUMI entworfen hat, stößt diese geschichtsträchtige Methode so zum Beispiel auf zeitgenössisch grob geschlagene Holzmöbel und kreiert einen unglaublich spannenden Kontrast zwischen traditioneller Technik und ihrer zeitgenössischen Anwendung.

Australien – NSW, Gosford Quarries
Hawkesbury Sandstone Furniture

Als Nächstes verschlägt es uns nach Australien. Für Broached Commissions hat sich Max Lamb im Jahre 2011 dem Material des Hawkesbury Sandsteins gewidmet.
Für Lamb hat sich diese Art des Sandsteins in seiner vorhergehenden Recherche als signifikante Eigenschaft der Bucht von Sydney manifestiert und wurde so zum Zentrum seiner Arbeit vor Ort. Wie so oft ist Max Lamb auch für dieses Projekt ohne eine genaue Vorstellung von endgültigen Formen und Designs angekommen und hat sich bei der Entwicklung von der lokalen Geschichte, den Handwerkern und Handwerkerinnen sowie den zur Verfügung stehenden Werkzeugen inspirieren lassen.

Bei einem einmonatigen Aufenthalt in Sydney entstand so eine Serie aus formschönen Sandstein-Möbelstücken in Zusammenarbeit mit den Gosford Quarries. Die Kollektion setzt sich unter anderem aus einem Tisch, Hockern, einer Bank sowie einer kleinen Treppe zusammen und birgt zahlreiche Referenzen zur Kolonialgeschichte Australiens.

United Kingdom, Cornwall, Caerhays Beach
Pewter Stools

Den letzten Stop der Materialreise mit Max Lamb verlegen wir an den Ort seines Ursprungs, nach Cornwall. Der Designer ist an Westenglands Küsten aufgewachsen und beschreibt seine Kindheit dort oft als den Auslöser für die Naturverbundenheit und die Verfolgung des praktischen Ansatzes in seiner Arbeit. Seit seiner Studienzeit hat Lamb den Strand wiederholt für Experimente mit dem Sandgussverfahren aufgesucht. Unter anderem ist er dorthin auch im Jahre 2014 zurückgekehrt um mit derselben Technik eine Serie von sieben dreibeinigen Hockern zu formen, welche von der Johnson Trading Gallery auf der Design Miami Basel im Jahre 2014 präsentiert wurden. Aufgrund der geringen Materialanforderungen gilt diese Methode als eine der einfachsten Formen des Gießens. Der Designer hat dafür geschmolzenes Zinn in eine zuvor direkt in den Sand geformte Hohlform gegossen. Nach bereits zehn Minuten kühlt das verwendete Material ab und das fertige Objekt kann direkt am Strand ausgegraben werden. Das Ergebnis ist auch hier wieder ein zeitgenössisches Möbelstück, welches durch die Geschichte seiner Entstehung schon vor der ersten Verwendung ganze Bände spricht. [MS]

Pewter Stool – Max Lamb, Film: Max Lamb, 2006, 4 Min, Quelle: Max Lamb, Vimeo

Mehr Einblicke in die Arbeit von Max Lamb können direkt auf seiner Website gewonnen werden.